"Ártemis" da ilha de Delos (século VII aC), trazida de presente à deusa por um certo Nikandra (como segue a inscrição na estátua), é um bloco de pedra quase indiviso com formas corporais mal delineadas. A cabeça está ereta, os cabelos caem simetricamente sobre os ombros, os braços estão abaixados ao longo do corpo, os pés parecem estar mecanicamente presos à massa grumosa de roupas compridas. A origem de tal estátua de um antigo xoan primitivo é inquestionável, e apenas um certo esforço pela correta proporcionalidade da figura humana é novo aqui.
Hera de Samos. Mármore. Por volta de 560 aC e. Paris. Louvre.
Que neste caso é impossível falar apenas sobre a incapacidade de retratar uma figura humana ou a falta de habilidade é claramente visto no exemplo da estátua de "Hera" da ilha de Samos (primeira metade do século VI aC) , feito cerca de cem anos após o anterior. O artista que criou esta estátua é. muito bem transportados vários tecidos - roupas íntimas pesadas e finas, dobras cuidadosamente representadas, sem dúvida, estabeleceram corretamente as proporções dessa figura feminina. No entanto, a estátua se assemelha a um tronco de árvore em vez de um corpo humano vivo; parece mais constrangido e mortal do que a mais convencional das estátuas egípcias. Em comparação com a arte do período homérico, há, é claro, muito novo e, acima de tudo - uma proporcionalidade e volume estritos e claros da figura. Mas tal arte ainda não apresenta tarefas verdadeiramente realistas: a tarefa do artista era criar uma estátua solene e congelada, um objeto de adoração, uma imagem sagrada e misteriosa de uma divindade.
Na estátua da "Deusa com uma maçã de romã" (século VI aC), em contraste com a estátua de "Hera", uma cabeça, desprovida de expressão viva, como toda a estátua, foi preservada. Isso só torna mais claro o caráter condicional geral desse tipo de escultura religiosa, que se assemelha muito à arte análoga do Antigo Oriente. Mas as dobras das roupas, as linhas curvas simétricas que vão de cima para baixo, a sofisticação geral da silhueta e as cores elegantes conferem à estátua, apesar de todos os seus maneirismos, uma sensação peculiar de festividade.
As figuras sentadas de governantes (arcontes), colocadas ao longo da estrada para templo antigo Apollo (Didimeion) perto de Mileto (na Jônia). Estas estátuas esquemáticas, geometricamente simplificadas, semelhantes a pedregulhos com linhas secas de dobras de roupas, foram feitas muito tardiamente - em meados do século VI. BC. As imagens dos governantes (o nome de um deles - Lebres - foi preservado na inscrição na estátua) são interpretadas como imagens de culto solenes. Pode-se imaginar que toda a arte da Grécia poderia ter se tornado assim, se a tendência humanista e democrática progressiva do desenvolvimento artístico não tivesse vencido.
As estátuas criadas por artistas dessa direção conservadora e convencional eram muitas vezes colossais em tamanho, imitando também o Oriente Antigo nesse sentido. Tal foi, por exemplo, a estátua de bronze não preservada de Apolo em Amicles (século VI aC), conhecida por descrições e imagens em moedas e atingindo cerca de 13 m de altura. A julgar pela descrição de Pausânias, este Apolo parecia uma coluna de cobre com a cabeça e as mãos presas a ela.
Seria, no entanto, completamente errado acreditar que uma visão de mundo abstrata prevalecia na escultura arcaica e uma solenidade morta e convencional prevalecia. Junto com as tendências estranhas ao realismo, que impediam o desenvolvimento vivo da arte, na escultura monumental arcaica havia tendências mais viáveis e mais avançadas, e o futuro estava por trás delas.
Particularmente típicas do período arcaico eram as estátuas nuas eretas de heróis, ou, mais tarde, guerreiros, os chamados kuros.
