Ka shumë tipare të përbashkëta që ndërlidhnin artin e fushave të ndryshme, nga shekulli IV deri në shekullin I para Krishtit. Në ato kohëra të lashta, ajo mishëroi një ide të re të madhështisë së botës, e cila gjeti manifestimin e saj edhe në skulpturën e Hellas antike.
Nga fundi i shekullit të IV para Krishtit, bota antike, në të cilën ishin të pranishme kontradiktat e brendshme, praktikisht e mbijetoi dobinë e saj. Kufijtë, popujt dhe kulturat ndryshuan - një epokë e re po lindte. Kohët e Hellas antike janë të njohura për projektet e tyre fantastike: malet e kthyera në qytete, gjigantë të tillë si Kolosi i bakrit i Rodosit u shfaqën në gjirin e ishullit të Rodosit. Dëshira për të kuptuar botën e perëndive, për të shkuar përtej një kuptimi të thjeshtë njerëzor - një nga tiparet më karakteristike të skulpturës së asaj epoke.
Helenët, në zhvillimin e tyre kulturor, ndoqën një rrugë të pavarur, prandaj imazhet skulpturore dhe arkitekturore që krijuan ishin kaq të sinqerta dhe sublime. Baza mitologjike e skulpturës së Greqisë antike ishte një lidhje e ngushtë me jetën e zakonshme të qytetarëve të thjeshtë të lirë. Ajo kishte një orientim arsimor dhe fisnikërues. Shumë mjeshtër të asaj kohe u emocionuan nga ideja e një njeriu të përsosur, të bukur, të zhvilluar në mënyrë harmonike dhe imazhi i tij në art. Kjo, para së gjithash, ndihet në skulpturat e lashta të krijuara nga një prej mjeshtrave më të mëdhenj - Polycletus of Argos. Në veprat e Polycletus, tiparet kryesore stilistike të skulpturës së Hellas antike janë mishërimi i tyre i vërtetë: qetësia, qëndrueshmëria e pozave, aeroplanët e mëdhenj, koleksioni i imazheve.
Në veprat e tij, Polikleti është mjaft i përmbajtur. Imazhet në skulpturat e tij janë intime, paksa provinciale. E tillë është shtatorja e tij e Kiniskut, rinia fitimtare e Kiniskut, e cila ngriu duke vendosur në kokë kurorën e dafinës që mori si shpërblim. Kompozime të tilla portretesh kanë diçka të përbashkët me reflektimet filozofike mbi karakterin e personit ideal. Skulptorët e Hellas antike shprehnin mençurinë dhe përsosmërinë përmes plastikës. Talenti i Polikleitos mund të zbulohej plotësisht në statujën e Doriforit të Shtizës. Në imazhin e përbërë të një luftëtari, atleti dhe thjesht një qytetari trim.
Ky paraqet një djalë të ri, fitues të konkursit. Ai është përshkruar me një shtizë të gjatë mbi supe në një pozicion të qetë në këmbë. Skulptura nuk përmban tiparet e simetrisë së Apollonit të lashtë, i cili me druajtje doli përpara me këmbën e majtë. Kuptoi forcën dhe përsosmërinë e tij, të cilat u bënë një mbështetje solide për të. Mjaft e pjekur, mund të thuhet edhe seriale, vepra e Polikletit përcjell idetë e klasicizmit të lartë të skulpturës në Greqinë e lashtë. Duke iu kthyer imazhit popullor të asaj kohe të fituesit në hedhjen e shtizës, ashtu si Mironi në skulpturën e tij të Diskobolës, ai krijoi një portret jo të individualizuar të një atleti. Pavarësisht se në imazhin e Doriforit, skulptori filloi nga imazhi i një personi plotësisht real (një atlet që fitoi konkursin), ai arriti të krijojë një monument të shtypur që mbart idenë e fitores.
Dorifor u bë një shembull për shumë skulptorë të Greqisë antike në paraqitjen e një personi. Gjatë punës në skulpturë, mjeshtri ishte në gjendje të zbulonte proporcionalitetin e formave, e cila është e natyrshme në strukturën e figurës mashkullore. Besohet se përmasat e mbajtësit të shtizës bazohen në kuptimin e caktuar modular të Polikletit, i cili u vendos disa herë në elementë të ndryshëm të skulpturës - krahët, këmbët, kokën, bustin. Ky modul ishte ose falanga e gishtit të shtizës, ose gjerësia e pëllëmbës së tij, askush nuk mund ta vërtetojë këtë me siguri sot. Falë përdorimit të modulit, Polycletus arriti të krijojë një skulpturë me përmasa ideale, sipas mendimit të bashkëkohësve të tij të lashtë. Bazuar në kopjet romake që na kanë ardhur, kjo statujë duket disi e rëndë, dhe ndonjëherë edhe shumë e trashë në krahasim me skulpturat greke të shekujve të mëvonshëm. Pikërisht në këtë u shfaq dora e mjeshtrit të skulpturës së Hellas antike, në monumentet antike që na lanë përgjithmonë, u theksua guximi dhe përsosja fizike e një personi.
Një nga kryeveprat e njohura të Heladës së lashtë është grupi i skulpturave "Laocoon dhe djemtë e tij", krijuar nga tre skulptorë: Athenodorus, Agesander dhe Polydorus. Zotat i dërguan dy gjarpërinj të mëdhenj priftit trojan Laocoon dhe pasardhësve të tij. Laocoon përpiqet të shkëpusë zinxhirët e tij gjarpërinj, helmi përhapet mbi trupin e tij. Skulptura e lashtë është realizuar me mjeshtëri. Anatomia e trupit të njeriut (babait) përcillet me kujdes, ndonjëherë vjen deri te natyralizmi dhe figurat e pasardhësve të tij u ngjajnë të rriturve të mëshirshëm.
Një tjetër kryevepër e artit të Greqisë antike është skulptura e perëndeshës - kjo është Nike e Samotrakës, e krijuar në shekullin e dytë para Krishtit. Skulptura është përshkruar duke fluturuar nga piedestali në formën e skajit të anijes. Trupi i saj i bukur me rroba të lagura shfaqet në një gjysmë rrotullimi, i cili në atë kohë përdorej shumë. Krahët e fuqishëm të perëndeshës tunden, çdo pendë e gdhendur me shumë kujdes. Nga poezia e imazhit, kjo skulpturë e lashtë tejkalon të gjitha të krijuara më parë.
Përveç ideve për madhështinë dhe madhështinë e botës, skulptura e Hellas antike u zhvillua gjithashtu në një drejtim tjetër. Shembulli më i mirë i kësaj lloj skulpture është "Venus de Milo", e gjetur në territorin e gadishullit modern të Melos. Skulptura përshkruan një perëndeshë gjysmë të zhveshur, me rrobat e saj që mbështjellin këmbët dhe bustin, krahët e saj tregohen në lëvizje. Në epokën e Greqisë së lashtë, Afërdita ishte perëndesha më e dashur. Ajo u portretizua si flirtuese, më pas gëlltitëse dhe ndonjëherë edhe lozonjare. Afërdita nga ishulli Melos është e rreptë dhe e përmbajtur, flokët e saj janë të mbledhura në një model flokësh me një ndarje të qartë të drejtë dhe fytyra dhe figura e bukur e skulptorit tregohen në një mënyrë mjaft të përgjithësuar. E gjithë qëndrimi i saj, shprehja e fytyrës dhe shikimi i saj ngjallin paqe dhe qetësi.
UNIVERSITETI SHTETËROR I SHTYPIMIT TË MOSKËS
Fakulteti i Dizajnit Artistik dhe Teknik të Produkteve të Printuara
"Skulpturë antike"
Departamenti i Historisë dhe Studimeve Kulturore
Ligjërues: Asoc. Bobrova V.D.
Studenti: Mikhailova A.P. 1 kurs, grupi 2
Moskë 2002
PREZANTIMI
Antik (nga fjala latine antike-antike) quhej nga humanistët italianë të Rilindjes kultura greko-romake, si më e hershmja e njohur prej tyre. Dhe ky emër është ruajtur për të edhe sot e kësaj dite, megjithëse që atëherë janë zbuluar më shumë kultura të lashta. Ruhet si sinonim i antikitetit klasik, pra i botës në gjirin e së cilës lindi qytetërimi ynë evropian. Ruhet si një koncept që ndan saktësisht kulturën greko-romake nga botët kulturore të Lindjes së Lashtë.
Krijimi i një imazhi të përgjithësuar njerëzor, i ngritur në standardin e përsosur të unitetit të bukurisë së tij trupore dhe shpirtërore, është pothuajse e vetmja temë e artit dhe cilësia kryesore e kulturës greke në tërësi. Kjo i dha kulturës greke një forcë të rrallë artistike dhe rëndësi kyçe për kulturën botërore në të ardhmen.
Kultura e lashtë greke pati një ndikim të madh në zhvillimin e qytetërimit evropian. Arritjet arti grek pjesërisht formoi bazën e paraqitjeve estetike të epokave të mëvonshme. Pa filozofinë greke, veçanërisht Platonin dhe Aristotelin, zhvillimi as i teologjisë mesjetare, as i filozofisë së kohës sonë do të ishte i pamundur. Sistemi arsimor grek ka mbijetuar deri më sot në tiparet e tij themelore. Mitologjia dhe letërsia e lashtë greke ka frymëzuar poetë, shkrimtarë, artistë, kompozitorë për shumë shekuj. Është e vështirë të mbivlerësohet ndikimi i skulpturës antike te skulptorët e epokave të mëvonshme.
Rëndësia e kulturës së lashtë greke është aq e madhe sa që jo më kot i quajmë kohët e lulëzimit të saj "epoka e artë" e njerëzimit. Dhe tani, mijëra vjet më vonë, ne admirojmë përmasat ideale të arkitekturës, krijimet e patejkalueshme të skulptorëve, poetëve, historianëve, shkencëtarëve. Kjo kulturë është më humanja, i jep njerëzve urtësi, bukuri dhe guxim edhe sot e kësaj dite.
Periudhat në të cilat është zakon të ndahet historia dhe arti i botës antike.
Periudha antike- Kultura e Egjeut: mijëvjeçari III-shek XI. para Krishtit NS.
Periudha homerike dhe e hershme arkaike: shek.XI-VIII. para Krishtit NS.
Periudha arkaike: Shekujt VII-VI. para Krishtit NS.
Periudha klasike: nga shekulli V. deri në të tretën e fundit të shekullit IV. para Krishtit NS.
Periudha helenistike: e treta e fundit e shekujve IV-I. para Krishtit NS.
Periudha e zhvillimit të fiseve të Italisë; Kultura etruske: Shekujt VIII-II. para Krishtit NS.
Periudha mbretërore e Romës së lashtë: Shekujt VIII-VI. para Krishtit NS.
Periudha republikane e Romës së Lashtë: Shekujt V-I. para Krishtit NS.
Periudha perandorake e Romës së lashtë: Shekujt I-V. n. NS.
Në punën time do të doja të merrja në konsideratë skulpturën greke të periudhave arkaike, klasike dhe klasike të vonë, skulpturën e periudhës helenistike, si dhe skulpturën romake.
Arti grek u zhvillua nën ndikimin e tre rrjedhave kulturore shumë të ndryshme:
Egjeu, me sa duket ende ruan vitalitetin në Azinë e Vogël dhe fryma e lehtë e të cilit plotësonte nevojat shpirtërore të helenit të lashtë në të gjitha periudhat e zhvillimit të tij;
Dorian, pushtues (i krijuar nga vala e pushtimit verior të Dorianit), i prirur për të futur rregullime të rrepta në traditën e stilit që u ngrit në Kretë, për të moderuar imagjinatën e lirë dhe dinamizmin e papërmbajtur të modelit dekorativ Kretan (tashmë i thjeshtuar shumë në Mycenae ) me skematizimin më të thjeshtë gjeometrik, kokëfortë, i ngurtë dhe imperativ;
lindore, e cila solli Heladës së re, si më parë në Kretë, mostra të krijimtarisë artistike të Egjiptit dhe Mesopotamisë, konkretitetin e plotë të formave plastike dhe piktoreske, artin e saj të jashtëzakonshëm të bukur.
Për herë të parë në historinë e botës, vepra artistike e Hellas vendosi realizmin si normë absolute të artit. Por jo realizëm në kopjimin e saktë të natyrës, por në plotësimin e asaj që natyra nuk mundi të realizonte. Pra, duke ndjekur skicat e natyrës, arti duhet të përpiqet për atë përsosmëri, të cilën ajo vetëm la të kuptohet, por që ajo vetë nuk e arriti.
Në fund të shekullit të 7-të - fillimi i shekullit të 6-të. para Krishtit NS. Një ndryshim i famshëm po ndodh në artin grek. Në pikturën e vazove, vëmendja kryesore i kushtohet një personi dhe imazhi i tij merr gjithnjë e më shumë tipare reale. Ornamenti pa komplot po humbet kuptimin e tij të mëparshëm. Në të njëjtën kohë - dhe kjo është një ngjarje me rëndësi të madhe - shfaqet një skulpturë monumentale, tema kryesore e së cilës është, përsëri, një person.
Që nga ai moment, arti figurativ grek nis me vendosmëri rrugën e humanizmit, ku ishte i destinuar të fitonte lavdi të pashuar.
Në këtë rrugë, arti për herë të parë fiton një qëllim të veçantë të natyrshëm vetëm në të. Qëllimi i tij nuk është të riprodhojë figurën e të ndjerit për të siguruar një strehë shpëtimtare për "Ka"-në e tij, të mos pohojë paprekshmërinë e pushtetit të vendosur në monumente që lartësojnë këtë fuqi, të mos ndikojë me magji në forcat e natyrës të mishëruara nga artisti në imazhe konkrete. Qëllimi i artit është të krijojë bukuri që është e barabartë me të mirën, është e barabartë me përsosmërinë shpirtërore dhe fizike të një personi. Dhe nëse flasim për vlerën edukative të artit, atëherë ai rritet pa masë. Sepse bukuria ideale e krijuar nga arti krijon një përpjekje për vetë-përmirësim te një person.
Për të cituar Lessing: "Aty ku u shfaqën statuja të bukura falë njerëzve të bukur, këto, të fundit, nga ana e tyre, u bënë përshtypje të parëve dhe shteti u detyrohej statujave të bukura njerëzve të bukur".
Skulpturat e para të mbijetuara greke ende pasqyrojnë qartë ndikimin e Egjiptit. Frontaliteti dhe në fillim tejkalimi i ndrojtur i ngurtësisë së lëvizjeve - me këmbën e majtë të shtrirë përpara ose me dorën e aplikuar në gjoks. Këto statuja guri, më së shpeshti prej mermeri, me të cilat Hellas është kaq e pasur, kanë një bukuri të pashpjegueshme. Ato tregojnë një frymëmarrje rinore, të frymëzuar nga impulsi i artistit, duke prekur besimin e tij se me përpjekje këmbëngulëse dhe të mundimshme, përmirësim të vazhdueshëm të aftësive të tij, mund të zotëroni plotësisht materialin që i jep natyra.
Në një kolos mermeri (fillimi i shekullit të 6-të p.e.s.), katër herë më i lartë se një njeri, lexojmë një mbishkrim krenar: "Të gjithë unë, statuja dhe piedestali, u hoqëm nga një bllok".
Kë përfaqësojnë statujat antike?
Këta janë të rinj të zhveshur (kuros), sportistë, fitues në gara. Këto janë leh - gra të reja me tunika dhe mushama.
Një tipar domethënës: edhe në agimin e artit grek, imazhet skulpturore të perëndive ndryshojnë, dhe madje edhe atëherë jo gjithmonë, nga imazhet e një personi vetëm sipas emblemave. Pra, në të njëjtën statujë të një të riu, ndonjëherë priremi të njohim ose thjesht një atlet ose vetë Phoebus-Apollon, perëndinë e dritës dhe të arteve.
... Pra, statujat e hershme arkaike ende pasqyrojnë kanunet e përpunuara në Egjipt ose Mesopotami.
Frontal dhe i patrazuar është kouros i gjatë, ose Apolloni, i skulpturuar rreth 600 pes. NS. (Nju Jork, Muzeu Metropolitan i Artit). Fytyra e tij është e përshtatur me flokë të gjatë, të thurur me dinakëri "në një kafaz", si një parukë e fortë dhe na duket se ai u shtri para nesh për t'u treguar, duke u ekspozuar në gjerësinë e tepërt të shpatullave këndore, palëvizshmërinë e drejtë të krahët dhe ngushtësinë e lëmuar të ijeve.
Statuja e Herës nga ishulli Samos, e ekzekutuar, ndoshta në fillim të çerekut të dytë të shekullit të 6-të. para Krishtit NS. (Paris, Luvër). Në këtë mermer na magjeps madhështia e figurës, e skalitur nga fundi deri në bel në formën e një shtylle të rrumbullakët. Madhështi e ngrirë, e qetë. Jeta vështirë se merret me mend nën palosjet rreptësisht paralele të tunikës, nën palosjet e rregulluara në mënyrë dekorative të mantelit.
Dhe kjo është ajo që e dallon artin e Hellas në rrugën që ai zbuloi: shpejtësia e mahnitshme e përmirësimit të metodave të përshkrimit së bashku me një ndryshim rrënjësor në vetë stilin e artit. Por jo si në Babiloni, dhe sigurisht aspak si në Egjipt, ku stili ndryshoi ngadalë gjatë mijëvjeçarëve.
Mesi i shekullit VI para Krishtit NS. Vetëm disa dekada e ndajnë "Apollo of the Shadow" (Mynih, Glyptotek) nga statujat e përmendura më parë. Por sa më e gjallë dhe e këndshme është figura e këtij të riu, tashmë të ndriçuar nga bukuria! Ai ende nuk kishte lëvizur nga vendi i tij, por tashmë ishte gati për të lëvizur. Kontura e ijeve dhe e shpatullave është më e butë, më e matur dhe buzëqeshja e tij është ndoshta më rrezatuesja, pafajësisht ngazëllyerja në arkaike.
I famshëm "Moschophor" që do të thotë "viçbartës" (Athinë, Muzeu Arkeologjik Kombëtar). Ky është një helen i ri që sjell një viç në altarin e një hyjnie. Duart që mbajnë këmbët e një kafshe të mbështetur mbi shpatullat e tij në gjoks, një kombinim kryq i këtyre duarve dhe këtyre këmbëve, një surrat e butë e një viçi të dënuar, një vështrim i zhytur në mendime i një dhuruesi të mbushur me fjalë të papërshkrueshme me rëndësi - e gjithë kjo krijon një shumë harmonike, një tërësi e pandashme përbrenda që na kënaq harmoninë e plotë të saj, muzikalitetin e tingëlluar në mermer.
"Koka e Rampenit" (Paris, Luvër), emërtuar sipas pronarit të saj të parë (Muzeu i Athinës përmban një bust mermeri pa kokë të gjetur veçmas, të cilit duket se i përshtatet koka e Luvrit). Kjo është imazhi i fituesit në konkurs, siç dëshmon edhe kurora. Buzëqeshja është pak e tendosur, por lozonjare. Flokët e dizajnuar me shumë kujdes dhe elegante. Por gjëja kryesore në këtë imazh është një kthesë e lehtë e kokës: kjo tashmë është një shkelje e frontalitetit, çlirimit në lëvizje, një pararojë e ndrojtur e lirisë së vërtetë.
Kouros "Strangford" i fundit të shekullit të 6-të është madhështor. para Krishtit NS. (Londër, Muzeu Britanik). Buzëqeshja e tij duket triumfuese. Por a nuk është për shkak se trupi i tij është kaq i hollë dhe pothuajse lirisht shfaqet para nesh me gjithë bukurinë e tij të guximshme dhe të vetëdijshme?
Kemi pasur më shumë fat me lëvoret se sa me kuros. Në 1886, katërmbëdhjetë lëvore mermeri u gërmuan nga toka nga arkeologët. U varros nga athinasit gjatë shkatërrimit të qytetit të tyre nga ushtria persiane në 480 para Krishtit. e., lëvoret ruanin pjesërisht ngjyrën e tyre (të larmishme dhe aspak natyraliste).
Së bashku, këto statuja na japin një paraqitje vizuale të Skulpturë greke gjysma e dytë e shekullit të 6-të para Krishtit NS. (Athinë, Muzeu i Akropolit).
Ose misterioze dhe shpirtërore, tani mendjemprehta dhe madje naive, tani lëvoret padyshim po buzëqeshin me koketë. Figurat e tyre janë të holla dhe madhështore, flokët e tyre pretencioze janë të pasura. Ne pamë se statujat e kourëve të kohës së tyre po çlirohen gradualisht nga ngurtësia e tyre e mëparshme: trupi i zhveshur është bërë më i gjallë dhe harmonik. Përparimi nuk është më pak i rëndësishëm në statujat femërore: palosjet e rrobave janë rregulluar gjithnjë e më me mjeshtëri për të përcjellë lëvizjen e figurës, drithërimin e jetës së trupit të mbështjellë.