O tipo kouros desenvolveu-se durante os séculos VII e VI. BC. inicialmente, aparentemente, na península do Peloponeso. Sua aparência foi de grande importância progressiva para o desenvolvimento da escultura grega. A própria imagem de um kouros - um herói ou guerreiro forte e corajoso - foi associada ao desenvolvimento da consciência civil humana; significou um grande avanço em relação aos velhos ideais artísticos. Associado primeiro ao culto dos heróis, estas estátuas dos Kuros pelo século VI. BC. eles começaram a se associar a imagens ainda mais vitais de guerreiros ideais - eles começaram a servir de lápides para guerreiros e foram erguidos em homenagem aos vencedores das competições olímpicas e outras, que mudaram seu significado original das festividades em homenagem ao falecido.
Essa promoção como herói, junto aos deuses, também do homem - atleta e guerreiro - mostrou que a arte grega arcaica, ao exaltar os melhores, mais fortes e mais corajosos cidadãos, passou a definir a tarefa de educação social das pessoas, afirmando os ideais éticos avançados de seu tempo. Embora nos kuros não houvesse caráter individual, retrato e nenhuma experiência definida, eles sentiram claramente o espírito geral de masculinidade dura e energia coletada, o que aproximou a estrutura dessas estátuas do conteúdo ideológico da arquitetura dórica inicial.
O desenvolvimento geral do tipo kouros foi no sentido de uma fidelidade cada vez maior das proporções, superando elementos de simplificação geométrica e esquematismo, e evitando a ornamentação decorativa convencional na interpretação dos detalhes. No entanto, até o final do século 6. BC. a estrutura frontal e imóvel dessas estátuas permaneceu, como se as desligasse do espaço real, da vida real. Essa profunda contradição do próprio tipo da estátua do kouros - entre seu conteúdo social e a convenção tradicional da forma - não poderia ser resolvida pela arte arcaica. Isso exigiu mudanças e mudanças radicais na consciência humana, que ocorreram após as reformas de Clístenes e o fim das guerras greco-persas. As características da interpretação dórica inicial do tipo kouros são expressas com muita clareza no grupo escultórico de Polimedes de Argos, dedicado aos heróis lendários - Cleobis e Biton. Deste grupo, apenas uma estátua completa sobreviveu, a outra alcançada nos escombros. Polymedus, que trabalhou em Argos no Peloponeso, é um dos primeiros nomes historicamente precisos dos mestres da arte grega; viveu na primeira metade do século VI. BC.
Para "Cléobis" (ou Bpton, uma vez que não se sabe qual deles é retratado na estátua sobrevivente), a estrutura do corpo humano é acentuada e grosseiramente enfatizada; ele é colocado estritamente frontalmente e é quase simétrico, exceto pelo fato de que sua perna esquerda é empurrada para a frente, retratando convencionalmente o movimento da figura. Nestas imagens de um lutador hoplita fisicamente desenvolvido e bem preparado, suas qualidades espirituais (masculinidade, fortaleza, determinação, etc.) são mostradas na forma mais primitiva e indefinida.
Outro exemplo de estátua antiga de um kouros é o kouros do Metropolitan Museum de Nova York, mais esbelto, mas não menos esquemático em sua forma (em particular, refere-se à execução geometrizada e ornamental dos detalhes da cabeça ).
Em meados do século VI. BC. os kuros começaram a ficar mais vivos e humanos, os músculos do corpo começaram a ser melhor modelados, as proporções ficaram mais corretas. O desejo de dar expressividade ao rosto da estátua levou à adição do chamado esquema do "sorriso arcaico", que muitas vezes se repete na escultura arcaica. Esse sorriso tinha um caráter completamente convencional, mas, no entanto, aparentemente, tinha que expressar o estado daquela alegria e autoconfiança, que permeava toda a estrutura figurativa da estátua. É verdade que muitas vezes esse "sorriso arcaico", excessivamente acentuado e interpretado de forma ornamental, dá aos kuros uma aparência um tanto quanto educada (como, por exemplo, no chamado "Apolo da Sombra", feito na primeira metade do século VI BC).
121 a. O chamado Apollo Ptoyos do santuário de Apollo Ptoyos perto de Tebas. 6C. BC e. Mármore. Atenas. Museu Nacional.