Përsosmëria e vazhdueshme në realizëm - kjo është ndoshta më karakteristike e zhvillimit të të gjithë artit grek të asaj kohe. Uniteti i tij i thellë shpirtëror kapërceu karakteristikat stilistike të rajoneve të ndryshme të Greqisë.
Bardhësia e mermerit na duket e pandashme nga vetë ideali i bukurisë i mishëruar në skulpturën greke prej guri. Ngrohtësia e trupit të njeriut shkëlqen për ne përmes kësaj bardhësie, duke zbuluar mrekullisht gjithë butësinë e modelimit dhe, sipas idesë së rrënjosur tek ne, në mënyrë ideale në harmoni me kufizimin e brendshëm fisnik, qartësinë klasike të imazhit të bukurisë njerëzore të krijuar nga skulptorit.
Po, kjo bardhësi është magjepsëse, por ajo gjenerohet nga koha, e cila riktheu ngjyrën natyrale të mermerit. Koha ndryshoi pamjen e statujave greke, por nuk i shpërfytyroi ato. Sepse bukuria e këtyre statujave, si të thuash, derdhet nga vetë shpirti i tyre. Koha vetëm sa e ndriçoi këtë bukuri në një mënyrë të re, duke zbritur diçka në të, dhe diçka në mënyrë të pavullnetshme dhe duke theksuar. Por në krahasim me ato vepra arti që admironin helenët e lashtë, relievet dhe statujat antike që na kanë zbritur në diçka shumë domethënëse janë ende të privuara nga koha, dhe për këtë arsye vetë ideja jonë për skulpturën greke është e paplotë.
Ashtu si vetë natyra e Hellasit, arti grek ishte i ndritshëm dhe plot ngjyra. E ndritshme dhe e gëzueshme, ajo shkëlqeu festivisht në diell në një larmi kombinimesh ngjyrash, duke i bërë jehonë arit të diellit, vjollca e perëndimit të diellit, blu det i ngrohtë dhe gjelbërimin e kodrave përreth.
Detajet arkitekturore dhe dekorimet skulpturore të tempujve ishin me ngjyra të ndezura, gjë që i dha të gjithë ndërtesës një pamje elegante dhe festive. Ngjyrosja e pasur rriti realizmin dhe ekspresivitetin e imazheve - megjithëse, siç e dimë, ngjyrat nuk u zgjodhën saktësisht në përputhje me realitetin, - tërhoqi dhe argëtoi syrin, e bëri imazhin edhe më të qartë, më të kuptueshëm dhe më të afërt. Dhe pothuajse të gjitha skulpturat antike që na kanë ardhur e kanë humbur plotësisht këtë ngjyrë.
Arti grek i fundit të shekullit të 6-të dhe fillimit të shekullit të 5-të para Krishtit NS. mbetet në thelb arkaike. Edhe tempulli madhështor dorik i Poseidonit në Paestum, me kolonadën e tij të ruajtur mirë, i ndërtuar me gurë gëlqeror tashmë në çerekun e dytë të shekullit të 5-të, nuk tregon çlirimin e plotë të formave arkitekturore. Masiviteti dhe trupi, karakteristikë e arkitekturës arkaike, përcaktojnë pamjen e përgjithshme të saj.
E njëjta gjë vlen edhe për skulpturën e Tempullit të Athinës në ishullin Aegina, e ndërtuar pas vitit 490 para Krishtit. NS. Pedimentet e saj të famshme ishin zbukuruar me statuja mermeri, disa prej të cilave kanë ardhur deri tek ne (Mynih, Glyptotek).
Në pedimentet e mëparshme, skulptorët i rregullonin figurat në një trekëndësh, duke ndryshuar shkallën e tyre në përputhje me rrethanat. Figurat e pedimenteve egjinë janë të një shkalle (vetëm vetë Athena është më e lartë se të tjerat), gjë që tashmë shënon përparim të konsiderueshëm: ato më afër qendrës qëndrojnë në lartësinë e plotë, ato anësore paraqiten të gjunjëzuar dhe të shtrirë. Komplotet e këtyre kompozimeve harmonike janë huazuar nga Iliada. Figurat individuale janë të bukura, si luftëtari i plagosur dhe shigjetari me hark. Sukses i padyshimtë është arritur në lëvizjet çlirimtare. Por ndjehet se ky sukses është dhënë me vështirësi, se ky është vetëm një provë. Një buzëqeshje arkaike endet çuditërisht në fytyrat e luftimeve. E gjithë përbërja nuk është ende mjaft koherente, tepër e theksuar simetrike, e pa frymëzuar nga një frymë e vetme e lirë.
LULE E MADHE
Mjerisht, ne nuk mund të mburremi me një njohuri të mjaftueshme të artit grek të kësaj periudhe dhe periudhës më të shkëlqyer, të mëvonshme. Në fund të fundit, pothuajse e gjithë skulptura greke e shekullit të 5-të. para Krishtit NS. vdiq. Pra, sipas kopjeve të mëvonshme të mermerit romak nga origjinalet e humbura, kryesisht prej bronzi, shpesh detyrohemi të gjykojmë veprën e gjenive të mëdhenj, të barabartë me të cilët është e vështirë të gjesh në të gjithë historinë e artit.
Ne e dimë, për shembull, se Pitagora e Rexhias (480-450 pes) ishte skulptori më i famshëm. Me emancipimin e figurave të tij, të cilat përfshijnë, si të thuash, dy lëvizje (origjinalen dhe atë në të cilën do të shfaqet në një moment një pjesë e figurës), ai kontribuoi fuqishëm në zhvillimin e artit realist të skulpturës.
Bashkëkohësit i admiruan gjetjet e tij, vitalitetin dhe vërtetësinë e imazheve të tij. Por, sigurisht, ato pak kopje romake të veprave të tij që na kanë ardhur (si, për shembull, "Djali që nxjerr një gjemb". Roma, Palazzo i Konservatorëve) janë të pamjaftueshme për të vlerësuar plotësisht punën e këtij guximtari. novator.
Tashmë "Kariotieri" me famë botërore është një ekzemplar i rrallë i skulpturës prej bronzi, një fragment i mbijetuar aksidentalisht i një kompozimi grupor të realizuar rreth vitit 450 para Krishtit. Një rini e hollë, si një kolonë që ka marrë një formë njerëzore (palosjet rreptësisht vertikale të mantelit të tij e rrisin më tej këtë ngjashmëri). Drejtësia e figurës është disi arkaike, por fisnikëria e saj e përgjithshme e vonë tashmë shpreh idealin klasik. Ky është fituesi i konkursit. Ai e drejton me besim karrocën dhe aq është fuqia e artit, saqë ne hamendësojmë klithmat entuziaste të turmës që dëfrejnë shpirtin e tij. Por, plot guxim dhe guxim, ai është i përmbajtur në triumfin e tij - tiparet e tij të bukura janë të patrazuara. Një njeri modest, megjithëse i vetëdijshëm për fitoren e tij, një djalë i ri, i ndriçuar nga lavdia. Ky imazh është një nga më tërheqës në artin botëror. Por ne nuk e dimë as emrin e krijuesit të saj.
Në vitet 70 të shekullit XIX, arkeologët gjermanë ndërmorën gërmimet e Olimpias në Peloponez. Në kohët e lashta, kishte ngjarje të zakonshme sportive greke, Lojërat e famshme Olimpike, sipas të cilave grekët llogaritnin. Perandorët bizantinë i ndaluan lojërat dhe shkatërruan Olimpin me të gjithë tempujt, altarët, portikët dhe stadiumet e saj.
Gërmimet ishin të mëdha: për gjashtë vjet me radhë, qindra punëtorë zbuluan një zonë të madhe të mbuluar me sediment shekullor. Rezultatet tejkaluan të gjitha pritjet: njëqind e tridhjetë statuja dhe basorelieve mermeri, trembëdhjetë mijë objekte bronzi, gjashtë mijë monedha / deri në një mijë mbishkrime, mijëra produkte balte u gërmuan nga toka. Është kënaqësi që thuajse të gjitha monumentet u lanë në vend dhe, ndonëse të rrënuara, tani flasin nën qiellin e tyre të zakonshëm, në të njëjtin truall ku u krijuan.
Metopat dhe pedimentet e Tempullit të Zeusit në Olimpia janë padyshim më domethënësit nga skulpturat e mbijetuara të çerekut të dytë të shekullit të 5-të. para Krishtit NS. Për të kuptuar ndryshimin e madh që ka ndodhur në art në këtë kohë të shkurtër - vetëm rreth tridhjetë vjet, mjafton të krahasojmë, për shembull, pedimentin perëndimor të tempullit olimpik dhe pedimentet egjinë, të cilat janë mjaft të ngjashme me të në terma. të skemës së përgjithshme kompozicionale. Si këtu ashtu edhe atje - një figurë e lartë qendrore, në anët e së cilës janë vendosur në mënyrë të barabartë grupe të vogla luftëtarësh.
Komploti i pedimentit olimpik: beteja e Lapithëve me centaurët. Sipas mitologjisë greke, centaurët (gjysmë njerëz, gjysmë kuaj) u përpoqën të rrëmbenin gratë e banorëve malësorë të Lapithëve, por ata i shpëtuan gratë dhe i shkatërruan centaurët në një betejë të ashpër. Ky komplot është përdorur tashmë më shumë se një herë nga artistët grekë (në veçanti, në pikturën e vazove) si personifikimi i triumfit të kulturës (të përfaqësuar nga lapithët) mbi barbarizmin, mbi të njëjtën fuqi të errët të Bishës në imazhin e më në fund mposhti centaurin shkelmues. Pas fitores ndaj persëve, kjo betejë mitologjike mori një tingull të veçantë në pedimentin olimpik.
Pavarësisht se sa të gjymtuara janë skulpturat e mermerit të pedimentit, ky tingull na arrin plotësisht - dhe është madhështor! Sepse, ndryshe nga pedimentet egjinë, ku figurat nuk janë salduar organikisht së bashku, gjithçka këtu është e mbushur me një ritëm të vetëm, një frymëmarrje të vetme. Së bashku me stilin arkaik, buzëqeshja arkaike është zhdukur plotësisht. Apollo mbretëron mbi betejën e nxehtë, duke udhëhequr rezultatin. Vetëm ai, zoti i dritës, është i qetë në mes të një stuhie që shpërthen pranë, ku çdo gjest, çdo fytyrë, çdo impuls plotësojnë njëri-tjetrin, duke krijuar një tërësi të vetme, të pazgjidhshme, të bukur në harmoni dhe plot dinamizëm.
Figurat madhështore të pedimentit lindor dhe metopës së tempullit olimpik të Zeusit janë gjithashtu të balancuara nga brenda. Nuk e dimë emrin e saktë të skulptorëve (kanë qenë, me sa duket, disa) që kanë krijuar këto skulptura, në të cilat fryma e lirisë feston triumfin e saj mbi arkaiken.
Ideali klasik afirmohet me fitore në skulpturë. Bronzi bëhet materiali i preferuar i skulptorit, sepse metali është më i nënshtruar se guri dhe në të është më e lehtë t'i japësh figurës çdo pozicion, madje edhe më të guximshëm, të menjëhershëm, ndonjëherë edhe "fiktive". Dhe kjo nuk cenon aspak realizmin. Në fund të fundit, siç e dimë, parimi i artit klasik grek është riprodhimi i natyrës, i korrigjuar dhe plotësuar në mënyrë krijuese nga artisti, i cili zbulon në të disi më shumë se çfarë sheh syri. Mbi të gjitha, Pitagora e Regia nuk mëkatoi kundër realizmit, duke kapur dy lëvizje të ndryshme në një imazh të vetëm! ..
Skulptori i madh Miron, i cili ka punuar në mesin e shek. para Krishtit. në Athinë, krijoi një statujë që pati një ndikim të madh në zhvillimin e arteve pamore. Ky është "Discobolus" i tij prej bronzi, i njohur tek ne nga disa kopje romake prej mermeri, aq i dëmtuar sa vetëm një kombinim i tyre.
lejohet të rikrijojë disi imazhin e humbur.
Një hedhës diskut (përndryshe, një hedhës diskut) kapet në momentin kur, duke e hedhur prapa dorën me një disk të rëndë, ai është gati ta hedhë atë në distancë. Ky është momenti kulmues, ai parashikon vizualisht tjetrin, kur disku fluturon lart në ajër dhe figura e atletit drejtohet në një vizë: një hendek i menjëhershëm midis dy lëvizjeve të fuqishme, sikur lidh të tashmen me të kaluarën dhe e ardhmja. Muskujt e topit të diskos janë tejet të tendosura, trupi i përkulur dhe ndërkohë fytyra e tij e re është plotësisht e qetë. Guxim i mrekullueshëm krijues! Një shprehje e tensionuar e fytyrës ndoshta do të ishte më e besueshme, por fisnikëria e imazhit është në këtë kontrast të impulsit fizik dhe paqes shpirtërore.
"Ashtu si thellësia e detit mbetet gjithmonë e qetë, sado të tërbohet deti në sipërfaqe, në të njëjtën mënyrë imazhet e krijuara nga grekët zbulojnë një shpirt të madh dhe të fortë midis të gjitha emocioneve të pasionit." Kështu shkruante dy shekuj më parë historiani i famshëm gjerman i artit Winckelmann, themeluesi i vërtetë i studimit shkencor të trashëgimisë artistike të botës antike. Dhe kjo nuk bie ndesh me atë që thamë për heronjtë e plagosur të Homerit, që mbushnin ajrin me rënkimet e tyre. Le të kujtojmë gjykimet e Lessing-ut për kufijtë e artit të bukur në poezi, fjalët e tij se "artisti grek nuk përshkruante asgjë përveç bukurisë". Kështu ishte, natyrisht, në epokën e prosperitetit të madh.
Por ajo që është e bukur në përshkrim mund të duket e shëmtuar në imazh (pleqtë duke parë Elenën!). Dhe prandaj, vëren ai gjithashtu, artisti grek e zvogëloi zemërimin e tij në ashpërsi: me poetin, një Zeus i zemëruar hedh rrufe, me artistin, ai është vetëm i rreptë.
Tensioni do të shtrembëronte tiparet e një topi disko, do të cenonte bukurinë e lehtë të imazhit ideal të një atleti të sigurt në forcën e tij, qytetari i guximshëm dhe fizikisht i përsosur i polisit të tij, siç e prezantoi Mironi në statujën e tij.
Në artin e Myronit, skulptura ka përvetësuar lëvizjen, sado komplekse të jetë ajo.
Arti i një skulptori tjetër të madh - Polycletus - vendos ekuilibrin e figurës njerëzore në pushim ose me një ritëm të ngadaltë me theks në njërën këmbë dhe, në përputhje me rrethanat, një dorë të ngritur. Një shembull i një figure të tillë është i famshmi i tij
"Dorifor" - një shtizë rinore (kopje romake prej mermeri nga një origjinal bronzi. Napoli, Muzeu Kombëtar). Në këtë imazh, ekziston një kombinim harmonik i bukurisë fizike ideale dhe shpirtërore: atleti i ri, i cili, natyrisht, personifikon gjithashtu një qytetar të bukur dhe të guximshëm, na duket i thellë në mendimet e tij - dhe e gjithë figura e tij është plot me thjesht helene. fisnikëria klasike.
Kjo nuk është vetëm një statujë, por një kanun në kuptimin e saktë të fjalës.
Polyclet vendosi të përcaktojë me saktësi përmasat e figurës njerëzore, në përputhje me idenë e tij për bukurinë ideale. Këtu janë disa nga rezultatet e llogaritjeve të tij: koka - 1/7 e lartësisë totale, fytyra dhe dora - 1/10, këmbë - 1/6. Megjithatë, për bashkëkohësit e tij, figurat e tij dukeshin "katrore", shumë masive. Të njëjtën përshtypje, me gjithë bukurinë e saj, na bën edhe “Dorifori” i tij.
Polikleti i shpjegoi mendimet dhe përfundimet e tij në një traktat teorik (që nuk ka ardhur deri në ne), të cilit i dha emrin "Kanoni"; i njëjti emër në kohët e lashta dhe vetë "Dorifor", i skalitur në përputhje të rreptë me traktatin.
Polikleti krijoi relativisht pak skulptura, të gjitha të zhytura në veprat e tij teorike. Ndërkohë studioi “rregullat” që përcaktojnë bukurinë e njeriut, bashkëkohësi i tij më i ri, Hipokrati, mjeku më i madh i antikitetit, ia kushtoi gjithë jetën studimit të natyrës fizike të njeriut.
Për të zbuluar plotësisht të gjitha mundësitë e njeriut - ky ishte qëllimi i artit, poezisë, filozofisë dhe shkencës së kësaj epoke të madhe. Asnjëherë më parë në historinë e racës njerëzore vetëdija nuk ka hyrë aq thellë në shpirt sa njeriu është kurora e natyrës. Tashmë e dimë se një bashkëkohës i Polikletit dhe i Hipokratit, Sofokliu i madh, e shpalli solemnisht këtë të vërtetë në tragjedinë e tij “Antigona”.
Njeriu kurorëzon natyrën - kështu pretendojnë monumentet e artit grek të kulmit, duke e përshkruar njeriun me gjithë guximin dhe bukurinë e tij.
Volteri e quajti epokën e prosperitetit më të madh kulturor të Athinës "epoka e Perikliut". Koncepti "shekulli" këtu nuk duhet kuptuar fjalë për fjalë, sepse po flasim vetëm për disa dekada. Por për nga rëndësia e saj, kjo periudhë e shkurtër për nga historia e meriton një përkufizim të tillë.
Lavdia më e lartë e Athinës, shkëlqimi rrezatues i këtij qyteti në kulturën botërore është i lidhur pazgjidhshmërisht me emrin e Perikliut. Ai kujdesej për dekorimin e Athinës, mbrojti të gjitha artet, tërhoqi artistët më të mirë në Athinë, ishte mik dhe mbrojtës i Fidias, gjenialiteti i të cilit ndoshta shënon fazën më të lartë në të gjithë trashëgiminë artistike të botës antike.
Para së gjithash, Perikliu vendosi të rivendoste Akropolin e Athinës, të shkatërruar nga Persianët, ose më mirë, mbi rrënojat e Akropolit të vjetër, ende arkaik, për të krijuar një të ri, duke shprehur idealin artistik të helenizmit plotësisht të çliruar.
Akropoli në Hellas ishte i njëjtë me Kremlinin në Rusinë e Lashtë: një kështjellë urbane që mbyllte kishat dhe institucionet e tjera publike brenda mureve të saj dhe shërbeu si strehë për popullsinë përreth gjatë luftës.
Akropoli i famshëm është Akropoli i Athinës me tempujt e tij Partenon dhe Erechtheion dhe ndërtesat Propylaea, monumentet më të mëdha të arkitekturës greke. Edhe në formën e tyre të rrënuar, ato ende lënë një përshtypje të pashlyeshme edhe sot e kësaj dite.
Kështu arkitekti i famshëm rus A.K. Burov: "Unë u ngjita në zigzagët e afrimit ... kalova nëpër portik - dhe ndalova. Drejt përpara dhe disi djathtas, mbi shkëmbin e kaltër prej mermeri, të mbuluar me të çara, duke u ngritur lart kodrës - platforma e Akropolit, Partenoni u ngrit dhe notoi drejt meje, si nga valët që vlonin. Nuk e mbaj mend sa kohë qëndrova pa lëvizur... Partenoni, i pandryshuar, ndryshonte vazhdimisht... U afrova, eca rreth tij dhe hyra brenda. Unë qëndrova pranë tij, në të dhe me të gjithë ditën. Dielli po perëndonte në det. Hijet ranë në mënyrë të përkryer horizontalisht, paralelisht me shtresat e mureve të mermerit të Erechtheion.
Hijet e gjelbra u trashën nën portikun e Partenonit. Herën e fundit që një shkëlqim i kuqërremtë u largua dhe u zbeh. Partenoni ka vdekur. Së bashku me Phoebus. Deri të nesërmen”.
Ne e dimë se kush e shkatërroi Akropolin e vjetër. Ne e dimë se kush hodhi në erë dhe kush e shkatërroi të renë, të ngritur me vullnetin e Perikliut.
Është e tmerrshme të thuash se këto akte të reja barbare, që rëndonin veprën shkatërruese të kohës, nuk u kryen fare në kohët e lashta dhe as për fanatizëm fetar, si p.sh., disfata e egër e Olimpias.
Në vitin 1687, gjatë luftës midis Venedikut dhe Turqisë, e cila atëherë sundonte mbi Greqinë, një top venecian që fluturoi në Akropol shpërtheu një karikator pluhuri të ngritur nga turqit në ... Partenon. Shpërthimi shkaktoi shkatërrime të tmerrshme.
Është gjithashtu mirë që trembëdhjetë vjet para kësaj fatkeqësie, një artist i caktuar që shoqëronte ambasadorin francez që vizitoi Athinën arriti të skicojë pjesën qendrore të pedimentit perëndimor të Partenonit.
Predha veneciane goditi Partenonin, ndoshta rastësisht. Por një sulm plotësisht sistematik në Akropolin e Athinës u organizua në këtë kohë fillimi i XIX shekulli.
Ky operacion u krye nga njohësi "më i ndritur" i artit, Lord Elgin, një gjeneral dhe diplomat që shërbeu si i dërguar anglez në Kostandinopojë. Ai u dha ryshfet autoriteteve turke dhe, duke përdorur vullnetin e tyre në tokën greke, nuk ngurroi të dëmtonte apo edhe të shkatërronte monumentet e famshme arkitekturore, vetëm për të marrë në zotërim dekorime skulpturore veçanërisht të vlefshme. Ai i shkaktoi dëme të pariparueshme Akropolit: ai hoqi pothuajse të gjitha skulpturat e mbijetuara të pedimentit nga Partenoni dhe theu një pjesë të frizit të famshëm nga muret e tij. Pedimenti u shemb dhe u rrëzua. Nga frika e zemërimit popullor, Lord Elgin e çoi gjithë plaçkën e tij në Angli natën. Shumë anglezë (në veçanti Bajroni në poezinë e tij të famshme "Childe Harold") e dënuan ashpër atë për trajtimin barbar të monumenteve të mëdha të artit dhe për metodat e pahijshme të përvetësimit të vlerave artistike. Sidoqoftë, qeveria britanike fitoi një koleksion unik të përfaqësuesit të saj diplomatik - dhe skulpturat e Parthenonit janë tani krenaria kryesore e Muzeut Britanik në Londër.
Pasi grabiti monumentin më të madh të artit, Lord Elgin e pasuroi leksikun e kritikës së artit me një term të ri: një vandalizëm i tillë quhet ndonjëherë "Elginizëm".
Ajo që na mahnit kaq shumë në panoramën madhështore të kolonadave të mermerit me friza dhe pedimente të thyera, që ngrihen lart mbi det dhe mbi shtëpitë e ulëta të Athinës, në statujat e gjymtuara që ende dallojnë në shkëmbin e thepisur të Akropolit ose ekspozohen në një tokë të huaj si një vlerë e rrallë muzeale?
Filozofi grek Heraklitus, i cili jetoi në prag të lulëzimit më të lartë të Hellasit, zotëron thënien e famshme të mëposhtme: "Ky kozmos, i cili është i njëjtë për çdo gjë që ekziston, nuk u krijua nga asnjë Zot apo nga asnjë njeri, por ai ka qenë gjithmonë. ka qenë, është dhe do të jetë një zjarr i përjetshëm i gjallë, masa që ndezin, me masa që janë shuar.” Dhe ai
tha se "përputhjet divergjente në vetvete", se nga të kundërtat lind harmonia më e bukur dhe "çdo gjë ndodh përmes luftës".
Arti klasik i Hellas i pasqyron me saktësi këto ide.
A nuk është në lojën e forcave kundërshtare që lind harmonia e përgjithshme e rendit dorik (raporti i kolonës dhe entablaturës), si dhe statujat e Doriforit (vertikalet e këmbëve dhe ijeve në krahasim me horizontalet e supet dhe muskujt e barkut dhe gjoksit)?
Vetëdija e unitetit të botës në të gjitha metamorfozat e saj, vetëdija e rregullsisë së saj të përjetshme frymëzoi ndërtuesit e Akropolit, të cilët donin të pohonin harmoninë e kësaj bote të pakrijuar, gjithmonë të re në krijimin artistik, duke dhënë një të vetme dhe të plotë. përshtypjen e së bukurës.
Akropoli i Athinës është një monument që shpall besimin e një personi në mundësinë e një harmonie të tillë gjithëpajtuese jo në një botë imagjinare, por në një botë krejtësisht reale, besim në triumfin e së bukurës, në thirrjen e një personi për ta krijuar atë dhe për t'i shërbyer asaj. në emër të së mirës. Dhe prandaj ky monument është përjetësisht i ri, si bota, na emocionon dhe na tërheq përjetësisht. Bukuria e saj e pashuar është njëkohësisht ngushëllim në dyshime dhe një tërheqje e ndritshme: dëshmi se bukuria shkëlqen dukshëm mbi fatin e racës njerëzore.
Akropoli është një mishërim rrezatues i vullnetit krijues njerëzor dhe mendjes njerëzore, të cilat pohojnë një rend harmonik në kaosin e natyrës. Dhe për këtë arsye imazhi i Akropolit mbretëron në imagjinatën tonë mbi të gjithë natyrën, siç mbretëron nën qiellin e Hellas, mbi një bllok shkëmbi pa formë.
Pasuria e Athinës dhe pozita e tyre dominuese i dhanë Perikliut mundësi të shumta në ndërtimin që ai planifikoi. Për të dekoruar qytetin e famshëm, ai tërhoqi fonde sipas gjykimit të tij nga thesaret e tempullit, madje edhe nga thesari i përgjithshëm i shteteve të bashkimit detar.
Malet e mermerit të bardhë si bora, të minuara shumë afër, u dorëzuan në Athinë. Arkitektët, skulptorët dhe piktorët më të mirë grekë e konsideruan si nder të punonin për lavdinë e kryeqytetit të njohur përgjithësisht të artit helen.
Ne e dimë se disa arkitektë janë përfshirë në ndërtimin e Akropolit. Por, sipas Plutarkut, Fidias ishte përgjegjës për gjithçka. Dhe ne ndjejmë në të gjithë kompleksin unitetin e dizajnit dhe një parim të vetëm drejtues, i cili ka lënë gjurmë edhe në detajet e monumenteve më të rëndësishme.
Ky dizajn i përgjithshëm është karakteristik për të gjithë qëndrimin grek ndaj botës, për parimet bazë të estetikës greke.
Kodra në të cilën janë ngritur monumentet e Akropolit është e pabarabartë në konturet e saj dhe niveli i saj nuk është i njëjtë. Ndërtuesit nuk ranë në konflikt me natyrën, por, duke e pranuar natyrën ashtu siç është, ata dëshiruan ta fisnikërojnë dhe dekorojnë me artin e tyre për të krijuar një ansambël artistik po aq të ndritshëm nën qiellin e ndritshëm, të përshkruar qartë në sfondin e malet përreth. Ansambli, në harmoninë e tij, është më i përsosur se natyra! Në kodrat e pabarabarta, integriteti i këtij ansambli perceptohet gradualisht. Çdo monument jeton në të jetën e vet, është thellësisht individual dhe bukuria e tij shfaqet sërish në sy pjesë-pjesë, pa e prishur unitetin e përshtypjes. Duke u ngjitur në Akropol, edhe tani, me gjithë shkatërrimet, percepton qartë ndarjen e tij në zona saktësisht të kufizuara; Ju vëzhgoni çdo monument, duke ecur rreth tij nga të gjitha anët, me çdo hap, me çdo kthesë zbuloni në të një veçori të re, një mishërim të ri të harmonisë së tij të përgjithshme. Ndarja dhe bashkësia; individualiteti më i ndritshëm i së veçantës, duke u integruar pa probleme në harmoninë e vetme të së tërës. Dhe fakti që përbërja e ansamblit, duke iu bindur natyrës, nuk bazohet në simetri, rrit më tej lirinë e tij të brendshme me ekuilibrin e patëmetë të përbërësve.
Pra, Fidias urdhëroi gjithçka në planifikimin e këtij ansambli, të barabartë me të cilin për nga vlera artistike, ndoshta, nuk ishte dhe nuk ekziston në të gjithë botën. Çfarë dimë për Fidiasin?
Një athinas vendas, Phidias lindi ndoshta rreth vitit 500 para Krishtit. dhe vdiq pas 430 g. Skulptori më i madh, pa dyshim, arkitekti më i madh duke qenë se i gjithë Akropoli mund të nderohet si krijim i tij, ai ndoqi asketizmin si piktor.
Krijuesi i skulpturave të mëdha, ai, me sa duket, pati sukses edhe në plastikë të formave të vogla, si artistë të tjerë të famshëm të Hellasit, duke mos hezituar të shprehet në forma të ndryshme arti, madje edhe ato të nderuara si të vogla: për shembull, ne e dimë se ai preu figurina peshqish, bletësh dhe cikadash.
Një artist i madh, Fidias ishte gjithashtu një mendimtar i madh, një eksponent i vërtetë në art i gjeniut filozofik grek, impulseve më të larta të shpirtit grek. Autorët e lashtë dëshmojnë se në imazhet e tij ai arriti të përcjellë madhështinë mbinjerëzore.
Një imazh i tillë mbinjerëzor ishte, me sa duket, statuja e tij trembëdhjetë metra e Zeusit, e krijuar për tempullin në Olimpia. Ajo vdiq aty bashkë me shumë monumente të tjera të çmuara. Kjo statujë prej fildishi dhe ari konsiderohej si një nga "shtatë mrekullitë e botës". Ka informacione, me sa duket vijnë nga vetë Fidias, se madhështia dhe bukuria e figurës së Zeusit iu zbulua atij në vargjet e mëposhtme të Iliadës:
Lumenjtë dhe në flamurin e Zeusit të zi
tundi vetullat:
Shpejt flokët aromatizohen
u ngrit nga Kronidi
Pranë kokës së pavdekshme, dhe u tund
Olimp është shumë kodra.
Ashtu si shumë gjeni të tjerë, Fidias nuk iu shmang zilisë dhe shpifjeve keqdashëse gjatë jetës së tij. Ai u akuzua për përvetësim të një pjese të arit që synonte të dekoronte statujën e Athinës në Akropol, pasi kundërshtarët e Partisë Demokratike kërkuan të diskreditonin kreun e saj, Perikliun, i cili udhëzoi Fidias të rikrijonte Akropolin. Phidias u dëbua nga Athina, por pafajësia e tij u vërtetua shpejt. Mirëpo - siç thoshin atëherë - pas tij ... vetë perëndesha e paqes Irina "u largua" nga Athina. Në komedinë e famshme “Paqja” e bashkëkohësit të madh Phidias Aristophanes, thuhet me këtë rast se, padyshim, perëndesha e paqes është e afërt me Fidias dhe “sepse është aq e bukur sa është e lidhur me të”.
Athina, e quajtur sipas vajzës së Zeusit, Athena, ishte qendra kryesore e kultit të kësaj perëndeshë. Akropoli u ngrit për lavdinë e saj.
Sipas mitologjisë greke, Athena doli plotësisht e armatosur nga koka e babait të perëndive. Kjo ishte vajza e dashur e Zeusit, të cilën ai nuk mund ta refuzonte në asgjë.
Perëndeshë përjetësisht e virgjër e një qielli të pastër dhe rrezatues. Së bashku me Zeusin, ai dërgon bubullima dhe vetëtima, por edhe nxehtësi dhe dritë. Një perëndeshë luftëtare që shmang sulmet nga armiqtë. Patronazhi i bujqësisë, tubimeve popullore, qytetarisë. Mishërimi i arsyes së pastër, urtësia më e lartë; perëndeshë e mendimit, shkencës dhe artit. Flokë të hapur, me një fytyrë të hapur, tipike të papafingo të rrumbullakosur-ovale.
Duke u ngjitur në kodrën e Akropolit, Helena e lashtë hyri në mbretërinë e kësaj perëndeshë të shumëanshme, të përjetësuar nga Phidias.
Nxënës i skulptorëve Gegius dhe Agelada, Phidias zotëroi plotësisht arritjet teknike të paraardhësve të tij dhe shkoi edhe më larg se ata. Por megjithëse aftësia e skulptorit Fidias shënon kapërcimin e të gjitha vështirësive që dolën përpara tij në përshkrimin realist të një personi, ajo nuk kufizohet në përsosmërinë teknike. Aftësia për të përcjellë volumin dhe emancipimin e figurave dhe grupimi i tyre harmonik vetvetiu nuk krijon ende një përplasje të vërtetë të krahëve në art.
Ai që "pa furinë e dërguar nga muzat i afrohet pragut të krijimtarisë, me besimin se falë një aftësie do të bëhet një poet i fortë, ai është i dobët" dhe gjithçka e krijuar prej tij "do të errësohet nga krijimet. e të tërbuarve”. Kështu ka folur një nga filozofët më të mëdhenj të botës së lashtë, Platoni.
Mbi shpatin e pjerrët të kodrës së shenjtë, arkitekti Mnesicles ngriti ndërtesat e famshme prej mermeri të bardhë të Propylaea, me portikë dorik në nivele të ndryshme, të lidhura me një kolonadë të brendshme jonike. Duke goditur imagjinatën, hollësia madhështore e Propylaea-s, hyrja solemne në Akropol, e futi menjëherë vizitorin në botën rrezatuese të bukurisë, të pohuar nga gjeniu njerëzor.
Në anën tjetër të Propylaea, një statujë gjigante prej bronzi e Athena Promachos, që do të thotë luftëtarja Athena, u gdhend nga Phidias. Vajza e patrembur e Thunderer personifikoi këtu, në sheshin e Akropolit, fuqinë ushtarake dhe lavdinë e qytetit të saj. Nga ky shesh u hapën distanca të mëdha në vështrimin e tyre dhe lundruesit, duke rrotulluar majën jugore të Atikës, panë qartë përkrenaren e lartë dhe shtizën e perëndeshës luftëtare që shkëlqente në diell.
Tani sheshi është bosh, sepse nga e gjithë statuja, që shkaktoi në antikitet kënaqësi e papërshkrueshme, kishte një gjurmë të piedestalit. Dhe në të djathtë, pas sheshit, është Partenoni, krijimi më i përsosur nga të gjithë Arkitektura greke, ose më mirë, ajo që ka mbijetuar nga tempulli i madh, nën hijen e të cilit dikur qëndronte një statujë tjetër e Athinës, e skulpturuar gjithashtu nga Fidias, por jo një luftëtare, por e virgjër Athina: Athena Parthenos.
Ashtu si Zeusi Olimpik, ajo ishte një statujë krizo-elefantine: e bërë prej ari (në greqisht - "chryso") dhe fildishi (në greqisht - "elephas"), duke mbyllur një kornizë druri. Në total, u deshën rreth një mijë e dyqind kilogramë metal të çmuar për ta bërë atë.
Nën shkëlqimin e nxehtë të armaturës dhe rrobave të arta, fildishi digjej në fytyrë, qafë dhe në krahët e perëndeshës madhështore të ndjerë me një Nika (Fitore) me krahë në lartësinë njerëzore në pëllëmbën e saj të shtrirë.
Dëshmitë e autorëve antikë, një kopje e vogël (Athena Varvakion, Athinë, Muzeu Arkeologjik Kombëtar) dhe monedha dhe medaljone që përshkruajnë Athena Fidias na japin njëfarë ideje për këtë kryevepër.
Vështrimi i perëndeshës ishte i qetë dhe i qartë dhe tiparet e saj ndriçoheshin me një dritë të brendshme. Imazhi i saj i pastër nuk shprehte një kërcënim, por një vetëdije të gëzueshme të fitores, e cila u solli njerëzve prosperitet dhe paqe.
Teknika krizo-elefantine u nderua si kulmi i artit. Zbatimi i pllakave prej ari dhe fildishi në dru kërkonte mjeshtërinë më të mirë. Arti i madh i skulptorit u kombinua me artin e mundimshëm të argjendarit. Dhe si rezultat - çfarë shkëlqimi, çfarë shkëlqimi në muzgun e celës, ku mbretëronte imazhi i hyjnisë si krijimi më i lartë i duarve njerëzore!
Partenoni u ndërtua (447-432 pes) nga arkitektët Ictinus dhe Callicrates nën drejtimin e përgjithshëm të Phidias. Në marrëveshje me Perikliun, ai dëshironte të mishëronte idenë e demokracisë triumfuese në këtë monument më të madh të Akropolit. Sepse perëndeshën që ai lavdëroi, një luftëtare dhe një virgjëreshë, nderohej nga athinasit si qytetari i parë i qytetit të tyre; sipas legjendave të lashta, ata vetë zgjodhën këtë grua qiellore si patronazin e shtetit të Athinës.
Kulmi i arkitekturës antike, Partenoni ishte njohur tashmë në antikitet si monumenti më i shquar i stilit dorik. Ky stil u përmirësua jashtëzakonisht në Partenon, ku nuk ka më asnjë gjurmë të mbledhjes dhe masivitetit dorik aq karakteristik për shumë tempuj të hershëm dorik. Kolonat e saj (tetë në fasadat dhe shtatëmbëdhjetë në anët), më të lehta dhe më të holla në proporcion, janë pak të prirura nga brenda me një lakim të lehtë konveks të horizontaleve të bodrumit dhe tavanit. Këto devijime delikate nga kanuni janë të një rëndësie vendimtare. Pa ndryshuar ligjet e tij themelore, rendi dorik këtu, si të thuash, thith hirin e pa munduar të Jonit, i cili krijon, në tërësi, një akord arkitekturor të fuqishëm, të plotë, me të njëjtën qartësi dhe pastërti të patëmetë si imazhi i virgjër i Athena Parthenos. Dhe kjo akord fitoi një tingull edhe më të madh falë ngjyrosjes së ndritur të dekorimeve të relievit të metopeve, të cilat dalloheshin në mënyrë harmonike në sfondet kuq e blu.
Katër kolona jonike (të cilat nuk kanë zbritur tek ne) ngriheshin brenda tempullit dhe një friz i vazhdueshëm jonik shtrihej në murin e jashtëm të tij. Pra, pas kolonadës madhështore të tempullit, me metopet e fuqishme dorike, vizitorit iu zbulua bërthama e fshehur jonike. Një kombinim harmonik i dy stileve, që plotësojnë njëri-tjetrin, i arritur duke i kombinuar në një monument dhe, ç'është më e habitshme, nga shkrirja e tyre organike në të njëjtin motiv arkitekturor.
Gjithçka sugjeron se skulpturat e pedimenteve të Partenonit dhe frizi i tij reliev janë bërë, nëse jo plotësisht nga vetë Fidias, atëherë nën ndikimin e drejtpërdrejtë të gjeniut të tij dhe sipas vullnetit të tij krijues.
Mbetjet e këtyre pedimenteve dhe frizit janë ndoshta më të vlefshmit, më të mëdhenjtë që kanë mbijetuar deri më sot nga e gjithë skulptura greke. Tashmë kemi thënë se sot shumicën e këtyre kryeveprave i stolis, mjerisht, jo Partenoni, pjesë përbërëse e të cilit ishin, por Muzeu Britanik në Londër.
Skulpturat e Partenonit janë një depo e vërtetë bukurie, mishërim i aspiratave më të larta të shpirtit njerëzor. Koncepti i natyrës ideologjike të artit gjen në to, ndoshta, shprehjen më të habitshme. Sepse ideja e mrekullueshme frymëzon çdo imazh këtu, jeton në të, duke përcaktuar të gjithë qenien e saj.
Skulptorët e pedimenteve të Partenonit lavdëruan Athinën, duke e pretenduar atë pozitë e lartë në ushtrinë e perëndive të tjera.
Dhe këtu janë figurat e mbijetuara. Kjo është një skulpturë e rrumbullakët. Në sfondin e arkitekturës, idealisht në harmoni me të, spikasnin në tërësinë e tyre statujat e mermerta të perëndive, të matura, pa asnjë përpjekje, duke u vendosur në trekëndëshin e pedimentit.
Një i ri i shtrirë, hero ose perëndi (ndoshta Dionisi), me fytyrë të rrahur, duar dhe këmbë të thyera. Sa lirisht, sa natyrshëm u vendos në pjesën e pedimentit që ia kishte caktuar skulptori. Po, ky është emancipim i plotë, një triumf triumfues i energjisë nga e cila lind jeta dhe rritet një person. Ne besojmë në fuqinë e tij, në lirinë që ka fituar. Dhe ne jemi të magjepsur nga harmonia e linjave dhe vëllimeve të figurës së tij nudo, jemi të mbushur me gëzim me humanizmin e thellë të imazhit të tij, të përsosur cilësisht, që vërtet na duket mbinjerëzor.
Tre perëndesha pa kokë. Dy janë ulur, dhe i treti është shtrirë, mbështetur në gjunjët e një fqinji. Palosjet e rrobave të tyre zbulojnë me saktësi harmoninë dhe hollësinë e figurës. Vihet re se në skulpturën e madhe greke të shek. para Krishtit NS. draperia bëhet një "jehonë e trupit". Mund të thuash - dhe "jehona e shpirtit". Në të vërtetë, në kombinimin e palosjeve, bukuria fizike merr frymë këtu, duke u shfaqur bujarisht në mjegullën e valëzuar të veshjeve, si mishërim i bukurisë shpirtërore.