O chamado "Apollo Ptoyos" (da Beócia) é um bom exemplo de um kuros arcaico tardio. Modelagem mais precisa da forma, nobreza de proporções e um sentido correto da estrutura do corpo humano conferem a esta estátua uma persuasão incomparavelmente maior na vida; sua simplicidade austera é muito mais consistente com a imagem do herói do que a força física exagerada dos kuros anteriores. O esquema tradicional de composição frontal e estacionária parece ainda mais injustificado aqui.
Nas estátuas do kouros e outras obras de escultura arcaica monumental, há uma inegável afinidade com a arte do Antigo Egito, que era conhecida na Grécia e poderia servir de exemplo para os artistas gregos até que as novas tarefas ideológicas da democracia grega finalmente superassem as tradições e influência da arte do Antigo Oriente.
As tendências acorrentadoras da solução convencional e abstrata da imagem humana no arcaico arte grega especialmente claramente manifestado naquelas obras escultóricas onde era necessário retratar o movimento.
Arqueiro. Estátua de voar Nika da ilha de Delos. Mármore. Primeira metade do século VI BC e. Atenas. Museu Nacional.
Tais obras incluíam a estátua da deusa da vitória - Nika - da ilha de Delos, feita na primeira metade do século VI. BC. Mestre Jônico (Chios) Archerm. Esta estátua estava em um pilar alto; a figura surgiu contra o céu e foi projetada para apenas um ponto de vista - na frente. Nika foi retratada voando; a estátua chegou até nós severamente danificada, mas sua aparência original pode ser imaginada a partir do fragmento sobrevivente. O movimento foi representado de forma totalmente simbólica: a parte superior do corpo é dada face a face, assim como as asas curvadas e levantadas, e as pernas dobradas nos joelhos estão de perfil, sem qualquer conexão com o torso imóvel. Cachos ornamentais de cabelo, um sorriso arcaico convencional e cores brilhantes completavam a impressão decorativa geral elegante desta estátua. No entanto, nem o esquema de “corrida ajoelhada” (como os arqueólogos chamavam esse método ingênuo de representar o movimento), nem a planura geral e o padrão de toda a figura transmitiam movimento real.
Mais frequentemente do que na escultura redonda, mas na maior parte, o movimento também foi convencionalmente retratado em relevos arcaicos do século VII. e a primeira metade do século VI. BC.
Medusa. Relevo do frontão do Templo de Artemis na ilha de Corfu. Calcário. Por volta de 590 aC e. Corfu. Museu.
Por exemplo, o relevo no frontão do Templo de Ártemis na ilha de Corfu (primeira metade do século VI aC) tinha esse caráter, muito plano e primitivo. No centro desse frontão havia uma grande figura da górgona voadora Medusa com duas panteras deitadas simetricamente localizadas de cada lado dela; nos cantos do frontão estavam representadas a batalha de Zeus com um gigante e uma Gaia sentada. Assim, este frontão não era dedicado a um único acontecimento, mas reunia várias figuras (e dados, aliás, em escalas muito diferentes), ligadas apenas por um conceito decorativo comum. A Corrida de Ajoelhamento de Medusa retratava seu vôo ao longo das mesmas linhas de Nick de Arkherm.
Perseu matando Medusa. Metope do templo "C" em Selinunte. 7-6 séculos. BC e. Calcário. Palermo. Museu Nacional.
Houve tentativas de superar a forma puramente externa e decorativa de unir as figuras e mostrar sua conexão mútua através da unidade de ação. Tais tentativas podem ser vistas nas métopas em relevo de um dos muitos templos de Selinunte (na ilha da Sicília), o chamado templo "C" (primeira metade do século VI aC). A par dos relevos feitos de forma decorativa totalmente plana ("O Rapto de Europa"), entre as métopas deste templo existem também aquelas em que as figuras são volumosas e as suas acções são dadas com clareza, embora muito ingenuamente expressas. No alívio "Perseu matando Medusa", Perseu, sendo admoestado por Atena, alcança a Medusa em fuga e corta sua cabeça com uma espada. No entanto, Perseu, Atena e Medusa, contrariando os requisitos naturais da situação da trama, viraram os rostos para o espectador, apenas as pernas foram definidas de perfil (e a "corrida" da Medusa é retratada de acordo com o esquema usual). As faces das três figuras são exatamente as mesmas. Tanto nesta métope quanto na outra, onde Hércules é representado carregando cecrops anão, as figuras são colocadas estritamente na vertical, as pernas e os braços são dobrados em ângulos retos, como se repetissem os ângulos da métope.