Frizi jonian i Partenonit, njëqind e pesëdhjetë e nëntë metra i gjatë, në të cilin janë paraqitur në reliev të ulët më shumë se treqind e pesëdhjetë figura njerëzore dhe rreth dyqind e pesëdhjetë kafshë (kuaj, dema flijues dhe dele). një nga monumentet më të shquar të artit të krijuar në shekullin e ndriçuar nga gjeniu i Fidias.
Komploti i frizit: procesion Panathenaik. Çdo katër vjet, vajzat athinase u paraqitnin solemnisht priftërinjve të tempullit peplosin (mantelin) që i kishin qëndisur për Athinën. I gjithë populli mori pjesë në këtë ceremoni. Por skulptori përshkroi jo vetëm qytetarët e Athinës: Zeusi, Athina dhe perënditë e tjera i pranojnë ata si të barabartë. Duket se nuk është vënë asnjë vijë midis perëndive dhe njerëzve: të dy janë po aq të bukur. Ky identitet, si të thuash, u shpall nga skulptori në muret e shenjtërores.
Nuk është për t'u habitur që krijuesi i gjithë kësaj shkëlqimi prej mermeri e ndjeu veten të barabartë me qiellorët që ai përshkruante. Në skenën e betejës në mburojën e Athinës, Parthenos Fidias gdhendi imazhin e tij në formën e një plaku që ngre një gur me të dy duart. Një guxim i tillë i pashembullt vuri një armë të re në duart e armiqve të tij, të cilët akuzuan artistin dhe mendimtarin e madh për mosbesim.
Fragmentet e frizës së Partenonit janë trashëgimia më e çmuar e kulturës së Hellasit. Ato riprodhojnë në imagjinatën tonë të gjithë linjën rituale panatenaike, e cila në shumëllojshmërinë e saj të pafund perceptohet si një procesion solemn i vetë njerëzimit.
Mbetjet e famshme: "Kalorës" (Londër, Muzeu Britanik) dhe "Vajzat dhe Pleqtë" (Paris, Luvri).
Kuajt me surrat të përmbysur (ata përshkruhen me aq vërtetësi sa duket se mund të dëgjojmë rënkimin e tyre të zhurmshëm). Mbi to ulen të rinjtë me këmbë të shtrira drejt, duke krijuar, së bashku me kampin, një vijë të vetme, tani të drejtë, tani të lakuar bukur. Dhe ky alternim diagonalesh, lëvizje të ngjashme por jo të përsëritura, koka të bukura, surrat e kuajve, këmbët e njeriut dhe të kalit, të drejtuara përpara, krijon një lloj ritmi të unifikuar që kap shikuesin, në të cilin një impuls i qëndrueshëm përpara kombinohet me rregullsinë absolute.
Vajzat dhe të moshuarit janë figura të drejta të harmonisë goditëse përballë njëri-tjetrit. Tek vajzat, një këmbë paksa e zgjatur zbulon lëvizjen përpara. Është e pamundur të imagjinohen figura njerëzore që janë më të qarta dhe më lakonike në përbërje. Palosjet e lëmuara dhe të përpunuara të veshjeve, si flautat e kolonave dorike, u japin athinasve të rinj një dinjitet natyror. Ne besojmë se ky është një përfaqësues i denjë i racës njerëzore.
Dëbimi nga Athina dhe më pas vdekja e Fidias nuk e pakësuan shkëlqimin e gjeniut të tij. Ai ngrohi të gjithë artin grek të të tretës së fundit të shekullit të 5-të. para Krishtit. Polikleti i madh dhe një skulptor tjetër i famshëm - Kresilai (autori i portretit të heroizuar të Perikliut, një nga statujat më të hershme të portreteve greke) - u ndikuan prej tij. E gjithë periudha e qeramikës atike quhet Phidias. Në Siçili (në Sirakuzë) janë prerë monedha të jashtëzakonshme, në të cilat dallojmë qartë jehonën e përsosmërisë plastike të skulpturave të Partenonit. Dhe në rajonin tonë verior të Detit të Zi, janë gjetur vepra arti, ndoshta duke pasqyruar më qartë ndikimin e kësaj përsosmërie.
Në të majtë të Partenonit, në anën tjetër të kodrës së shenjtë, qëndron Erechtheion. Ky tempull kushtuar Athinës dhe Poseidonit u ndërtua pasi Fidia u largua nga Athina. Kryevepra më elegante e stilit Jon. Gjashtë vajza të holla mermeri në peplos - kariatidet e famshme - veprojnë si kolona në portikun e saj jugor. Kapiteli i mbështetur mbi kokat e tyre ngjan me një shportë në të cilën priftërinjtë mbanin objekte të shenjta kulti.
Koha dhe njerëzit nuk e kursyen këtë tempull të vogël, një depo me thesare të shumta, e cila në mesjetë u kthye në një kishë të krishterë dhe në një harem nën turqit.
Para se t'i themi lamtumirën Akropolit, le t'i hedhim një sy relievit të balustradës së tempullit të Niki Apteros, d.m.th. Fitorja pa krahë (pa krahë që të mos largohet kurrë nga Athina), pak para Propylaea (Athinë, Muzeu i Akropolit). Ekzekutuar në dekadat e fundit të shekullit të 5-të, ky basoreliev tashmë shënon kalimin nga arti i guximshëm dhe madhështor i Phidias në atë më lirik, duke kërkuar një kënaqësi të qetë të bukurisë. Një nga Fitoret (ka disa prej tyre në balustradë) zgjidh sandalen. Gjesti i saj dhe këmba e ngritur e ngacmojnë mantelin e saj, i cili duket i lagur, kështu që mbështjell butësisht të gjithë kampin. Mund të themi se palosjet e draperisë, të përhapura tani në përrenj të gjerë, më pas duke kaluar njëra mbi tjetrën, lindin poezinë më magjepsëse të bukurisë femërore në kiaroskuron vezulluese prej mermeri.
Çdo ngritje e vërtetë e gjenisë njerëzore është unike në thelbin e saj. Kryeveprat mund të jenë të barabarta, por jo identike. Një tjetër Niki i tillë nuk do të jetë më në artin grek. Mjerisht, koka i ka humbur, krahët i janë prerë. Dhe, duke parë këtë imazh të plagosur, bëhet rrëqethëse kur mendon se sa bukuri unike, të pambrojtura apo të shkatërruara qëllimisht, janë zhdukur për ne në mënyrë të pakthyeshme.
KLASIKE E VONË
Epoka e re në historinë politike të Hellas nuk ishte as e ndritshme dhe as konstruktive. Nëse shekulli V. para Krishtit. u shënua nga lulëzimi i qytet-shteteve greke, më pas në shek. shpërbërja graduale e tyre u bë bashkë me rënien e vetë idesë së shtetësisë demokratike greke.
Në vitin 386, Persia, e mundur plotësisht nga grekët nën udhëheqjen e Athinës në shekullin e kaluar, përfitoi nga lufta civile, e cila u dobësua qytetet greke-shteteve, për t'u vendosur paqen, sipas të cilave të gjitha qytetet e bregdetit të Azisë së Vogël hynë nën kontrollin e mbretit pers. Fuqia Persiane u bë arbitri kryesor në botën greke; bashkimin kombëtar të grekëve, ajo nuk e lejoi.
Luftërat e brendshme treguan se shtetet greke nuk ishin në gjendje të bashkoheshin vetë.
Ndërkohë, bashkimi ishte një domosdoshmëri ekonomike për popullin grek. Fuqia fqinje ballkanike ishte në gjendje të përmbushte këtë detyrë historike - Maqedonia, e cila ishte bërë më e fortë deri në atë kohë, mbreti i së cilës Filipi II mundi grekët në Chaeronea në 338. Kjo betejë vendosi fatin e Hellasit: doli të ishte e bashkuar, por nën sundimin e huaj. Dhe djali i Filipit II, komandanti i madh Aleksandri i Madh, udhëhoqi grekët në një fushatë fitimtare kundër armiqve të tyre të lashtë - Persianëve.
Kjo ishte periudha e fundit klasike e kulturës greke. Në fund të shekullit IV. para Krishtit. bota e lashtë do të hyjë në një epokë që zakonisht quhet jo helene, por heleniste.
Në artin e klasikëve të vonë, ne njohim qartë tendencat e reja. Në një epokë prosperiteti të madh, imazhi ideal njerëzor u mishërua në qytetarin trim dhe të bukur të qytet-shtetit.
Shembja e polisit e ka tronditur këtë nocion. Besimi krenar në fuqinë gjithëpushtuese të njeriut nuk zhduket plotësisht, por ndonjëherë duket sikur fshihet. Shfaqen reflektime që shkaktojnë ankth ose prirje për një kënaqësi të qetë të jetës. Interesi për botën individuale të njeriut po rritet; përfundimisht shënon një largim nga përgjithësimi i fuqishëm i kohërave të mëparshme.
Madhështia e botëkuptimit, e mishëruar në skulpturat e Akropolit, gradualisht zvogëlohet, por perceptimi i përgjithshëm i jetës dhe i bukurisë pasurohet. Fisnikëria e qetë dhe dinjitoze e perëndive dhe heronjve, siç i portretizoi Fidias, i hap rrugën identifikimit të përvojave, pasioneve dhe impulseve komplekse në art.
greke shekulli V. para Krishtit. vlerësoi forcën si bazën e një fillimi të shëndetshëm, të guximshëm, vullnet të fortë dhe vitalitet - dhe për këtë arsye statuja e një atleti, një fitues në gara, personifikoi për të pohimin e fuqisë dhe bukurisë njerëzore. Artistët e shekullit IV. para Krishtit. tërheq për herë të parë sharmin e fëmijërisë, mençurinë e pleqërisë, hijeshinë e përjetshme të feminitetit.
Shkathtësia e madhe e arritur nga arti grek në shekullin e 5-të është ende e gjallë në shekullin e IV-të. p.e.s., në mënyrë që monumentet artistike më të frymëzuara të klasikëve të vonë të shënohen me të njëjtën vulë të përsosmërisë më të lartë.
Edhe shekulli IV pasqyron prirje të reja në ndërtimin e tij. Arkitektura greke e klasikëve të vonë karakterizohet nga një përpjekje e caktuar në të njëjtën kohë për shkëlqim, madje madhështi dhe për butësi dhe hirin dekorativ. Një traditë artistike thjesht greke ndërthuret me ndikimet orientale nga Azia e Vogël, ku qytetet greke i nënshtrohen sundimit pers. Së bashku me urdhrat kryesorë arkitekturorë - Dorik dhe Jonik, i treti - Korinthian, i cili u ngrit më vonë, përdoret gjithnjë e më shumë.
Kolona e Korintit është më madhështorja dhe më dekorative. Tendenca realiste në të kapërcen skemën primitive abstrakte-gjeometrike të kryeqytetit, të veshur në rendin korintik me petkun e lulëzuar të natyrës - me dy rreshta gjethesh akanti.
Izolimi i politikave u eliminua. Për botën e lashtë, filloi një epokë e despotizmit të fuqishëm, megjithëse të brishtë, skllavopronar. Arkitekturës iu caktuan detyra të ndryshme sesa në epokën e Perikliut.
Një nga monumentet më madhështore të arkitekturës greke të klasikëve të vonë ishte varri që nuk ka zbritur tek ne në qytetin e Halicarnassus (në Azinë e Vogël), sundimtari i provincës persiane të Kariy Mavsol, nga i cili fjala "mauzoleum " ka origjinën.
Të tre urdhrat u kombinuan në mauzoleun Halicarnassus. Ai përbëhej nga dy nivele. E para strehonte dhomën e funeralit, e dyta - kishën funerale. Mbi nivelet ishte një piramidë e lartë e mbivendosur me një karrocë me katër kuaj (quadriga). Harmonia lineare e arkitekturës greke u gjet në këtë monument të madh (me sa duket arriti dyzet e pesëdhjetë metra lartësi), me solemnitetin e tij që të kujton strukturat funerale të sundimtarëve të lashtë lindorë. Mauzoleumi u ndërtua nga arkitektët Satyr dhe Pythias dhe dekorimi i tij skulpturor iu besua disa mjeshtërve, duke përfshirë Skopën, i cili ndoshta luajti një rol kryesor midis tyre.
Scopas, Praxiteles dhe Lysippos janë skulptorët më të mëdhenj grekë të klasikëve të vonë. Për sa i përket ndikimit që ata patën në të gjithë zhvillimin e mëvonshëm të artit antik, vepra e këtyre tre gjenive mund të krahasohet me skulpturat e Partenonit. Secili prej tyre shprehte perceptimin e tij të gjallë individual për botën, idealin e tij të bukurisë, të kuptuarit e tij të përsosmërisë, të cilat përmes personales, vetëm të zbuluar prej tyre, arrijnë lartësitë e përjetshme - universale. Dhe përsëri, në veprën e secilit, ky personal është në përputhje me epokën, duke mishëruar ato ndjenja, ato dëshira të bashkëkohësve që shumica iu përgjigjën të tijat.
Në artin e Skopas fryn pasioni dhe impulsi, ankthi, lufta me disa forca armiqësore, dyshime të thella dhe përvoja trishtuese. E gjithë kjo ishte padyshim karakteristikë e natyrës së tij dhe, në të njëjtën kohë, shprehte gjallërisht disa disponime të kohës së tij. Nga temperamenti, Scopas është i afërt me Euripidin, sa afër janë ata në perceptimin e tyre për fatet e trishtuara të Hellas.
Një vendas i ishullit të pasur me mermer të Paros, Skopas (rreth 420 - rreth 355 p.e.s.) punoi në Atikë, në qytetet e Peloponezit dhe në Azinë e Vogël. Krijimtaria e tij, jashtëzakonisht e gjerë si në numër veprash, ashtu edhe në tematikë, u shua pothuajse pa lënë gjurmë.
Nga dekorimi skulpturor i tempullit të Athinës në Tegea, i krijuar prej tij ose nën mbikëqyrjen e tij të drejtpërdrejtë (Skopa, i cili u bë i famshëm jo vetëm si skulptor, por edhe si arkitekt, ishte edhe ndërtuesi i këtij tempulli), vetëm disa mbeten fragmente. Por mjafton të shikosh të paktën kokën e gjymtuar të një luftëtari të plagosur (Athinë, Muzeu Arkeologjik Kombëtar) për të ndjerë fuqinë e madhe të gjeniut të tij. Për këtë kokë me vetulla të lakuara, sy të drejtuar lart dhe një gojë paksa të hapur, një kokë, e gjitha në të cilën - edhe vuajtja edhe pikëllimi - si të thuash, shpreh tragjedinë jo vetëm të Greqisë së shekullit IV. para erës sonë, të copëtuar nga kontradiktat dhe të nëpërkëmbura nga pushtuesit e huaj, por edhe tragjedia primordiale e mbarë racës njerëzore në luftën e saj të vazhdueshme, ku fitorja ende pason vdekjen. Pra, na duket se pak ka mbetur nga gëzimi i ndritshëm i qenies që dikur ndriçonte ndërgjegjen e helenit.
Fragmente të frizës së varrit të Mavsolit, që përshkruajnë betejën e grekëve me Amazonët (Londër, Muzeu Britanik) ... Kjo është padyshim vepër e Scopas ose punishtes së tij. Në këto rrënoja merr frymë gjeniu i skulptorit të madh.
Le t'i krahasojmë ato me rrënojat e frizës së Partenonit. Dhe atje, dhe këtu - emancipimi i lëvizjeve. Por atje emancipimi derdhet në një dimension madhështor, dhe këtu - në një stuhi të vërtetë: këndet e figurave, ekspresiviteti i gjesteve, rrobat e përhapura krijojnë një dinamizëm të dhunshëm të paparë në artin antik. Atje, përbërja bazohet në koherencën graduale të pjesëve, këtu - në kontrastet më të mprehta.
E megjithatë gjeniu i Fidias dhe gjeniu i Scopas janë të lidhura në diçka shumë thelbësore, ndoshta gjëja kryesore. Kompozimet e të dy frizeve janë po aq të holla, harmonike dhe imazhet e tyre janë po aq specifike. Në fund të fundit, jo më kot Herakliti tha se harmonia më e bukur lind nga kontrastet. Scopas krijon një përbërje, uniteti dhe qartësia e së cilës janë po aq të përsosura sa Phidias. Për më tepër, asnjë figurë e vetme nuk shpërndahet në të, nuk e humb kuptimin e saj të pavarur plastik.
Kjo është gjithçka që ka mbetur nga vetë Scopas ose studentët e tij. Të tjera që lidhen me veprën e tij janë kopje të mëvonshme romake. Megjithatë, njëri prej tyre na jep ndoshta idenë më të gjallë të gjeniut të tij.
Guri parian - Bacchante.
Por skulptori i dha shpirtin gurit.
Dhe, si i dehur, duke u hedhur lart, nxitoi
në valle ajo.
Duke krijuar këtë menadë, në një furi,
me një dhi të vrarë,
Ju keni bërë një mrekulli me një daltë adhurimi,
Scopas.
Kështu e vlerësoi poeti i panjohur grek statujën e Maenadit, ose Bacchante, për të cilën mund të gjykojmë vetëm nga një kopje e reduktuar (Muzeu i Dresdenit).
Para së gjithash, vëmë re një risi karakteristike që është shumë e rëndësishme për zhvillimin e artit realist: në ndryshim nga skulpturat e shekullit të 5-të. BC, kjo statujë është projektuar plotësisht për t'u parë nga të gjitha anët, dhe ju duhet të ecni rreth saj në mënyrë që të perceptoni të gjitha aspektet e imazhit të krijuar nga artisti.
Duke hedhur kokën prapa dhe e përkulur me gjithë trupin e saj, gruaja e re nxiton në një valle të stuhishme, vërtet Bakike - për lavdinë e Zotit të verës. Dhe megjithëse kopja prej mermeri është gjithashtu vetëm një fragment, ndoshta nuk ka asnjë vepër tjetër arti që të përcjell me kaq forcë patosin vetëmohues të tërbimit. Ky nuk është një ekzaltim i dhimbshëm, por një patetik dhe triumfues, megjithëse në të ka humbur fuqia mbi pasionet njerëzore.
Pra, në shekullin e fundit të klasikëve, shpirti i fuqishëm helen ishte në gjendje të ruante gjithë madhështinë e tij origjinale në furinë e krijuar nga pasionet e ndezura dhe pakënaqësitë e dhimbshme.
Praxiteles (athinas vendas, punuar në vitet 370-340 p.e.s.) shprehu një fillim krejtësisht të ndryshëm në veprën e tij. Ne dimë pak më shumë për këtë skulptor sesa për vëllezërit e tij.
Ashtu si Scopas, Praxiteles neglizhoi bronzin, duke krijuar veprat e tij më të mëdha në mermer. Ne e dimë se ai ishte i pasur dhe gëzonte një famë kumbuese, e cila dikur eklipsoi edhe lavdinë e Fidias. Ne e dimë gjithashtu se ai e donte Frinën, një kortezane të famshme, e akuzuar për blasfemi dhe e liruar nga gjykatësit athinas, të cilët e admiruan bukurinë e saj, të cilën ata e njohën si të denjë për adhurim popullor. Phryne shërbeu si modeli i tij për statujat e perëndeshës së dashurisë Afërdita (Venus). Studiuesi romak Plini shkruan për krijimin e këtyre statujave dhe kultin e tyre, duke rikrijuar gjallërisht atmosferën e epokës së Praxiteles:
“... Mbi të gjitha veprat jo vetëm të Praksitelit, por përgjithësisht ekzistuese në Univers, është Venusi i veprës së tij. Për ta parë atë, shumë notuan në Knidus. Praxiteles bëri dhe shiti në të njëjtën kohë dy statuja të Venusit, por njëra ishte e mbuluar me rroba - preferohej nga banorët e Kos, të cilët kishin të drejtë të zgjidhnin. Praxiteles ngarkoi të njëjtën shumë për të dy statujat. Por banorët e Kos e njohën këtë statujë si serioze dhe modeste; të cilin ata e refuzuan u ble nga Knidianët. Dhe fama e saj ishte pa masë më e lartë. Mbreti Nicomedes më vonë donte ta blinte atë nga Knidianët, duke premtuar se do t'i falte shtetit Knidian për të gjitha borxhet e mëdha që kishin. Por Knidianët preferuan të duronin gjithçka sesa të ndaheshin me statujën. Dhe jo më kot. Në fund të fundit, Praxiteles me këtë statujë krijoi lavdinë e Knidit. Ndërtesa ku ndodhet kjo statujë është e gjitha e hapur, në mënyrë që të shihet nga të gjitha anët. Për më tepër, ata besojnë se statuja është ngritur me pjesëmarrjen dashamirës të vetë perëndeshës. Dhe nga njëra anë, kënaqësia e shkaktuar prej saj nuk është më pak…”.