Este método convencional de representar o movimento foi mantido por muito tempo. Em meados do século VI. BC. foi aplicado com extraordinária consistência na métope de um dos tesouros de Delfos, onde os Dioscuri foram retratados abduzindo touros. A repetição monótona de figuras que se sucedem e grupos de touros igualmente idênticos andando “em passo” transformam esse relevo quase num padrão ornamental que adorna uma estrutura arquitetônica.
A partir da segunda metade do século VI. BC. na escultura arcaica (incluindo o relevo), as buscas realistas começaram a surgir de forma mais clara e distinta. Eles claramente contradiziam aqueles esquemas convencionais e decorativos-ornamentais, que eram tão numerosos no início do arcaico. Sua aparição testemunhava a aproximação de profundas mudanças na vida social e na cultura artística da Grécia.
A mais avançada das escolas de arte grega arcaica tardia foi a escola ática. Atenas, a principal cidade da Ática, já no período arcaico tardio adquiriu o significado do maior centro artístico, onde se reuniam mestres de toda a Grécia.
As obras da escola ática desta época distinguem-se por um profundo sentido da plasticidade e volume do corpo humano; os motivos do movimento na arte arcaica ática são muito mais reais do que na dórica. Os melhores e mais avançados escultores da Jônia encontraram aplicação para suas buscas em Atenas, e não em sua terra natal. A combinação das realizações das escolas dórica e jônica com base no desenvolvimento da tradição ática local é uma característica da arte da Ática.
Atenas estava livre do desenvolvimento unilateral de outras políticas predominantemente agrícolas ou predominantemente comerciais, e o processo de formação de uma política escravista ocorreu aqui da forma mais consistente e orgânica. O demos, que muito cedo se tornou um inimigo extremamente formidável para a aristocracia, foi especialmente importante aqui. Na história de Atenas, todos traços específicos democracia escravista da polis e sua cultura.
Portanto, no final do século VI. BC. a arte do sótão torna-se a mais progressiva; com base em suas buscas realistas, são formadas as precondições mais frutíferas para a transição para a arte dos clássicos.
Há uma diferença muito grande entre a escultura ática da primeira metade do século VI. BC. e escultura da segunda metade do século testemunha o rápido desenvolvimento da arte de Atenas no período arcaico. Fragmentos do frontão do primeiro templo de Atena (Hecatompedon), construído na primeira metade do século, encontrado na Acrópole de Atenas, falam da natureza ainda muito condicional e primitiva da escultura ática da época. Esses fragmentos, relacionados à cena da batalha de Zeus com o fantástico monstro de três cabeças Tifão, são interessantes, em particular, porque possuem coloração muito bem preservada. O artista arcaico não se constrangia com a barba azul brilhante de Typhon e a cor vermelha de seu rosto ou a combinação de cabelos verdes, amarelos e ruivos cobrindo a enorme cauda de cobra do monstro (aliás, ela preenche muito bem o ângulo baixo do triângulo do frontão).
Na segunda metade do século VI. BC. as características mais significativas da escola ática começaram a aparecer com bastante clareza. A essa altura, a vida artística de Atenas tornou-se muito intensa, o que foi explicado pela ascensão do poder econômico e da cultura da Ática.
Uma das composições do frontão do segundo Hecatompedon em Atenas, que foi reconstruída a partir do antigo Pisístrato, por volta de 530 aC, retratava a batalha dos deuses com gigantes e era nitidamente diferente da decoração escultórica do antigo templo. Nele, o entalhe do avião foi finalmente substituído por uma imagem plástica tridimensional das figuras dos personagens. A atenção principal do mestre foi dada à expressividade dos movimentos dos corpos em luta. O contraste entre o caráter ornamental da escultura ática anterior e as características concretas vitais dessas novas obras escultóricas da Ática assumiu uma expressão vívida aqui.
Entre os fragmentos das esculturas do frontão do segundo Hecatompedon, o grupo que representa Atena mergulhando o gigante Encélado no chão é especialmente vital. O desdobramento de figuras em um plano, um tanto artificial e deliberado, bem como a interpretação ornamental do cabelo de Atena, lembra-nos que esta escultura ainda não rompe o quadro da arte arcaica. Mas na pessoa de Atena já existe uma proporção e espiritualidade tão claras, que a arte grega não conhecia antes.
A cabeça de Atena do frontão do segundo Hecatompedon do grupo que representa a luta de Atena com o gigante. Mármore. Segunda metade do século VI BC e. Atenas. Museu da Acrópole.
Moschophor (um homem carregando um bezerro) da Acrópole de Atenas. Mármore. Por volta de 570 aC e. Atenas. Museu da Acrópole.
Uma das maiores realizações da arte arcaica de Atenas no final do século VI. BC. foram encontradas na Acrópole belas estátuas de meninas (kor) em roupas elegantes. Essas estátuas foram criadas não apenas pelos artistas de Atenas, mas também por escultores jônicos visitantes que se juntaram ao trabalho geral de decoração da cidade crescida e rica. Entre eles, "A Garota das Cinzas" e estátua famosa meninas, geralmente chamadas simplesmente de "Latido da Acrópole".
A menina em peplos. Fragmento. Mármore. biênio 540-530 BC e. Atenas. Museu da Acrópole.
Casca da Acrópole em Atenas. Mármore. Final do século VI BC e. Atenas. Museu da Acrópole.
No primeiro deles, o rosto é especialmente bom, animado por um sorriso claro, como se fosse um pouco de surpresa. A segunda, que conservou bem a sua coloração original, distingue-se pela fidelidade e harmonia das proporções, pela subtileza e graça de um rosto sorridente, mas imóvel. A tradicional frontalidade e rigidez da pose são combinadas aqui com uma representação realista de toda a aparência da garota. Dobras de roupas e fios de cabelo cuidadosamente acabados, como se fluindo e correndo em um ritmo medido e ao mesmo tempo variado, conferem a esta estátua uma estrutura festiva e alegre, incomumente afirmativa da vida. Entre todas as obras escultóricas que chegaram até nós do período arcaico, essas crosta da Acrópole carregam os mais presságios da arte clássica. Ao mesmo tempo, eles meio que resumiam o desenvolvimento da linguagem artística do arcaico. O esquematismo ingênuo da arte da Grécia homérica ficou para trás, mas a liberdade plástica da arte clássica ainda era inatingível. A ideia do valor de uma pessoa foi revelada em grande parte indiretamente - no caráter festivo do todo, na graciosa silhueta da figura cheia de sentimento agudo.
Há também elementos vivos em imagens de relevo em lápides ou estelas áticas que datam do final do século VI e início do século V. BC. Assim, a estela de Aristion dá uma imagem estrita e calma de um cidadão-guerreiro. Aristion é mostrado de perfil, com uma lança na mão. O relevo é muito plano, mas um sentido sutil da proporção de planos e um conhecimento indubitável da estrutura do corpo humano permitiram ao mestre obter uma materialidade e uma imagem volumétrica bastante claras.
Os principais mestres do fim do Arcaico em muitas outras cidades-estados da Grécia geralmente seguiram um caminho próximo às realizações da escola ática e, talvez, às vezes sob a influência direta da arte de Atenas. Tão próximo dos princípios da escola ática foi encontrado na Beócia e executado no final do século VI ou início do século V. BC. Alxenor, escultor com Pe. Naxos, uma lápide representando um homem envolto em um longo manto (himation), de pernas cruzadas e apoiado em um cajado; um cachorro pula a seus pés, tentando atrair a atenção do dono. O sentimento de espiritualidade e expressividade vital do movimento de uma pessoa aproxima essa coisa da arte dos primeiros clássicos. Mas, ao mesmo tempo, algum esquematismo na modelagem da forma e imprecisões na transmissão dos rakkurs, bem como a colisão da nova compreensão realista da composição com a convencionalidade na interpretação da forma, indicam que a linha que separa a arte do arcaico da arte dos clássicos ainda não foi cruzada.