Praxiteles është një këngëtare e frymëzuar e bukurisë femërore, aq e nderuar nga grekët e shekullit të 4-të. para Krishtit. Në lojën e ngrohtë të dritëhijes, si kurrë më parë, bukuria e trupit të femrës shkëlqeu nën prerësin e tij.
Koha ka kaluar prej kohësh kur një grua nuk portretizohej nudo, por këtë herë Praxiteles nxori jo vetëm një grua, por një perëndeshë në mermer, dhe kjo në fillim shkaktoi një kritikë të befasuar.
Afërdita e Knidit është e njohur për ne vetëm me kopje dhe me huazime. Në dy kopje mermeri romake (në Romë dhe në Glyptotek të Mynihut), ai na ka ardhur në tërësi, që të dimë pamjen e përgjithshme të tij. Por këto kopje të forta nuk janë të nivelit të lartë. Disa të tjera, ndonëse në fragmente, japin një pamje më të gjallë të kësaj vepre madhështore: koka e Afërditës në Luvrin e Parisit, me tipare aq të ëmbla e shpirtërore; bustët e saj, gjithashtu në Luvër dhe në Muzeun e Napolit, ku hamendësojmë feminitetin magjepsës të origjinalit, madje edhe një kopje romake, të marra jo nga origjinali, por nga një statujë helenistike, e frymëzuar nga gjeniu i Praxiteles, "Venus Khvoshchinsky" (e emëruar sipas koleksionistit rus që e fitoi), në të cilin, na duket, mermeri rrezaton ngrohtësinë e trupit të bukur të perëndeshës (ky fragment është krenaria e departamentit antik të Muzeut të Bukura Pushkin Artet).
Çfarë i admiruan kaq shumë bashkëkohësit e skulptorit në këtë imazh të perëndeshave më tërheqëse, të cilat, pasi hodhën rrobat e saj, u përgatitën të zhyten në ujë?
Çfarë na magjeps edhe në kopjet e thyera që përcjellin disa veçori të origjinalit të humbur?
Me modelimin më të mirë, në të cilin ai tejkaloi të gjithë paraardhësit e tij, duke e gjallëruar mermerin me reflektimet vezulluese të dritës dhe duke i dhënë gurit të lëmuar një kadifeje delikate me virtuozitet unik për të, Praxitel e kapi perëndeshën në butësinë e kontureve dhe përmasat ideale të trupit. e perëndeshës, në natyrshmërinë prekëse të pozës së saj, në vështrimin e saj, "i lagësht dhe me shkëlqim", sipas të lashtëve, ato fillime të mëdha që shprehu Afërdita në mitologjinë greke filluan të përjetshme në ndërgjegjen dhe ëndrrat e racës njerëzore: Bukuria dhe Dashuria.
Praxiteles njihet ndonjëherë si eksponenti më i ndritur në artin antik të asaj prirjeje filozofike, e cila shihte në kënaqësi (çfarëdo qoftë ajo) të mirën më të lartë dhe qëllimin natyror të të gjitha aspiratave njerëzore, d.m.th. hedonizëm. Megjithatë, arti i tij tashmë parashikon një filozofi që lulëzoi në fund të shekullit të IV-të. para Krishtit. "Në korijet e Epikurit", siç e quajti Pushkin atë kopsht athinas ku Epikuri mblodhi studentët e tij ...
Mungesa e vuajtjes, një gjendje e qetë shpirtërore, çlirimi i njerëzve nga frika e vdekjes dhe frika e perëndive - këto ishin, sipas Epicurus, kushtet kryesore për gëzimin e vërtetë të jetës.
Në të vërtetë, nga vetë qetësia e saj, bukuria e imazheve të krijuara nga Praxiteles, njerëzimi i butë i perëndive të skulpturuara prej tij, pohoi dobinë e çlirimit nga kjo frikë në një epokë që nuk ishte aspak e qetë dhe e mëshirshme.
Imazhi i një atleti, padyshim, nuk i interesonte Praxiteles, ashtu siç nuk i interesonin motivet civile. Ai u përpoq të mishëronte në mermer idealin e një rinie të bukur fizikisht, jo aq muskuloz sa ai i Polikletit, shumë i hollë dhe i këndshëm, i buzëqeshur me gëzim, por pak dinak, pa frikë nga askush veçanërisht, por pa kërcënuar askënd, qetësisht i lumtur dhe plot vetëdija e harmonisë së të gjitha krijesave të tij.
Një imazh i tillë, me sa duket, korrespondonte me perceptimin e tij për botën dhe për këtë arsye ishte veçanërisht i dashur për të. Konfirmimin indirekt të kësaj e gjejmë në një anekdotë zbavitëse.
Marrëdhënia e dashurisë mes artistit të famshëm dhe një bukurie kaq të pakrahasueshme si Phryne ishte shumë interesante për bashkëkohësit e tij. Mendja e gjallë e athinasit ishte e sofistikuar në spekulimet rreth tyre. Tregohej, për shembull, se Phryne i kërkoi Praxiteles t'i jepte asaj skulpturën e saj më të mirë si shenjë dashurie. Ai pranoi, por ia la zgjedhjen vetes, duke fshehur tinëz se cilën nga veprat e tij i konsideronte më të përsosurat. Pastaj Phryne vendosi ta mashtrojë atë. Një herë një skllav i dërguar prej saj vrapoi te Praxiteles me lajmin e tmerrshëm se punëtoria e artistit ishte djegur ... "Nëse flaka shkatërroi Erosin dhe Satirin, atëherë gjithçka humbi!" - bërtiti Praxitel me pikëllim. Kështu që Phryne zbuloi vlerësimin e vetë autorit ...
Nga riprodhimet i njohim këto skulptura, të cilat gëzonin famë të madhe në botën antike. Ne kemi mbijetuar të paktën njëqind e pesëdhjetë kopje mermeri të Satirit të Pushuar (pesë prej tyre janë në Hermitat). Mos llogarit statuja antike, statuja të punuara me mermer, balte apo bronz, stele me gurë varri dhe të gjitha llojet e punimeve artizanale të frymëzuara nga gjeniu i Praxiteles.
Dy djem dhe një nip vazhduan në skulpturë punën e Praxiteles, i cili edhe vetë ishte bir i një skulptori. Por kjo vazhdimësi familjare, natyrisht, është e papërfillshme në krahasim me vazhdimësinë e përgjithshme artistike që kthehet në punën e tij.
Në këtë drejtim, shembulli i Praxiteles është veçanërisht tregues, por jo i jashtëzakonshëm.
Le të jetë e pavdekshme përsosja e një origjinali vërtet të madh dhe unike, por një vepër arti, e cila është një "variacion i së bukurës" i ri, edhe në rast vdekjeje. Ne nuk kemi një kopje të saktë as të statujës së Zeusit në Olimpia, as të Athena Parthenos, por madhështia e këtyre imazheve, të cilat përcaktuan përmbajtjen shpirtërore të pothuajse të gjithë artit grek të epokës së lulëzimit, duket qartë edhe në bizhuteritë dhe monedhat në miniaturë. të asaj kohe. Ata nuk do të kishin qenë në këtë stil pa Phidias. Ashtu siç nuk do të kishte statuja të të rinjve të shkujdesur të mbështetur me përtesë në një pemë, apo perëndesha të zhveshura prej mermeri që magjepsin me bukurinë e tyre lirike, në një larmi të madhe fisnikësh që zbukuronin vilat dhe parqet në kohën helenistike dhe romake, ashtu siç nuk do të kishte Stili praksitelian, lumturia e ëmbël praksitelane fare, e mbajtur kaq gjatë në artin e lashtë, - mos ji një "Satyr pushues" i mirëfilltë dhe një "Afërditë e Knidit" e mirëfilltë, tani e humbur, një Zot e di ku dhe si. Le të themi përsëri: humbja e tyre është e pazëvendësueshme, por shpirti i tyre jeton edhe në veprat më të zakonshme të imituesve, prandaj jeton për ne. Por nëse këto vepra nuk do të ruheshin, kjo frymë disi do të dridhej në kujtesën e njeriut për të shndritur sërish në rastin e parë.
Duke perceptuar bukurinë e një vepre arti, njeriu pasurohet shpirtërisht. Lidhja e drejtpërdrejtë midis brezave nuk ndërpritet kurrë plotësisht. Ideali i lashtë i së bukurës u hodh poshtë me vendosmëri nga ideologjia mesjetare dhe veprat që e mishëronin atë u shkatërruan pa mëshirë. Por ringjallja fitimtare e këtij ideali në epokën e humanizmit dëshmon se ai kurrë nuk është shkatërruar plotësisht.
E njëjta gjë mund të thuhet për kontributin në art të çdo artisti vërtet të madh. Sepse një gjeni që mishëron një imazh të ri, të lindur të bukurisë në shpirtin e tij, e pasuron njerëzimin përgjithmonë. Dhe kështu që nga kohërat e lashta, kur për herë të parë ato imazhe të frikshme dhe madhështore të kafshëve u krijuan në një shpellë paleolitike, nga e cila buruan të gjitha artet e bukura dhe në të cilën paraardhësi ynë i largët vuri gjithë shpirtin dhe të gjitha ëndrrat e tij, të ndriçuara nga krijuesit. frymëzim.
Uljet dhe ngritjet brilante në art plotësojnë njëra-tjetrën, duke prezantuar diçka të re që nuk vdes kurrë. Kjo gjë e re ndonjëherë lë gjurmë në një epokë të tërë. Kështu ishte me Fidiasin, ashtu ishte edhe me Praksitelin.
Megjithatë, a humbi gjithçka nga ajo që u krijua nga vetë Praxiteles?
Sipas autorit antik, dihej se statuja e Praxiteles "Hermes me Dionisin" qëndronte në tempullin në Olimpia. Gjatë gërmimeve në 1877, aty u gjetën skulptura mermeri të dëmtuara relativisht pak të këtyre dy perëndive. Në fillim, askush nuk kishte dyshime se ky ishte origjinali i Praxiteles, madje edhe tani autorësia e tij njihet nga shumë ekspertë. Megjithatë, një studim i kujdesshëm i vetë teknikës së përpunimit të mermerit ka bindur disa studiues se skulptura e gjetur në Olimpia është një kopje e shkëlqyer helenistike, duke zëvendësuar origjinalin, ndoshta të hequr nga romakët.
Kjo statujë, e cila përmendet vetëm nga një autor grek, me sa duket nuk u konsiderua kryevepër e Praxiteles. Megjithatë, meritat e tij janë të pamohueshme: modelim mahnitës delikat, linja të buta, lojë e mrekullueshme, thjesht praktike e dritës dhe hijes, një përbërje shumë e qartë, e ekuilibruar në mënyrë perfekte dhe, më e rëndësishmja, sharmi i Hermes me pamjen e tij ëndërrimtare, pak mendjemprehtë. sharmi fëmijëror i foshnjës Dionis. Dhe, megjithatë, në këtë bukuri ka njëfarë ëmbëlsie dhe ne ndjejmë se në të gjithë statujën, edhe në figurën mahnitëse të hollë të një perëndie shumë të dredhur në kthesën e saj të qetë, bukuria dhe hiri kalojnë paksa kufirin përtej së cilës bukuria dhe hiri fillon. Arti i Praxiteles është shumë afër këtij skaji, por nuk e cenon atë në krijimet e tij më të shpirtëruara.
Ngjyra, me sa duket, luajti një rol të madh në pamjen e përgjithshme të statujave të Praxiteles. Dimë se disa prej tyre janë pikturuar (duke fërkuar me bojëra dylli të shkrirë që ringjallnin butësisht bardhësinë e mermerit) nga vetë Nikias, piktori i famshëm i atëhershëm. Arti i sofistikuar i Praxiteles fitoi ekspresivitet dhe emocionalitet edhe më të madh falë ngjyrës. Kombinimi harmonik i dy arteve të mëdha ndoshta është realizuar në krijimet e tij.
Le të shtojmë, më në fund, se në rajonin verior të Detit të Zi, pranë grykës së Dnieper dhe Bug (në Olbia), u gjet një piedestal i një statuje me firmën e të madhit Praxiteles. Mjerisht, vetë statuja nuk ishte në tokë.
Lysippos punoi në të tretën e fundit të shekullit të IV-të. para Krishtit e., në kohën e Aleksandrit të Madh. Krijimtaria e tij, si të thuash, plotëson artin e klasikëve të vonë.
Bronzi ishte materiali i preferuar i skulptorit. Ne nuk i dimë origjinalet e tij, ndaj mund të gjykojmë për të vetëm nga kopjet e mbijetuara prej mermeri, të cilat janë larg nga pasqyrimi i gjithë veprës së tij.
Ka një numër të madh monumentesh të artit të Greqisë antike që nuk kanë ardhur deri tek ne. Fati i trashëgimisë së madhe artistike të Lysippos është një dëshmi e tmerrshme për këtë.
Lysippos konsiderohej si një nga mjeshtrit më pjellorë të kohës së tij. Ata pretendojnë se ai la mënjanë një monedhë nga shpërblimi për çdo porosi të përfunduar: pas vdekjes së tij, ata ishin deri në pesëmbëdhjetëqind. Ndërkaq, ndër veprat e tij kishte grupe skulpturore, që arrinin deri në njëzet figura dhe lartësia e disa statujave të tij i kalonte njëzet metra. Me gjithë këtë, njerëzit, elementët dhe koha u përballën pa mëshirë. Por asnjë fuqi nuk mund të shkatërronte shpirtin e artit të Lysippos, të fshinte gjurmën e lënë prej tij.
Sipas Plinit, Lysippos tha se, ndryshe nga paraardhësit e tij, të cilët i portretizonin njerëzit ashtu siç janë, ai, Lysippos, u përpoq t'i portretizonte ashtu siç duken. Me këtë ai pohoi parimin e realizmit, i cili kishte triumfuar prej kohësh në artin grek, por që donte ta përfundonte plotësisht në përputhje me parimet estetike të bashkëkohësit të tij, filozofit më të madh të antikitetit, Aristotelit.
Risia e Lysippos konsistonte në faktin se ai zbuloi në artin e skulpturës mundësi të mëdha, përpara tij, realiste. Dhe në fakt, figurat e tij nuk perceptohen nga ne si të krijuara "për shfaqje", ato nuk pozojnë për ne, por ekzistojnë më vete, pasi u kapën nga syri i artistit në të gjithë kompleksitetin e lëvizjeve nga më të ndryshmet që pasqyrojnë këtë. ose ai impuls emocional. Bronzi, i cili merr lehtësisht çdo formë gjatë hedhjes, ishte më i përshtatshmi për zgjidhjen e detyrave të tilla skulpturore.
Piedestali nuk i izolon figurat e Lysipos nga mjedisi, ata me të vërtetë jetojnë në të, sikur të dalin nga një thellësi e caktuar hapësinore, në të cilën shprehja e tyre shfaqet po aq qartë, megjithëse në mënyra të ndryshme, nga çdo anë. Prandaj, ato janë plotësisht tredimensionale, plotësisht të çliruara. Figura njerëzore është ndërtuar nga Lysippos në një mënyrë të re, jo në sintezën e saj plastike, si në statujat e Mironit apo Polikletit, por në një aspekt të caktuar kalimtar, pikërisht ashtu siç iu paraqit (dukej) artistit në këtë moment dhe çfarë. nuk ka qenë në të kaluarën dhe nuk do të jetë më pas.
Fleksibiliteti mahnitës i figurave, vetë kompleksiteti, ndonjëherë kontrasti i lëvizjeve - e gjithë kjo është e renditur në mënyrë harmonike dhe ky mjeshtër nuk ka asgjë që, të paktën në shkallën më të vogël, të ngjan me kaosin e natyrës. Duke transmetuar, para së gjithash, një përshtypje vizuale, ai ia nënshtron këtë përshtypje një sistemi të caktuar, të vendosur njëherë e përgjithmonë në përputhje me vetë frymën e artit të tij. Është ai, Lysippos, që shkel kanunin e vjetër polikletian të figurës njerëzore për të krijuar të tijën, të renë, shumë më të lehtë, më të përshtatshëm për artin e tij dinamik, i cili hedh poshtë çdo palëvizshmëri të brendshme, çdo rëndim. Në këtë kanun të ri, koka nuk është më 1.7, por vetëm 1/8 e lartësisë totale.
Përsëritjet prej mermeri të veprës së tij që na kanë ardhur, japin në përgjithësi një pasqyrë të qartë të arritjeve realiste të Lysippos.
I famshëm "Apoxyomenus" (Romë, Vatikan). Ky sportist i ri, megjithatë, nuk është aspak i njëjtë me skulpturën e shekullit të kaluar, ku imazhi i tij rrezatonte një ndërgjegje krenare për fitoren. Lysippos na tregoi atletin pas garës, duke pastruar me zell trupin nga vaji dhe pluhuri me një kruese metalike. Në të gjithë figurën jehonë aspak një lëvizje e mprehtë dhe në dukje e parëndësishme e dorës, duke i dhënë vitalitet të jashtëzakonshëm. Nga pamja e jashtme është i qetë, por ndjejmë se ka përjetuar një emocion të madh dhe në tiparet e tij dallojmë lodhjen nga tensioni i skajshëm. Ky imazh, si i rrëmbyer nga realiteti gjithnjë në ndryshim, është thellësisht njerëzor, jashtëzakonisht fisnik në lehtësinë e tij të plotë.
“Herkuli me luanin” (Shën Petersburg, Muzeu Shtetëror i Hermitazhit). Ky është patosi i pasionuar i një lufte për jetë a vdekje, sërish sikur shihet nga ana e artistit. E gjithë skulptura është, si të thuash, e ngarkuar me një lëvizje intensive të dhunshme, duke bashkuar në mënyrë të papërmbajtshme në një tërësi harmonike të bukur figurat e fuqishme të njeriut dhe kafshës.
Mund të gjykojmë se çfarë përshtypje u lanë bashkëkohësve skulpturat e Lysippos nga tregimi i mëposhtëm. Aleksandri i Madh ishte aq i dashur për statujën e tij "Festing Hercules" (një nga përsëritjet e saj është edhe në Hermitage) sa nuk u nda me të në fushatat e tij, dhe kur orën e fundit, urdhëroi ta vendoste para jush.
Lysippos ishte i vetmi skulptor të cilin pushtuesi i famshëm e njohu si të denjë për të kapur tiparet e tij.
“Statuja e Apollonit është ideali më i lartë i artit ndër të gjitha veprat që na kanë mbijetuar nga lashtësia”. Winckelmann e shkroi këtë.
Kush ishte autori i statujës, e cila admironte aq shumë paraardhësin e famshëm të disa brezave të shkencëtarëve - "antike"? Asnjë nga skulptorët, arti i të cilëve shkëlqen më shumë deri më sot. Si dhe ku është keqkuptimi?
Apolloni për të cilin flet Winckelmann është Apolloni i famshëm i Belvedere: një kopje romake prej mermeri e një origjinali prej bronzi nga Leochares (e treta e fundit e shekullit të IV para Krishtit), e quajtur kështu sipas galerisë ku ishte ekspozuar për një kohë të gjatë (Romë, Vatikan )... Kjo statujë dikur ngjalli shumë admirim.
Ne njohim në Apollo Belvedere një pasqyrim të klasikëve grekë. Por vetëm një reflektim. Ne e dimë frizin e Partenonit, të cilin Winckelmann nuk e njihte, dhe për këtë arsye, me gjithë pamjen e saj të padyshimtë, statuja e Leochares na duket e ftohtë nga brenda, disi teatrale. Megjithëse Leochares ishte një bashkëkohës i Lysippos, arti i tij, duke humbur rëndësinë e vërtetë të përmbajtjes së tij, erëza akademike, shënon një rënie në raport me klasikët.
Fama e statujave të tilla ndonjëherë shkaktonte keqkuptime për të gjithë artin helen. Kjo ide nuk është zbehur deri më sot. Disa artistë janë të prirur të zvogëlojnë rëndësinë e trashëgimisë artistike të Hellasit dhe të kthejnë në kërkimet e tyre estetike në botë krejtësisht të ndryshme kulturore, sipas mendimit të tyre, më shumë në harmoni me botëkuptimin e epokës sonë. (Mjafton të themi se një eksponent kaq autoritar i shijeve estetike më moderne perëndimore si shkrimtari dhe teoricieni francez i artit André Malraux, në veprën e tij "Muzeu imagjinar i Skulpturës Botërore", ka dy herë më pak riprodhime të monumenteve skulpturore të Hellas antike. sesa të ashtuquajturat qytetërime primitive të Amerikës, Afrikës dhe Oqeanisë!) Por me kokëfortësi dua të besoj se bukuria madhështore e Partenonit do të triumfojë përsëri në ndërgjegjen e njerëzimit, duke pohuar në të idealin e përjetshëm të humanizmit.
Duke përfunduar këtë përmbledhje të shkurtër të artit klasik grek, do të doja të përmendja një monument më të shquar të ruajtur në Hermitage. Kjo është vazoja italiane e famshme botërore e shekullit të 4-të. para Krishtit NS. , i gjetur pranë qytetit antik të Kuma (në Kampania), i quajtur për përsosmërinë e kompozicionit dhe pasurinë e dekorimit "Mbretëresha e Vazove", dhe megjithëse ndoshta nuk është krijuar në vetë Greqinë, pasqyron arritjet më të larta të artit plastik grek. Gjëja kryesore në vazon e zezë dhe llak nga Qom është përmasat e saj vërtet të patëmetë, kontura e hollë, harmonia e përgjithshme e formave dhe relievet mahnitëse me shumë figura (duke mbajtur gjurmë ngjyrash të ndezura) kushtuar kultit të perëndeshës së pjellorisë Demeter. , misteret e famshme Eleusinian, ku skenat më të errëta u zëvendësuan nga vizionet e ylberit, që simbolizonin vdekjen dhe jetën, zbehjen dhe zgjimin e përjetshëm të natyrës. Këto relieve janë jehonë e skulpturës monumentale nga mjeshtrit më të mëdhenj grekë të shekujve V dhe IV. para Krishtit. Pra, të gjitha figurat në këmbë ngjajnë me statujat e shkollës Praxiteles, dhe ato të ulura ngjajnë me shkollën e Phidias.
SKULPTURA E PERIUDHËS SË HELINIZMIT
Me vdekjen e Aleksandrit të Madh fillon epoka e helenizmit.
Nuk kishte ardhur ende koha e krijimit të një perandorie të vetme skllavopronare dhe as Hellas nuk ishte e destinuar të sundonte mbi botën. Patosi i shtetësisë nuk ishte forca shtytëse e tij, ndaj nuk arriti as të bashkohej.
Misioni i madh historik i Hellas ishte kulturor. Në krye të grekëve, Aleksandri i Madh e përmbushi këtë mision. Perandoria e tij u shemb, por kultura greke mbeti në shtetet që u ngritën në Lindje pas pushtimeve të tij.
Në shekujt e mëparshëm, vendbanimet greke përhapën shkëlqimin e kulturës helene në dhe të huaj.
Në shekujt e helenizmit nuk kishte dhe të huaj, shkëlqimi i Hellas ishte gjithëpërfshirës dhe gjithëpushtues.
Një qytetar i një polisi të lirë ia la vendin një "qytetari të botës" (kozmopolit), veprimtaritë e të cilit zhvilloheshin në univers, "ekumen", siç kuptohej nga njerëzimi i atëhershëm. Nën udhëheqjen shpirtërore të Hellas. Dhe kjo, megjithë grindjet e përgjakshme midis "diadochive" - pasardhësve të pangopur të Aleksandrit në epshin e tyre për pushtet.
Është kështu. Megjithatë, "qytetarët e botës" të sapoformuar u detyruan të ndërthurin thirrjen e tyre të lartë me fatin e nënshtetasve të pafuqishëm të sundimtarëve po aq të sapoformuar që sundonin në mënyrën e despotëve lindorë.
Triumfi i Hellas nuk u kundërshtua më nga askush; megjithatë fshehu kontradikta të thella: shpirti i ndritur i Partenonit doli të ishte edhe fitimtar edhe i pushtuar.
Arkitektura, skulptura dhe piktura lulëzuan në të gjithë botën e gjerë helenistike. Planifikimi urban në një shkallë të paprecedentë në shtetet e reja që pohonin fuqinë e tyre, luksi i oborreve mbretërore, pasurimi i fisnikërisë skllavopronare në tregtinë ndërkombëtare që lulëzoi me shpejtësi u dha artistëve porosi të mëdha. Ndoshta, si kurrë më parë, arti u inkurajua nga pushtetarët. Dhe në çdo rast, kurrë më parë krijimi artistik nuk ka qenë kaq i gjerë dhe i larmishëm. Por si mund ta vlerësojmë këtë krijimtari në krahasim me atë që jepej në artin arkaik, të lulëzimit dhe të klasikëve të vonë, vazhdimësi e të cilit ishte arti helenistik?
Artistët duhej të përhapnin arritjet e artit grek në të gjitha territoret e pushtuara nga Aleksandri me formacionet e tyre të reja shtetërore shumëfisnore dhe në të njëjtën kohë, në kontakt me kulturat e lashta të Lindjes, t'i mbanin të pastra këto arritje, duke pasqyruar madhështinë e idealin artistik grek. Klientët - mbretër dhe fisnikë - donin të dekoronin pallatet dhe parqet e tyre me vepra arti, sa më të ngjashme me ato që nderoheshin si përsosmëri në epokën e madhe të pushtetit të Aleksandrit. Nuk është për t'u habitur që e gjithë kjo nuk e joshi skulptorin grek në rrugën e kërkimeve të reja, duke e shtyrë atë vetëm të "bënte" një statujë që nuk do të dukej më keq se Praxiteles ose Lysippos origjinale. Dhe kjo, nga ana tjetër, çoi në mënyrë të pashmangshme në huazimin e një forme tashmë të gjetur (me përshtatje me përmbajtjen e brendshme që shprehte kjo formë nga krijuesi i saj), d.m.th. ndaj asaj që ne e quajmë akademizëm. Ose te eklekticizmi, d.m.th. një kombinim i veçorive individuale dhe gjetjeve të artit nga mjeshtra të ndryshëm, ndonjëherë mbresëlënës, efektiv për shkak të cilësisë së lartë të mostrave, por pa unitet, integritet të brendshëm dhe që nuk kontribuojnë në krijimin e të tyrit, përkatësisht të vetes, ekspresive dhe gjuhë artistike e plotë, stili i vet.
Shumë, shumë statuja të periudhës helenistike na zbulojnë në një shkallë edhe më të madhe pikërisht ato mangësi që Belvedere Apollo parashikonte tashmë. Helenizmi u zgjerua dhe, në një farë mase, plotësoi tendencat dekadente që u shfaqën në fund të klasikëve të vonë.
Në fund të shekullit II. para Krishtit. Një skulptor i quajtur Aleksandër ose Agesandër ka punuar në Azinë e Vogël: jo të gjitha shkronjat janë ruajtur në mbishkrimin e statujës së vetme të veprës së tij që na ka ardhur. Kjo statujë, e gjetur në vitin 1820 në ishullin Milos (në detin Egje), përshkruan Afërditën-Venusin dhe tani njihet në të gjithë botën si "Venus Milles që zvarritet". Ky nuk është as thjesht një monument helenistik, por një monument helenistik i vonë, që do të thotë se është krijuar në një epokë të shënuar nga një rënie e artit.
Por kjo “Venus” nuk mund të vihet në një rresht me shumë statuja të tjera, moderne apo edhe më të hershme, të perëndive dhe perëndeshave, që dëshmojnë për mjaft aftësi teknike, por jo për origjinalitetin e idesë. Megjithatë, duket se nuk ka asgjë veçanërisht origjinale në të, diçka që nuk ishte shprehur tashmë në shekujt e mëparshëm. Një jehonë e largët e Afërditës Praxiteles ... Dhe, megjithatë, në këtë statujë gjithçka është aq harmonike dhe harmonike, imazhi i perëndeshës së dashurisë, në të njëjtën kohë, aq mbretëror dhe kaq tërheqës femëror, e gjithë pamja e saj është kaq e pastër dhe mermeri i modeluar mrekullisht shkëlqen aq butë sa na duket: dalta e skulptorit të epokës së madhe të artit grek nuk mund të kishte gdhendur asgjë më të përsosur.
A ia detyron lavdinë e saj faktit që skulpturat më të famshme greke që zgjuan admirimin e të lashtëve humbën në mënyrë të pakthyeshme? Statujat si Venus de Milo, krenaria e Luvrit parizian, ndoshta nuk ishin unike. Askush në "ekumenin" e atëhershëm, as më vonë, në epokën romake, nuk e këndoi atë në vargje, as në greqisht, as në latinisht. Por sa rreshta entuziaste, derdhje mirënjohëse i kushtohen asaj
tani në pothuajse të gjitha gjuhët e botës.
Kjo nuk është një kopje romake, por një origjinal grek, megjithëse jo i periudhës klasike. Kjo do të thotë se ideali artistik i lashtë grek ishte aq i lartë dhe i fuqishëm, saqë nën daltën e një mjeshtri të talentuar u ringjall me gjithë lavdinë e tij edhe në ditët e akademizmit dhe eklekticizmit.
Grupe të tilla skulpturore madhështore si "Laocoon with Sons" (Romë, Vatikan) dhe "Farnese Bull" (Napoli, Muzeu Kombëtar Romak), të cilat zgjuan admirimin e pafund të shumë brezave të përfaqësuesve më të ndritur të kulturës evropiane, tani, kur bukuroshja të Partenonit u zbulua, ato na duken tepër teatrale të mbingarkuara, të grimcuara në detaje.
Megjithatë, me siguri që i përket të njëjtës me këto grupe, shkollës së Rodosit, por e skulpturuar nga një artist i panjohur në më shumë periudha e hershme Helenizmi "Nika e Samotrakës" (Paris, Luvri) - një nga lartësitë e artit. Kjo statujë qëndronte në harkun e anijes monument guri. Në përplasjen e krahëve të saj të fuqishëm, Nika-Pobeda nxiton në mënyrë të pakontrolluar përpara, duke prerë erën, nën të cilën petkat e saj lëkunden zhurmshëm (sikurse e dëgjojmë). Koka është e rrahur, por pafundësia e imazhit na arrin plotësisht.
Arti i portretit është shumë i zakonshëm në botën helenistike. Po shumohen “njerëz të shquar” të cilët kanë pasur sukses në shërbim të sundimtarëve (diadochi) ose që janë ngritur në majë të shoqërisë falë shfrytëzimit më të organizuar të punës së skllevërve se sa në Hellasin e dikurshëm të fragmentuar: duan të kapin tiparet e tyre. për pasardhësit. Portreti po individualizohet gjithnjë e më shumë, por në të njëjtën kohë, nëse përballemi me përfaqësuesin më të lartë të pushtetit, atëherë theksohet epërsia e tij, ekskluziviteti i pozicionit që zë.
Dhe këtu është ai, sundimtari kryesor - Diadoch. Statuja e tij prej bronzi (Roma, Muzeu Therme) është shembulli më i ndritshëm i artit helenistik. Nuk e dimë se kush është ky sundimtar, por në shikim të parë na duket qartë se ky nuk është një imazh i përgjithësuar, por një portret. Karakteristikë, tipare të mprehta individuale, sy paksa të zbehur, fizik aspak ideal. Ky person është i kapur nga artisti në të gjithë origjinalitetin e tipareve të tij personale, plot ndërgjegje për fuqinë e tij. Ai ishte ndoshta një sundimtar i aftë që dinte të vepronte sipas rrethanave, duket se këmbëngulës në ndjekje të qëllimit të synuar, ndoshta mizor, por ndoshta ndonjëherë madhështor, me natyrë mjaft komplekse dhe sundonte në një botë helenistike pafundësisht komplekse, ku primati i kulturës greke duhej të kombinohej me respektin për kulturat e lashta vendase.
Ai është krejtësisht i zhveshur, si një hero apo zot i lashtë. Kthesa e kokës, aq e natyrshme, plotësisht e relaksuar dhe dora e ngritur lart, e mbështetur në shtizë, i japin figurës një dinjitet krenar. Realizëm i mprehtë dhe hyjnizim. Hyjnizimi i jo një heroi ideal, por hyjnizimi më konkret, individual i sundimtarit tokësor, dhënë njerëzve ... nga fati.
Orientimi i përgjithshëm i artit të klasikëve të vonë qëndron në themelin e artit helenistik. Herë e zhvillon me sukses këtë drejtim, madje e thellon, por, siç e pamë, herë e bluan ose e çon në ekstrem, duke humbur sensin e hirshëm të proporcionit dhe shijen e patëmetë artistike, që shënoi gjithë artin grek të periudhës klasike.
Aleksandria, ku kalonin rrugët tregtare të botës helenistike, është fokusi i gjithë kulturës helenistike, "Athina e re".
Në këtë qytet të madh për atë kohë me gjysmë milioni banorë, të themeluar nga Aleksandri në grykëderdhjen e Nilit, lulëzuan shkenca, letërsia dhe arti, të cilat patronoheshin nga Ptolemenjtë. Ata themeluan "Muzeun", i cili për shumë shekuj u bë qendra e jetës artistike dhe shkencore, biblioteka e famshme, më e madhja në botën e lashtë, që numëron më shumë se shtatëqind mijë rrotulla papirusi dhe pergamenë. Njëqind e njëzet metra far Aleksandrian me një kullë të veshur me mermer, tetë fytyrat e së cilës ndodheshin në drejtimet e erërave kryesore, me statuja-furgonë moti, me një kupolë të kurorëzuar me një statujë bronzi të sundimtarit të deteve Poseidon, kishte një sistem pasqyrash që intensifikonin drita e zjarrit u ndez në kube, kështu që ai u pa në një distancë prej gjashtëdhjetë kilometrash. Ky far u konsiderua si një nga "shtatë mrekullitë e botës". Ne e dimë atë nga imazhet në monedhat e lashta dhe nga përshkrimi i detajuar i një udhëtari arab që vizitoi Aleksandrinë në shekullin e 13-të: njëqind vjet më vonë, fari u shkatërrua nga një tërmet. Është e qartë se vetëm përparimet e jashtëzakonshme në njohuritë e sakta bënë të mundur ngritjen e kësaj strukture madhështore, e cila kërkonte llogaritjet më komplekse. Në fund të fundit, Aleksandria, ku jepte mësim Euklidi, ishte djepi i gjeometrisë i quajtur pas tij.
Arti Aleksandri është jashtëzakonisht i larmishëm. Statujat e Afërditës datojnë që nga Praxiteles (dy nga djemtë e tij punonin si skulptorë në Aleksandri), por ato janë më pak dinjitoze se prototipet e tyre, me prezencë të hijshme. Kameoja Gonzaga përmban imazhe të përgjithësuara të frymëzuara nga kanunet klasike. Por tendenca krejtësisht të ndryshme manifestohen në statujat e të moshuarve: realizmi i lehtë grek këtu kthehet në një natyralizëm pothuajse të sinqertë me transferimin më të pamëshirshëm të lëkurës së zbehtë, të rrudhur, venave të fryra, gjithçkaje të pariparueshme që pleqëria fut në pamjen e një personi. Karikatura lulëzon, gazmore, por ndonjëherë thumbuese. Zhanri i përditshmërisë (ndonjëherë me paragjykim ndaj groteskut) dhe portreti po përhapen gjithnjë e më shumë. Shfaqen relieve me skena të gëzuara bukolike, imazhe simpatike të fëmijëve, ndonjëherë duke ringjallur një statujë madhështore alegorike me një bashkëshort të shtrirë mbretërisht, të ngjashëm me Zeusin dhe që personifikon Nilin.
Diversiteti, por edhe humbja e unitetit të brendshëm të artit, integriteti i idealit artistik, duke ulur shpeshherë rëndësinë e imazhit. Egjipti i lashtë nuk ka vdekur.
Me përvojë në politikën e qeverisjes, Ptolemenjtë theksuan respektin e tyre për kulturën e tij, huazuan shumë zakone egjiptiane, u ngritën tempuj hyjnive egjiptiane dhe ... vetë u renditën në mesin e pritësve të këtyre hyjnive.
Dhe artistët egjiptianë nuk e tradhtuan idealin e tyre të lashtë artistik, kanunet e tyre të lashta, as në imazhet e sundimtarëve të rinj, të huaj të vendit të tyre.
Një monument i dukshëm i artit të Egjiptit Ptolemeik është një statujë e Mbretëreshës Arsinoe II e bërë nga bazalt i zi. Arsinoe, e tmerruar nga ambicia dhe bukuria e saj, me të cilën vëllai i saj Ptolemeu Filadelfus u martua sipas zakonit mbretëror egjiptian. Gjithashtu një portret i idealizuar, por jo në greqishten klasike, por në mënyrën egjiptiane. Ky imazh shkon prapa te monumentet e kultit funeral të faraonëve, dhe jo te statujat e perëndeshave të bukura të Hellasit. Arsinoe është gjithashtu e bukur, por figura e saj, e kufizuar nga një traditë e lashtë, është ballore, duket e ngrirë, si në skulpturat e portreteve të të tre mbretërive egjiptiane; Ky kufizim harmonizohet natyrshëm me përmbajtjen e brendshme të imazhit, krejt ndryshe nga ajo e klasikëve grekë.
Mbi ballin e mbretëreshës janë kobra të shenjta. Dhe ndoshta rrumbullakësia e butë e formave të trupit të saj të hollë të ri, i cili duket krejtësisht i zhveshur nën një mantel të lehtë e transparent, reflekton disi me lumturinë e tij të fshehur, ndoshta frymën ngrohëse të helenizmit.
Qyteti i Pergamit, kryeqyteti i shtetit të gjerë helenistik të Azisë së Vogël, ishte i famshëm, si Aleksandria, për bibliotekën e tij më të pasur (pergamenë, në greqisht, "Lëkura e pergamonit" është një shpikje e Pergamonit), për thesaret e saj artistike. kulturë të lartë dhe shkëlqim. Skulptorët e Pergamonit kanë krijuar statuja të mrekullueshme të Galëve të vrarë. Këto statuja datojnë që nga Scopas në frymëzim dhe stil. Frizi i altarit të Pergamonit shkon gjithashtu në Scopas, por kjo nuk është aspak një vepër akademike, por një monument arti, që shënon një përplasje të re të madhe krahësh.
Fragmentet e frizit u zbuluan në çerekun e fundit të shekullit të 19-të nga arkeologët gjermanë dhe u sollën në Berlin. Në vitin 1945 ata u nxorën nga Ushtria Sovjetike nga djegia e Berlinit, më pas u mbajtën në Hermitazh dhe në vitin 1958 u kthyen në Berlin dhe tani ekspozohen atje në Muzeun e Pergamonit.
Një friz skulpturor prej njëqind e njëzet metrash rreshtonte bazamentin e një altari mermeri të bardhë me kolona të lehta jonike dhe shkallë të gjera që ngriheshin në mes të një strukture të madhe në formë P.
Tema e skulpturave është "gjigantomakia": beteja e perëndive me gjigantët, që përshkruan në mënyrë alegorike betejën e helenëve me barbarët. Është një reliev shumë i lartë, skulpturë pothuajse rrethore.
Dimë që në frize punonin një grup skulptorësh, mes të cilëve nuk ishte vetëm Pergamon. Por uniteti i dizajnit është i dukshëm.
Mund të themi pa rezerva: në të gjithë skulpturën greke nuk kishte një pamje kaq madhështore të betejës. Një betejë e tmerrshme, e pamëshirshme për jetë a vdekje. Beteja është me të vërtetë titanike - edhe sepse gjigantët që u rebeluan kundër perëndive, dhe vetë perënditë, duke i pushtuar ata, janë me rritje mbinjerëzore, dhe sepse e gjithë përbërja është titanike në patosin dhe shtrirjen e saj.
Përsosmëria e formës, loja mahnitëse e dritës dhe hijes, kombinimi harmonik i kontrasteve më të mprehta, dinamizmi i pashtershëm i çdo figure, çdo grupi dhe i gjithë kompozicioni janë në harmoni me artin e Scopas, janë ekuivalente me arritjet më të larta plastike të shekulli i 4-të. Ky është arti i madh grek me gjithë lavdinë e tij.
Por fryma e këtyre statujave ndonjëherë na largon nga Hellas. Fjalët e Lessing se artisti grek përuli manifestimet e pasioneve për të krijuar imazhe të qeta të bukura nuk vlejnë për ta në asnjë mënyrë. Vërtetë, ky parim ishte shkelur tashmë në klasikët e vonë. Megjithatë, edhe sikur të mbushura me impulsin më të dhunshëm, figurat e luftëtarëve dhe amazonave në frizin e varrit të Mavsolit na duken të përmbajtura në krahasim me figurat e "gjigantomakisë" së Pergamonit.
Jo fitorja e parimit të dritës mbi errësirën e nëntokës, prej nga shpëtuan gjigantët, është tema e vërtetë e frizës së Pergamonit. Ne shohim triumfin e perëndive, Zeusit dhe Athinës, por tronditemi nga diçka tjetër që rrëmben në mënyrë të pavullnetshme kur shikojmë gjithë këtë stuhi. Në luftë, i egër, vetëmohues - kjo është ajo që lavdëron mermeri i frizës së Pergamonit. Në këtë ekstazë, figurat gjigante të luftimeve përleshen furishëm me njëra-tjetrën. Fytyrat e tyre janë të shtrembëruara dhe na duket se dëgjojmë klithmat e tyre, ulërimat e tyre të tërbuara ose ngazëllyese, britmat dhe rënkimet shurdhuese.