Hermes e Charites. Fragmento de relevo da ilha de Thasos. Mármore. biênio 470-460 BC e. Paris. Louvre.
Até onde foi o desenvolvimento vivo da arte ática do final do século VI? BC. mostra claramente o belo relevo de "Hermes e as Caritas", com todas as suas características arcaicas claramente sentidas, cheias de movimento e sentimento extraordinariamente naturais e verdadeiros.
Sob a influência indiscutível da arte ática, surgiram nas cidades do norte do Peloponeso experimentos de uma interpretação mais viva das estátuas tradicionais do kouros. Mantendo toda a monumental austeridade e frontalidade da estátua e ao mesmo tempo tentando dar-lhe algum movimento, estes mestres do Peloponeso começaram a pôr de lado e dobrar uma perna do kouros, dobrar o braço no cotovelo e usar outras técnicas semelhantes que davam uma figura calmamente de pé alguma animação. Uma ideia dessas buscas é dada por uma estátua de bronze de um jovem feita por volta de 500 aC - o chamado "Apollo de Piombino", reproduzindo uma estátua perdida do escultor Kanach, relativamente ainda muito pouco diferente do tipo antigo de kouros e ao mesmo tempo tocante com sua indubitável veracidade viva. Como na "crosta da Acrópole", estamos aqui à beira da arte clássica.
Arte clássica grega (início do 5º - meados do século 4 aC)
Das primeiras décadas do século V. BC. o período clássico do desenvolvimento da cultura grega e da arte grega começou. Para a Grécia Antiga, este foi o período de maior florescimento do drama, eloquência política, arquitetura, escultura, pintura monumental e pintura de vasos. Altamente perfeita, consistentemente realista e cheia de um profundo senso de beleza, a arte dos clássicos gregos definiu uma nova e mais importante etapa no desenvolvimento de toda a arte mundial.
A arte clássica é a arte da cidade-estado grega do período florescente de seu desenvolvimento, associada à vitória da democracia em Atenas e outras cidades-estado gregas. Reformas de Clístenes no final do século VI. BC. aprovou em Atenas a vitória final do demos sobre a aristocracia - os Eupátridas; como resultado dessas reformas, o poder da aristocracia foi quebrado e as bases foram lançadas para o rápido e brilhante desenvolvimento da democracia escravista ateniense.
No início do século V. BC. havia duas cidades-estados mais opostas da Grécia Antiga: Atenas e Esparta. Em Atenas, os princípios da democracia escravista foram mais plenamente expressos, baseados principalmente no florescimento do artesanato e do comércio marítimo. Em uma agricultura, para trás em sua própria maneira desenvolvimento Social Esparta, a cidade militarmente mais forte da Grécia, desenvolveu um sistema político conservador-aristocrático que garantiu a dominação de um grupo unido de guerreiros-proprietários de escravos - Espartatas - sobre a massa de escravos agrícolas desprivilegiados - hilotas.
Ática ( Grécia antiga).
A rivalidade e luta de Atenas e Esparta determinaram os caminhos futuros desenvolvimento histórico Grécia. Mas para a história da arte, Esparta permaneceu completamente estéril, sem nomear um único artista para as fileiras dos mestres que criaram a arte dos clássicos gregos.
No primeiro quartel do século V. BC. A Grécia foi invadida pelas hordas do estado persa. A vitória das milícias das cidades-estados unidas, defendendo sua independência do formidável conquistador, acelerou muito o crescimento da consciência social dos helenos. Foi a vitória de uma democracia livre e consciente sobre o despotismo oriental. Miltíades - o líder dos atenienses e seus aliados na batalha de Maratona (490 aC) - expressou perfeitamente em seu discurso antes da batalha o moral que estava imbuído de cada ateniense, indicando que depende apenas deles “ou colocar em Atenas o jugo da escravidão, ou para fortalecer a liberdade." Vitórias decisivas sobre os persas - no mar em Salamina (480) e em terra, em Plateia (479) - fortaleceram a consciência da força e importância da sociedade grega, contribuíram para o estabelecimento dos princípios básicos de sua visão de mundo e cultura. Ao mesmo tempo, a vitória sobre os persas favoreceu ainda mais o florescimento econômico das pólis, especialmente Atenas.
O centro para o desenvolvimento da cultura helênica clássica foi principalmente a Ática, o norte do Peloponeso, as ilhas do Mar Egeu e, em parte, as colônias gregas na Sicília e no sul da Itália - a chamada Grande Grécia. As cidades da Ásia Menor (Mileto e outras), embora recuperadas da derrota perpetrada pelos persas, não podiam mais desempenhar seu antigo papel de liderança na vida econômica e cultural da Grécia.
Durante as guerras greco-persas, começou o primeiro período de desenvolvimento da arte clássica - os primeiros clássicos, que duraram cerca de quatro décadas (490 - 450 aC). Os artistas da época encontraram novos meios artísticos para criar arte monumental que incorporava em suas imagens os ideais éticos e estéticos da democracia escravista vitoriosa. A imagem de uma pessoa em toda a riqueza e liberdade de suas ações, a busca por imagens típicas generalizadas, a construção de uma composição de grupo realista, uma nova compreensão da síntese de escultura e arquitetura, um apelo decisivo a cenas da vida cotidiana real (especialmente na pintura de vasos) tornaram-se as características mais importantes e principais desse período no desenvolvimento da arte grega clássica. No segundo quartel do século V. BC. (ou seja, em 475 - 450 aC) as tradições arcaicas que impediram o desenvolvimento da arte realista (na escultura e na pintura) foram finalmente superadas, e os princípios dos clássicos receberam sua expressão completa nas criações de mestres como os autores desconhecidos dos frontões olímpicos e especialmente o famoso escultor ateniense Myron. Miron, o mais antigo entre os grandes mestres dos clássicos, completou o período de buscas criativas dos primeiros clássicos, preparando a arte grega para uma ascensão ainda maior nos anos seguintes - para os clássicos maduros, ou altos.
A época do maior florescimento da arte grega antiga - na "era de Péricles" - durou aproximadamente as mesmas quatro décadas - de 450 a 410 aC. As criações artísticas do período dos altos clássicos distinguiam-se pela majestade heróica, monumentalidade e harmonia das imagens humanas e ao mesmo tempo pela facilidade de vida, naturalidade e simplicidade. Durante esses anos, trabalharam os grandes mestres da arte grega, os escultores Phidias e Polycletus, os arquitetos Iktinus e Kallikrates. As obras desta época no campo da arquitetura, escultura, pintura de vasos e pintura monumental são excelentes exemplos do encanto artístico que a arte pode alcançar, inspirada na fé na perfeição humana, encarnando as aspirações sociais avançadas da sua época e fiel aos princípios de realismo.
No final do século V. BC. o crescente uso do trabalho escravo começou a afetar negativamente a prosperidade do trabalho livre, causando o empobrecimento gradual dos cidadãos livres comuns. A divisão da Grécia em cidades independentes e concorrentes começou a dificultar o desenvolvimento da sociedade escravista. As longas e difíceis guerras do Peloponeso (431 - 404 aC) entre as duas alianças de cidades, encabeçadas por Atenas e Esparta, aceleraram a crise econômica e política das políticas. Arte clássica no final do século V - início do século IV. BC. entrou em seu último, terceiro, estágio de desenvolvimento.