Sikur një lloj force elementare të pasqyrohej këtu në mermer, një forcë e pazbutur dhe e paepur, që i pëlqen të mbjellë tmerr dhe vdekje. A nuk është ai që që nga kohërat e lashta iu shfaq njeriut në imazhin e tmerrshëm të Bishës? Dukej se ishte bërë me të në Hellas, por tani ai po ringjallet qartë këtu, në Pergamin helenistik. Jo vetëm me shpirtin e tyre, por edhe me pamjen e tyre. Ne shohim fytyrat e luanit, gjigantët me gjarpërinj të tundur në vend të këmbëve, përbindëshat, sikur të gjeneruar nga një imagjinatë e ndezur nga tmerri i zgjuar i së panjohurës.
Për të krishterët e parë, altari i Pergamonit dukej si "froni i Satanait"! ..
A nuk morën pjesë mjeshtrat aziatikë, të cilët ende u nënshtroheshin vizioneve, ëndrrave dhe frikës së Lindjes së Lashtë, në krijimin e frizës? Apo vetë mjeshtrit grekë u mbushën me ta në këtë tokë? Supozimi i fundit duket më i mundshëm.
Dhe kjo është gërshetimi i idealit helen të një forme harmonike të përsosur që përcjell botën e dukshme në bukurinë e saj madhështore, idealin e një njeriu që e kuptoi veten si kurorë e natyrës, me një qëndrim krejtësisht të ndryshëm, të cilin ne e njohim si në pikturat e shpellave paleolitike, të cilat ngulitën përgjithmonë fuqinë e frikshme të demit, dhe në fytyrat e pazgjidhura të gurit idhujt e Mesopotamisë dhe në pllakat "kafshore" skite, ndoshta për herë të parë gjen një mishërim kaq integral, organik në imazhet tragjike. të altarit të Pergamonit.
Këto imazhe nuk janë aq ngushëlluese sa imazhet e Partenonit, por në shekujt e mëvonshëm patosi i tyre i shqetësuar do të jetë në përputhje me shumë nga krijimet më të larta të artit.
Nga fundi i shekullit I. para Krishtit. Roma pohon dominimin e saj mbi botën helenistike. Por është e vështirë të përcaktosh, qoftë edhe me kusht, aspektin përfundimtar të helenizmit. Në çdo rast, në ndikimin e saj në kulturën e popujve të tjerë. Roma e përvetësoi kulturën e Hellasit në mënyrën e vet dhe vetë doli të ishte helenizuar. Shkëlqimi i Hellas nuk u shua as nën sundimin romak, as pas rënies së Romës.
Në fushën e artit për Lindjen e Mesme, veçanërisht për Bizantin, trashëgimia e antikitetit ishte kryesisht greke, jo romake. Por kjo nuk është e gjitha. Fryma e Hellas shkëlqen në pikturën e lashtë ruse. Dhe kjo frymë ndriçon në Perëndim epokë e madhe Rilindja.
SKULPTURA ROMAKE
Pa themelet e hedhura nga Greqia dhe Roma, nuk do të kishte as Evropë moderne.
Si grekët ashtu edhe romakët kishin vokacionin e tyre historik - ata plotësuan njëri-tjetrin dhe themeli i Evropës moderne është kauza e tyre e përbashkët.
Trashëgimia artistike e Romës do të thoshte shumë në themelin kulturor të Evropës. Për më tepër, kjo trashëgimi ishte pothuajse vendimtare për artin evropian.
Në Greqinë e pushtuar, romakët fillimisht u sollën si barbarë. Në një nga satirët e tij, Juvenali na tregon një luftëtar të vrazhdë romak të atyre kohërave, "për të vlerësuar artin e grekëve që nuk dinin si", i cili "në përmasat e zakonshme" thyente "kupat e veprës së lavdishme". artistët" në copa të vogla për të dekoruar me to mburojën ose guaskën e tij.
Dhe kur romakët dëgjuan për vlerën e veprave të artit, shkatërrimi u zëvendësua nga plaçkitja - e shfrenuar, me sa duket, pa asnjë përzgjedhje. Nga Epiri në Greqi, romakët nxorën pesëqind statuja dhe pasi kishin thyer etruskët edhe më parë, dy mijë nga Wei. Nuk ka gjasa që të gjitha këto të ishin të njëjtat kryevepra.
Në përgjithësi pranohet se rënia e Korinthit në vitin 146 p.e.s. Periudha aktuale greke e historisë antike përfundon. Ky qytet i lulëzuar në breg Deti Jon, një nga qendrat kryesore të kulturës greke, u rrafshua me tokë nga ushtarët e konsullit romak Mummy. Nga pallatet dhe tempujt e djegur, anijet konsullore nxorrën thesare të panumërta artistike, kështu që, siç shkruan Plini, fjalë për fjalë e gjithë Roma u mbush me statuja.
Romakët jo vetëm sollën një numër të madh statujash greke (përveç kësaj, ata sollën edhe obeliskë egjiptianë), por kopjuan origjinalet greke në një shkallë të gjerë. Dhe vetëm për këtë, ne duhet t'u jemi mirënjohës atyre. Cili ishte, megjithatë, kontributi aktual romak në artin e skulpturës? Rreth trungut të kolonës së Trajanit, e ngritur në fillim të shek. para Krishtit NS. në Forumin e Trajanit, mbi varrin e këtij perandori, një reliev gjarpëron si një fjongo e gjerë, duke lavdëruar fitoret e tij mbi dakët, mbretëria e të cilëve (Rumania e sotme) u pushtua përfundimisht nga romakët. Artistët që bënë këtë reliev ishin padyshim jo vetëm të talentuar, por edhe njohës të mirë të teknikave të mjeshtrave helenistikë. Megjithatë kjo është një vepër tipike romake.
Para nesh është më i detajuari dhe më i ndërgjegjshmi rrëfim... Është një rrëfim, jo një imazh i përgjithësuar. Në relievin grek, historia e ngjarjeve reale paraqitej në mënyrë alegorike, zakonisht e ndërthurur me mitologjinë. Në relievin romak, që nga koha e republikës, shihet qartë dëshira për të qenë sa më i saktë, më specifikisht të përcjellë rrjedhën e ngjarjeve në sekuencën e saj logjike së bashku me tipare karakteristike personat që marrin pjesë në to. Në relievin e kolonës së Trajanit, shohim kampe romake dhe barbare, përgatitje për një fushatë, vërshime në fortesa, kalime, beteja të pamëshirshme. Gjithçka duket të jetë vërtet shumë e saktë: llojet e ushtarëve romakë dhe dakët, armët dhe veshjet e tyre, lloji i fortifikimeve - kështu që ky reliev mund të shërbejë si një lloj enciklopedie skulpturore e jetës ushtarake të asaj kohe. Për nga koncepti i saj i përgjithshëm, e gjithë kompozicioni, përkundrazi, i ngjan rrëfimeve relievore tashmë të njohura të bëmave abuzive të mbretërve asirianë, por me më pak fuqi pikture, megjithëse me një njohuri më të mirë të anatomisë dhe aftësinë për të vendosur figura më lirshëm në hapësirë nga grekët. Relievi i ulët, pa zbulimin plastik të figurave, mund të jetë frymëzuar nga pikturat që nuk kanë mbijetuar. Imazhet e vetë Trajanit përsëriten të paktën nëntëdhjetë herë, fytyrat e ushtarëve janë jashtëzakonisht ekspresive.
Vetë këto konkretësi dhe ekspresivitet përbëjnë një tipar dallues të të gjithë skulpturës së portretit romak, në të cilën ndoshta u shfaq më qartë origjinaliteti i gjeniut artistik romak.
Pjesa e pastër romake, e përfshirë në thesarin e kulturës botërore, është përcaktuar në mënyrë perfekte (vetëm në lidhje me portretin romak) nga njohësi më i madh i artit antik, O.F. Waldhauer: “... Roma ekziston si individ; Roma është në ato forma të ashpra në të cilat imazhet e lashta rilindën nën sundimin e saj; Roma është në atë organizëm të madh që përhapi farat e kulturës së lashtë, duke u dhënë atyre mundësinë për të fekonduar popuj të rinj, ende barbarë dhe, së fundi, Roma është në krijimin e botës së qytetëruar mbi bazën e elementeve kulturore helene dhe duke i modifikuar ato. , në përputhje me detyrat e reja, vetëm Roma dhe mund të krijonte ... epokën e madhe të skulpturës së portretit ... ".
Portreti romak ka një sfond kompleks. Lidhja e tij me portretin etrusk është e dukshme, si dhe me atë helenistik. Rrënja romake është gjithashtu mjaft e qartë: portretet e para romake në mermer ose bronz ishin vetëm një riprodhim i saktë i një maskë dylli të hequr nga fytyra e të ndjerit. Nuk është ende art në kuptimin e zakonshëm.
Në kohët e mëvonshme, saktësia është ruajtur në zemër të portretit artistik romak. Saktësia, e frymëzuar nga frymëzimi krijues dhe mjeshtëria e jashtëzakonshme. Trashëgimia e artit grek sigurisht që luajti një rol këtu. Por mund të thuhet pa ekzagjerim: arti i një portreti të individualizuar shkëlqyeshëm, i sjellë në përsosmëri, duke ekspozuar plotësisht botën e brendshme të një personi të caktuar, është, në thelb, një arritje romake. Në çdo rast, për nga shtrirja e krijimtarisë, në forcën dhe thellësinë e depërtimit psikologjik.
Portreti romak zbulon para nesh frymën e Romës së Lashtë në të gjitha aspektet dhe kontradiktat e saj. Një portret romak është, si të thuash, vetë historia e Romës, e treguar në njerëz, historia e ngritjes së saj të paparë dhe vdekjes tragjike: "E gjithë historia e rënies romake shprehet këtu me vetulla, ballë, buzë" (Herzen) .
Midis perandorëve romakë kishte personalitete fisnike, shtetarë të mëdhenj, kishte edhe ambiciozë të pangopur, kishte përbindësha, despotë,
Të çmendur nga pushteti i pakufizuar dhe me vetëdijen se atyre u lejohej gjithçka, që derdhën një det gjaku, ishin tiranë të zymtë, të cilët, duke vrarë paraardhësin e tyre, arritën gradën më të lartë dhe për këtë arsye shkatërruan të gjithë ata që u ngjallnin dyshimin më të vogël. Siç e pamë, morali i lindur nga monarkia e hyjnizuar ndonjëherë i shtynte edhe më të ndriturit drejt akteve më mizore.
Gjatë periudhës së fuqisë më të madhe të perandorisë, një sistem skllevër i organizuar fort, në të cilin jeta e një skllavi u shkatërrua dhe trajtohej si një bagëti që punonte, la gjurmë në moralin dhe jetën e jo vetëm perandorëve dhe fisnikëve, por edhe qytetarë të thjeshtë. Dhe në të njëjtën kohë, të inkurajuar nga patosi i shtetësisë, pati një rritje të dëshirës për të përmirësuar jetën shoqërore në stilin romak në të gjithë perandorinë, me besim të plotë se nuk mund të kishte një sistem më të qëndrueshëm dhe më të dobishëm. Por ky besim doli të ishte i paqëndrueshëm.
Luftërat e vazhdueshme, grindjet e brendshme, kryengritjet provinciale, ikja e skllevërve, vetëdija e paligjshmërisë çdo shekull e më shumë dëmtonin themelet e "paqes romake". Krahinat e pushtuara e shfaqën vullnetin e tyre gjithnjë e më me vendosmëri. Dhe në fund ata minuan fuqinë bashkuese të Romës. Provincat shkatërruan Romën; Vetë Roma e kthyer në një qytet provincial, i ngjashëm me të tjerët, i privilegjuar, por jo më dominues, pushoi së qeni qendra e perandorisë botërore... Shteti romak u shndërrua në një makineri komplekse gjigante ekskluzivisht për thithjen e lëngjeve të nënshtetasve të tij.
Prirjet e reja që vinin nga Lindja, idealet e reja, kërkimi i një të vërtete të re lindën besime të reja. Erdhi rënia e Romës, rënia e botës së lashtë me ideologjinë dhe rendin e saj shoqëror.
E gjithë kjo pasqyrohet në skulpturën e portretit romak.
Në kohën e republikës, kur morali ishte më i ashpër dhe më i thjeshtë, saktësia dokumentare e imazhit, i ashtuquajturi "verizëm" (nga fjala verus - e vërtetë), nuk ishte ende e balancuar nga ndikimi fisnikërues grek. Ky ndikim u shfaq në epokën e Augustit, ndonjëherë edhe në dëm të vërtetës.
Statuja e famshme me gjatësi të plotë të Augustit, ku ai shfaqet me gjithë shkëlqimin e fuqisë perandorake dhe lavdisë ushtarake (statuja nga Prima Porta, Roma, Vatikani), si dhe imazhi i tij në formën e vetë Jupiterit (Ermitazhit), natyrisht, portrete ceremoniale të idealizuara, duke barazuar sundimtarin tokësor me qiellorët. E megjithatë ato shfaqin tiparet individuale të Augustit, qëndrueshmërinë relative dhe rëndësinë e padyshimtë të personalitetit të tij.
Janë idealizuar edhe portrete të shumta të pasardhësit të tij, Tiberius.
Le të shohim portretin skulpturor të Tiberius në rininë e tij (Kopenhagë, Glyptotek). Imazhi i fisnikëruar. Dhe në të njëjtën kohë, natyrisht, individuale. Diçka josimpatike, e tërhequr në mënyrë të neveritshme mund të shihet në tiparet e tij. Ndoshta, i vendosur në kushte të ndryshme, ky person nga jashtë do ta jetonte jetën e tij mjaft mirë. Por frikë e përjetshme dhe fuqi e pakufizuar. Dhe na duket se artisti kapi në imazhin e tij diçka që as Augusti mendjemprehtë nuk e njohu kur emëroi Tiberius pasardhësin e tij.
Por me gjithë kufizimin e tij fisnik, portreti i pasardhësit të Tiberius - Kaligula (Kopenhagë, Glyptotek), një vrasës dhe torturues, i cili përfundimisht u godit me thikë për vdekje nga shoqëruesit e tij, tashmë është plotësisht i ekspozuar. Vështrimi i tij është i tmerrshëm dhe ju mendoni se nuk mund të ketë mëshirë nga ky sundimtar shumë i ri (ai i dha fund jetës së tij të tmerrshme për njëzet e nëntë vjet) me buzë të ngjeshura fort, të cilit i pëlqente të kujtonte se mund të bënte gjithçka: dhe me këdo. Ne besojmë, duke parë portretin e Kaligula, të gjitha historitë për mizoritë e tij të panumërta. "Ai i detyroi baballarët të ishin të pranishëm në ekzekutimin e djemve të tyre," shkruan Suetonius, "për njërin prej tyre ai dërgoi një barelë kur ai u përpoq të shmangej për shkak të shëndetit të keq; një tjetër ai menjëherë pas spektaklit të ekzekutimit e ftoi në tavolinë dhe me lloj-lloj kënaqësish e detyroi të bënte shaka dhe të argëtohej”. Dhe një tjetër historian romak, Dio, shton se kur babai i njërit prej atyre që u ekzekutuan "e pyeti nëse mund të mbyllte të paktën sytë, ai urdhëroi vdekjen e babait të tij gjithashtu". Dhe gjithashtu në Suetonius: “Kur bagëtitë, të cilat përdoreshin për të ushqyer kafshët e egra për spektakle, u rritën në çmim, ai urdhëroi t'i hidhnin në mëshirën e kriminelëve; dhe, duke rrotulluar burgun për këtë, ai nuk shikoi se kush e kishte fajin për çfarë, por urdhëroi drejtpërdrejt, duke qëndruar te dera, të merrte të gjithë ... ". Fytyra me vetulla të ulëta e Neronit, më i famshmi nga djajtë e kurorëzuar të Romës së Lashtë (mermer, Romë, Muzeu Kombëtar), është ogurzi në mizorinë e saj.
Stili i portretit skulpturor romak ndryshoi së bashku me qëndrimin e përgjithshëm të epokës. Vërtetësia dokumentare, shkëlqimi, hyjnizimi që arrin, realizmi më i mprehtë, thellësia e depërtimit psikologjik, mbizotëronin në mënyrë të alternuar tek ai, madje plotësonin njëra-tjetrën. Por për sa kohë që ideja romake ishte e gjallë, fuqia piktoreske nuk u tha në të.
Perandori Hadrian fitoi lavdinë e një sundimtari të mençur; dihet se ai ishte një njohës i ndritur i artit, një admirues i flaktë i trashëgimisë klasike të Hellasit. Tiparet e tij, të gdhendura në mermer, një vështrim i zhytur në mendime, së bashku me një prekje të lehtë trishtimi, plotësojnë idenë tonë për të, ashtu si portretet e tij të Caracalla-s plotësojnë idenë tonë për Caracalla-n, duke kapur vërtet kuintesencën e mizorisë shtazore, fuqia më e shfrenuar, e dhunshme. Nga ana tjetër, Marcus Aurelius shfaqet si një "filozof në fron" i vërtetë, një mendimtar i mbushur me fisnikëri shpirtërore, duke predikuar stoicizmin në shkrimet e tij, një shkëputje nga të mirat tokësore.
Vërtet të paharrueshme në imazhet e tyre ekspresiviteti!
Por portreti romak ringjall para nesh jo vetëm imazhet e perandorëve.
Le të ndalemi në Hermitazhin përballë një portreti të një romak të panjohur, të ekzekutuar ndoshta në fund të shekullit të 1-të. Kjo është një kryevepër e padyshimtë, në të cilën saktësia romake e imazhit është e kombinuar me mjeshtërinë tradicionale helene, karakterin dokumentar të figurës - me spiritualitetin e brendshëm. Nuk e dimë kush është autori i portretit - a është një grek që i dha Romës me qëndrimin dhe shijet e talentit të tij, një artist romak apo një tjetër, një subjekt perandorak, i frymëzuar nga modelet greke, por i rrënjosur fort në tokën romake. - pasi autorët janë të panjohur (në shumicë, ndoshta, skllevër) dhe statuja të tjera të shquara nga epoka romake.
Ky imazh përshkruan një person të moshuar që ka parë shumë në jetën e tij dhe ka përjetuar shumë, në të cilin supozoni një lloj vuajtjeje të bezdisshme, ndoshta nga mendime të thella. Imazhi është aq i vërtetë, i vërtetë, i rrëmbyer me aq këmbëngulje nga mesi i njerëzimit dhe i zbuluar me aq mjeshtëri në thelbin e tij, saqë na duket se e kemi takuar këtë romak, jemi njohur me të, pikërisht kështu - edhe pse papritur krahasimi ynë - siç ne. njohin, për shembull, heronjtë e romaneve të Tolstoit.
Dhe e njëjta bindje në një tjetër kryevepër të njohur nga Hermitage, një portret mermeri i një gruaje të re, i quajtur konvencionalisht sipas llojit të fytyrës "Siriane".
Kjo është tashmë gjysma e dytë e shekullit të 2-të: gruaja e paraqitur është një bashkëkohëse e perandorit Marcus Aurelius.
Ne e dimë se kjo ishte një epokë e rivlerësimit të vlerave, e intensifikimit të ndikimeve lindore, e disponimeve të reja romantike, e misticizmit të pjekur, e paralajmërimit të krizës së krenarisë së fuqisë së madhe romake. "Koha e jetës njerëzore është një moment," shkroi Marcus Aurelius, "thelbi i saj është një rrjedhë e përjetshme; ndjenja e paqartë; struktura e të gjithë trupit është e prishshme; shpirti është i paqëndrueshëm; fati është misterioz; lavdia është e pabesueshme."
Soditja melankolike, karakteristikë e shumë portreteve të kësaj kohe, frymon imazhin e “sirianit”. Por ëndërrimi i saj i gjallë - ne e ndiejmë - është thellësisht individual, dhe përsëri ajo vetë na duket për një kohë të gjatë e njohur, pothuajse madje e dashur, kështu që dalta jetësore e skulptorit me punë të sofistikuara nxori tiparet e saj magjepsëse dhe shpirtërore nga mermeri i bardhë me një butësi të butë. nuancë kaltërosh.
Dhe këtu përsëri perandori, por një perandor i veçantë: Filipi Arab, i cili doli në plan të parë në kulmin e krizës së shekullit III. - "kapërcim perandorak" i përgjakshëm - nga radhët e legjionit provincial. Ky është portreti i tij zyrtar. Ashpërsia e imazhit të ushtarit është edhe më domethënëse: ishte koha kur, në fermentim të përgjithshëm, ushtria u bë mburoja e fuqisë perandorake.
Vetullat e vrenjtura. Një vështrim i frikshëm, i kujdesshëm. Hundë e rëndë, me mish. Rrudha të thella të faqeve, duke formuar një lloj trekëndëshi me një vijë të mprehtë horizontale buzësh të trasha. Një qafë e fuqishme, dhe në gjoks ka një palosje të gjerë tërthore të togës, e cila më në fund i jep të gjithë bustit të mermerit një masivitet të vërtetë graniti, forcë lakonike dhe integritet.
Ja çfarë shkruan Waldgauer për këtë portret të jashtëzakonshëm, të ruajtur edhe në Hermitazhin tonë: “Teknika është thjeshtuar deri në ekstrem... Tiparet e fytyrës zhvillohen nga vija të thella, pothuajse të përafërta, me një refuzim të plotë të modelimit të detajuar të sipërfaqes. Personaliteti, si i tillë, karakterizohet pa mëshirë, duke nxjerrë në pah tiparet më të rëndësishme”.
Stili i ri, ekspresiviteti monumental i arritur në një mënyrë të re. A nuk është ky ndikimi i të ashtuquajturës periferia barbare e perandorisë, duke depërtuar gjithnjë e më shumë nëpër provincat që u bënë rivale të Romës?
Në stilin e përgjithshëm të bustit të Filipit Arab, Waldhauer njeh tipare që do të zhvillohen plotësisht në portretet skulpturore mesjetare të katedraleve franceze dhe gjermane.
Roma e lashtë u bë e famshme për veprat e saj të zhurmshme, arritje që befasuan botën, por rënia e saj ishte e zymtë dhe e dhimbshme.
Një epokë e tërë historike po përfundonte. Sistemi i vjetëruar do t'i linte vendin një sistemi të ri, më të avancuar; shoqëria e skllevërve - të rilindë në një shoqëri feudale.
Në vitin 313, krishterimi i persekutuar prej kohësh u njoh në Perandorinë Romake si fe shtetërore, e cila në fund të shek. u bë dominues në të gjithë Perandorinë Romake.
Krishterimi, me predikimin e tij të përulësisë, asketizmit, me ëndrrën e tij për parajsën jo në tokë, por në qiell, krijoi një mitologji të re, heronjtë e së cilës, asketët e besimit të ri, që morën kurorën e martirit për të, morën vend që dikur i përkiste perëndive dhe perëndeshave që personifikonin parimin e vërtetimit të jetës, dashurinë tokësore dhe gëzimin tokësor. Ajo u përhap gradualisht, dhe për këtë arsye, edhe para triumfit të saj të legalizuar, doktrina e krishterë dhe disponimi shoqëror që e përgatitën atë, minuan rrënjësisht idealin e bukurisë, i cili dikur shkëlqeu me dritë të plotë në Akropolin e Athinës dhe që u perceptua dhe miratohej nga Roma gjatë gjithë shekullit. botën nën kontrollin e saj.
Kisha e Krishterë u përpoq të veshë me një formë konkrete besimesh të palëkundshme fetare një qëndrim të ri, në të cilin Lindja, me frikën e saj ndaj forcave të pazgjidhura të natyrës, lufta e përjetshme me Bishën, gjeti një përgjigje midis të pafavorizuarve në të gjithë botën antike. . Dhe megjithëse elita sunduese e kësaj bote shpresonte për një fe të re universale për të bashkuar shtetin e rrënuar romak, botëkuptimi, i lindur nga nevoja për transformim shoqëror, tronditi unitetin e perandorisë së bashku me atë. kulturën e lashtë prej nga lindi shtetësia romake.
Muzgu i botës së lashtë, muzgu i artit të madh antik. Në të gjithë perandorinë, sipas kanuneve të vjetra, ende po ndërtohen pallate madhështore, forume, banja dhe harqe triumfale, por këto janë vetëm përsëritje të asaj që është arritur në shekujt e mëparshëm.
Një kokë kolosale - rreth një metër e gjysmë - nga statuja e perandorit Kostandin, i cili transferoi kryeqytetin e perandorisë në Bizant në 330, i cili u bë Kostandinopoja - "Roma e Dytë" (Roma, Palazzo e Konservatorëve). Fytyra është ndërtuar në mënyrë korrekte, harmonike, sipas modeleve greke. Por gjëja kryesore në këtë fytyrë janë sytë: duket se nëse i mbyllni, nuk do të kishte asnjë fytyrë vetë... Fakti që në portretet e Fayum ose portreti pompeian i një gruaje të re i dha imazhit një shprehje të frymëzuar është marrë në ekstrem këtu, e ka ezauruar të gjithë imazhin. Ekuilibri i lashtë midis shpirtit dhe trupit është shkelur qartë në favor të të parës. Jo një fytyrë e gjallë njerëzore, por një simbol. Një simbol i fuqisë, i kapur në vështrim, fuqi që nënshtron çdo gjë tokësore, të paanshme, të paepur dhe të paarritshme. Jo, edhe nëse tiparet e portretit janë ruajtur në imazhin e perandorit, kjo nuk është më një skulpturë portreti.
Harku mbresëlënës triumfal i perandorit Kostandin në Romë. Përbërja e saj arkitekturore mbështetet rreptësisht në stilin klasik romak. Por në rrëfimin e relievit që lavdëron perandorin, ky stil zhduket pothuajse pa lënë gjurmë. Relievi është aq i ulët sa figurat e vogla duken të sheshta, jo të skalitura, por të gërvishtura. Janë të rreshtuara në mënyrë monotone me radhë, të derdhura me njëra-tjetrën. Ne i shikojmë me habi: kjo është një botë krejtësisht e ndryshme nga bota e Hellas dhe Romës. Asnjë ringjallje - dhe frontaliteti në dukje i kapërcyer përgjithmonë ringjallet!
Një statujë porfiri e bashkësundimtarëve perandorakë - tetrarkëve që sundonin në atë kohë mbi pjesë të caktuara të perandorisë. Ky grup skulpturor shënon edhe fundin edhe fillimin.
Fundi - sepse është zhdukur me vendosmëri idealin helen të bukurisë, rrumbullakësinë e butë të formave, hollësinë e figurës njerëzore, hirin e kompozimit, butësinë e modelimit. Ajo vrazhdësi dhe thjeshtëzim, që i dha një shprehje të veçantë portretit të Hermitacionit të Filipit Arab, u bë këtu, si të thuash, një qëllim në vetvete. Koka pothuajse kubike të gdhendura të ngathëta. Nuk ka as një aluzion portreti, sikur individualiteti njerëzor nuk është më i denjë për t'u përshkruar.
Në vitin 395, Perandoria Romake u nda në perëndimore - latine dhe lindore - greke. Në vitin 476 Perandoria Romake Perëndimore ra nën goditjet e gjermanëve. Ka ardhur një epokë e re historike, e quajtur Mesjetë.
Një faqe e re është hapur në historinë e artit.
BIBLIOGRAFI
- Britova N.N.Portret skulpturor romak: Ese. - M., 1985
- Monumentet e Brunov N.I Akropoli i Athinës... - M., 1973
- Dmitrieva N.A. Histori e shkurtër artet. - M., 1985
- Lyubimov L. D. Art botën e lashtë... - M., 2002
- Chubova A.P. Mjeshtra antikë: Skulptorë dhe piktorë. - L., 1986
Dërgoni punën tuaj të mirë në bazën e njohurive është e thjeshtë. Përdorni formularin e mëposhtëm
Studentët, studentët e diplomuar, shkencëtarët e rinj që përdorin bazën e njohurive në studimet dhe punën e tyre do t'ju jenë shumë mirënjohës.
Postuar në http://www.allbest.ru/
abstrakteSkulptorë të shquar të Greqisë antike
Timergalina Alfina
Planifikoni
Prezantimi
1. Skulpturë e periudhës homerike të shekujve XXI-VIII.
2. Skulptura e shekujve VII-III.
konkluzioni
Prezantimi
Një numër në rritje njerëzish e kuptojnë se njohja me të kaluarën historike nuk është vetëm njohje me kryeveprat e qytetërimit botëror, monumente unike të artit antik, jo vetëm një shkollë edukimi, por edhe moral dhe një pjesë integrale artistikisht e jetës moderne.
Qytetërimi më i madh i botës së lashtë ishte qytetërimi i lashtë grek. Qytetërimi kishte një kulturë të zhvilluar.
Mund të konsiderohet në mënyrë të pakontestueshme e vërtetuar se shoqëria klasore dhe shteti, e bashkë me të edhe qytetërimi, u ngritën në tokën greke dy herë me një hendek të madh në kohë: së pari, në gjysmën e parë të mijëvjeçarit II para Krishtit. dhe përsëri në gjysmën e parë të mijëvjeçarit të parë para Krishtit. Prandaj, e gjithë historia e Greqisë së lashtë tani zakonisht ndahet në dy epoka të mëdha: 1) epoka e qytetërimit të pallateve mikene, ose kreta-mikenase dhe 2) epoka e qytetërimit të lashtë polis.
1. Skulpturë e periudhës homerike të shekujve XXI-VIII.
Fatkeqësisht, praktikisht asgjë nuk na ka ardhur nga skulptura monumentale e periudhës homerike. Xoan ishte, për shembull, një statujë prej druri e Athinës së Drerosit, e zbukuruar me pllaka të praruara që përshkruanin detaje të veshjeve. Për sa u përket ekzemplarëve skulpturorë të mbijetuar, figurina të vogla qeramike nga Tanagra që datojnë në shekullin e VII janë me interes të padyshimtë. para Krishtit e., por të bëra nën ndikimin e qartë të stilit gjeometrik. Është interesante se i njëjti ndikim mund të gjurmohet jo vetëm në qeramikën e pikturuar (gjë që nuk është e vështirë të imagjinohet: figurinat janë pikturuar thjesht me modele ose figura të caktuara që përsëriten në formë), por edhe në skulpturën prej bronzi.
2. Skulptura e shekujve VII-III
Në shekujt VII - VI. para Krishtit. skulptura dominohet nga dy lloje: figura nudo mashkullore dhe ajo femër e mbështjellë. Lindja e tipit statujë të figurës nudo të një burri shoqërohet me tendencat kryesore në zhvillimin e shoqërisë. Pamja e relievit lidhet kryesisht me zakonin e ngritjes së gurëve të varreve. Më pas, relievet në formën e kompozimeve komplekse me shumë figura u bënë një pjesë e domosdoshme e tablosë së tempullit. Zakonisht pikturoheshin statuja dhe relieve.
Skulptura dhe piktura e Greqisë në shekullin V. para Krishtit. zhvilluar traditat e kohës së mëparshme. Imazhet e perëndive dhe heronjve mbetën ato kryesore. skulptura e lashtë greke statuja homerike
Tema kryesore në artin e grekëve në periudhën arkaike është njeriu, i përfaqësuar në formën e një perëndie, heroi, atleti. Ky njeri është i bukur dhe i përsosur, me fuqi dhe bukuri është si një hyjni, autoriteti i sigurt merret me mend në qetësi dhe soditje. Të tilla janë skulpturat e shumta prej mermeri të fundit të shekullit të VII. para Krishtit. të rinjtë e zhveshur-kabllo.
Nëse më parë konsiderohej e nevojshme të krijohej një mishërim abstrakt i disa cilësive fizike dhe mendore, një imazh mesatar, tani skulptorët treguan vëmendje ndaj një personi specifik, individualitetit të tij. Sukseset më të mëdha në këtë u arritën nga Scopas, Praxitel, Lysippus, Timofey, Briaxides.
Kishte një kërkim për mjete për të përcjellë nuancat e lëvizjes së shpirtit, gjendjen shpirtërore. Njëri prej tyre përfaqësohet nga Skopas, me origjinë nga Fr. Paros. Një drejtim tjetër lirik u pasqyrua në artin e tij nga Praxiteles, një bashkëkohës më i ri i Scopas ("Afërdita e Knidit", Artemis dhe Hermes me Dionisin). Dëshira për të treguar një shumëllojshmëri karakteresh ishte karakteristikë e Lysippos (statuja e Apoksiomenos, "Erosi me një hark", "Herkuli që lufton një luan").
Gradualisht, mpirja e figurave dhe skematizmi i natyrshëm në skulpturën arkaike tejkalohen, statujat greke bëhen më realiste. Zhvillimi i skulpturës lidhet edhe në shek. para Krishtit. me emrat e tre mjeshtërve të famshëm Miron, Poliklet dhe Fidia.
Më e famshmja nga skulpturat e Myron është "Discobolus" - një atlet në momentin e hedhjes së diskut. Trupi perfekt i një atleti në momentin e tensionit më të lartë është tema e preferuar e Myron.
Skulptori më i famshëm, i nderuar dhe i pakrahasueshëm i periudhës së klasikëve të pjekur (të quajtur edhe "të lartë") ishte Phidias, i cili udhëhoqi rindërtimin e Akropolit të Athinës dhe ndërtimin e Partenonit të famshëm dhe tempujve të tjerë të bukur mbi të. Phidias krijoi tre statuja të perëndeshës mbrojtëse athinase për Akropolin. Në vitin 438 para Krishtit. NS. ai përfundoi statujën dymbëdhjetë metra të Athena Parthenos, e bërë posaçërisht prej druri, ari dhe fildishi për dekorim i brendshëm Partenoni. Në ajër të hapur, në një piedestal të lartë ngrihej një tjetër Athena nga Phidias - bronzi Athena Promachos ("Luftëtarja"). Perëndesha u përshkrua me armaturë të plotë, me një shtizë, maja e praruar e së cilës shkëlqente aq shumë në diell, saqë i zëvendësoi anijet që lundronin në Pire me një far bregdetar. Kishte një Athinë tjetër, e ashtuquajtura Athena Lemnia, e cila ishte inferiore në përmasa ndaj veprave të tjera të Fidias dhe, si ato, ka ardhur tek ne në kopje romake mjaft të diskutueshme. Megjithatë, famën më të madhe, e cila eklipsoi edhe lavdinë e Athena Parthenos dhe të gjitha veprave të tjera të Akropolit të Fidias, gëzohej në kohët e lashta nga statuja kolosale e Zeusit Olimpik.
konkluzioni
Një tipar karakteristik i kulturës së hershme greke ishte uniteti i mahnitshëm i stilit të saj, i shënuar me shkëlqim nga origjinaliteti, vitaliteti dhe humaniteti. Njeriu zinte një vend të rëndësishëm në botëkuptimin e kësaj shoqërie; për më tepër, artistët i kushtuan vëmendje përfaqësuesve të profesioneve dhe shtresave të ndryshme shoqërore, botës së brendshme të secilit personazh. E veçanta e kulturës së hershme të Hellasit reflektohet në kombinimin çuditërisht harmonik të motiveve të natyrës dhe kërkesave të stilit, të cilat zbulohen nga veprat e mjeshtërve të saj më të mirë të artit. Dhe nëse fillimisht artistët, veçanërisht ata Kretanë, u përpoqën më shumë drejt zbukurimit, atëherë tashmë nga shekujt XVII-XVI. krijimtaria e Hellas është plot vitalitet. Në shekujt XXX-XII. popullsia e Greqisë kaloi rrugë e vështirë zhvillimin ekonomik, politik dhe shpirtëror. Ky segment i historisë karakterizohet nga një rritje intensive e prodhimit, e cila krijoi kushte në një sërë rajonesh të vendit për kalimin nga një sistem primitiv komunal në një sistem të hershëm klasor. Ekzistenca paralele e këtyre dy sistemeve shoqërore përcaktoi origjinalitetin e historisë së Greqisë në epokën e bronzit. Duhet theksuar se shumë prej arritjeve të helenëve të asaj kohe ishin baza e kulturës brilante të grekëve të epokës klasike dhe së bashku me të hynë në thesarin e kulturës evropiane.
Më pas, për disa shekuj, të quajtur "Epoka e Errët" (shek. XI-IX) në zhvillimin e tyre, popujt e Hellasit, për rrethana të panjohura deri më tani, mund të thuhet se janë hedhur në sistemin primitiv komunal.
"Epoka e errët" pasohet nga periudha arkaike - kjo është koha e shfaqjes, para së gjithash, e shkrimit (bazuar në fenikas), pastaj e filozofisë: matematika, filozofia natyrore, pastaj pasuria e jashtëzakonshme e poezisë lirike, etj. Grekët, duke përdorur me mjeshtëri arritjet e kulturave të mëparshme të Babilonisë, Egjiptit, krijojnë artin e tyre, i cili pati një ndikim të madh në të gjitha fazat e mëvonshme të kulturës evropiane.
Për pikturën monumentale të periudhës arkaike nuk dihet asgjë. Është e qartë se ekzistonte, por për disa arsye nuk mbijetoi.
Kështu, periudha arkaike mund të quhet një periudhë e një kërcimi të mprehtë në zhvillimin kulturor të Greqisë.
Periudha arkaike pasohet nga periudha klasike (shek. V-IV p.e.s.).
Postuar në Allbest.ru
...Dokumente të ngjashme
Origjina e skulpturës antike Greqia e lashte... Skulptorë të shquar të epokës arkaike. Skulptorë të shquar të epokës klasike. Myron nga Eleuthera. Fidia dhe Polikleti më i madh. Përfaqësues të klasikëve të vonë (Praxitel, Skopas dhe Lysippos).
punim term i shtuar 07/11/2006
karakteristikat e përgjithshme kulturën e lashtë greke. Temat kryesore të miteve: jeta e perëndive dhe bëmat e heronjve. Origjina dhe lulëzimi i skulpturës në Greqinë e Lashtë. Karakteristikat e kompozimeve të pedimenteve të tempujve dhe statujave që përshkruajnë komplote të ndryshme dhe personazhe të miteve.
abstrakt i shtuar më 19.08.2013
Shfaqja e qytetërimit egjiptian. Kultura dhe zakonet e Egjiptit të Lashtë. Zhvillimi i arteve pamore të Mesopotamisë. Pamja, feja dhe kultura e Greqisë antike. Mënyra e jetesës dhe zakonet e Hellas Jugore. Zhvillimi i kulturës artistike të lashtë greke.
abstrakt i shtuar më 05.04.2016
Studimi i rolit të kulturës antike në historinë e qytetërimit evropian. Analiza e vendit të periudhës homerike në historinë e kulturës antike greke. Filozofia dhe mitologjia e grekëve të lashtë. Zhvillimi i demokracisë në Greqi. Periodizimi dhe fazat e formimit të Romës së Lashtë.
test, shtuar 04/06/2014
Fazat e zhvillimit të qytetërimit të lashtë grek. Karakteri i përgjithshëm i skulpturës së klasikëve të vonë. Pitagora e Rexhias është më e shumta skulptor i famshëm klasikët e hershëm. Statujat e Athena Parthenos dhe Zeusit Olimpik nga Phidias si kulmi i skulpturës së lashtë greke.
abstrakt, shtuar 28.03.2012
Tiparet dhe momentet kryesore të zhvillimit të kulturës antike greke, elementet e saj. Zhvillimi i qytetërimit të lashtë grek si bujqësor. Shfaqja e formave të veçanta të qeverisjes demokratike në qendrat e zhvilluara të Greqisë antike. Mitologjia dhe historia e Greqisë.
abstrakt, shtuar më 12/06/2008
Roli i Greqisë antike dhe kultura e saj në historinë botërore. Periudhat e zhvillimit të kulturës antike greke. Thelbi i komunitetit grek-polis, mënyrat e zhvillimit të tij. Athina dhe Sparta si dy qendra të qytetërimit të lashtë grek. Epoka e helenizmit. Letërsia, arti dhe filozofia.
abstrakt, shtuar 10/12/2011
Thelbi i periudhës arkaike, zanafilla e krijimtarisë letrare e të shkruar, historiografia. Krijimi i një biblioteke unike. Karakteristikat e mitologjisë së lashtë greke, panteoni i perëndive. Kulti i Dionisit si burim i tragjedisë, formimi i teorisë së letërsisë.
test, shtuar 17.11.2009
Karakteristikat e përgjithshme të qytetërimit etrusk. Analiza e zhvillimit të shkrimit, fesë, skulpturës, pikturës. Përshkrimi i arritjeve të kulturës antike greke. Identifikimi i zonave të kulturës etruske që u ndikuan më shumë nga kultura e lashtë greke.
abstrakt i shtuar më 05/12/2014
Koncepti i kulturës antike. Fazat e zhvillimit të kulturës së Greqisë antike, parimet e saj të botëkuptimit. Veçoritë kryesore të kulturës Kreto-Mikene (Egjeu). Kryevepra të periudhës homerike, vepra arti dhe arkitekture të epokës arkaike. Sistemi grek i porosive.