Durante esse período dos clássicos tardios, a arte se desenvolveu no contexto da crise da pólis escrava grega. Perdeu até certo ponto seu caráter heróico, cívico, a clara harmonia de suas imagens monumentais. Ao mesmo tempo, na arte dos grandes mestres dos clássicos tardios, novas tarefas foram desenvolvidas para revelar nas imagens da arte o mundo dos sentimentos internos do homem ou a atividade humana tempestuosa e inquieta. Sua arte tornou-se mais dramática e lírica, mais profunda psicologicamente.
conquista macedônia na segunda metade do século 4 BC. pôr fim à existência independente das cidades-estados gregas. Não destruiu as tradições dos clássicos gregos, mas em geral, desde aquela época, o desenvolvimento da arte seguiu outros caminhos.
Arte Clássica Antiga (A chamada "calma estrita" 490 - 450 aC)
A era heróica das guerras greco-persas e os anos imediatamente seguintes foram o momento do rápido crescimento das políticas escravistas. Na luta contra os persas, eles provaram sua vitalidade e força, e depois disso entraram na época de seu maior poder. Começou um período de construção generalizada de estruturas arquitetônicas públicas, a criação de esculturas e afrescos monumentais, que afirmavam a força e o significado das cidades-estado gregas, a dignidade, a grandeza e a beleza do homem. Um ponto de virada decisivo no desenvolvimento da arte ocorreu.
Por algum tempo, as características da convenção arcaica se fizeram sentir na pintura de vasos e especialmente na escultura. Mas estes eram agora apenas vestígios de uma tradição arcaica que estava rapidamente recuando para o passado. Toda a arte grega durante o primeiro terço do século V. BC. estava imbuído de uma intensa busca por métodos de representação realista de uma pessoa, antes de tudo, uma transferência verdadeira de movimento, bem como a criação de uma composição natural de grupo livre dos princípios da simetria decorativa. O realismo prevaleceu na pintura de vasos, e depois na escultura e na pintura monumental. A gama de tópicos e enredos se expandiu drasticamente. A síntese da escultura e da arquitetura passou a ser entendida como uma comunidade livre e complementaridade de artes iguais e valorizadas.
A natureza monumental e social da arquitetura dos clássicos gregos, sua estreita ligação com a vida de um coletivo de cidadãos livres, com os cultos estatais dos deuses que personificavam a unidade da polis, encontraram sua expressão vívida e forte já na período dos primeiros clássicos.
O papel principal neste momento foi desempenhado pela ordem dórica. Características avançadas arquitetura grega do período anterior, arcaico, agora receberam amplo e livre desenvolvimento. A profunda correspondência de toda a estrutura figurativa da ordem dórica ao espírito de heroísmo civil do século V. BC. especialmente ajudou a revelar todas as possibilidades artísticas inerentes a ela.
O peripter tornou-se o tipo de construção dominante na arquitetura monumental grega. O tipo clássico de peripter e todo o sistema de suas proporções foram desenvolvidos precisamente durante esses anos.
Em termos de suas proporções, os templos tornaram-se menos alongados, mais sólidos, neles foi superada a desproporção e a ponderação das proporções arquitetônicas arcaicas. Nos grandes templos, o interior - o naos - era geralmente dividido por duas fileiras longitudinais de colunas em três partes. Nos pequenos templos, os arquitetos dispensavam as colunas internas que sustentavam o teto dos naos. Desapareceu o uso de colunatas com número ímpar de colunas nas fachadas frontais, que dificultavam a localização da entrada do templo no centro da fachada. A proporção usual do número de colunas das fachadas frontal e lateral passou a ser de 6 para 13 ou 8 para 17; o número de colunas laterais era igual ao dobro do número de colunas da fachada frontal mais uma coluna.
Plano do Templo de Poseidon em Paestum.
Nas profundezas da parte central do naos, emoldurada por colunatas internas, em frente à entrada, havia uma estátua de uma divindade. O layout do templo recebeu uma harmonia logicamente clara e uma solenidade monumental. Um sistema rigorosamente pensado de disposição e correlação de todos os elementos estruturais do templo levou à criação de uma imagem de um imponente, claro e simples.
Os arquitetos dos primeiros clássicos sentiram sutilmente a conexão do sistema de proporções das formas arquitetônicas com a escala absoluta do edifício e com suas dimensões em relação a uma pessoa e à paisagem circundante. O desenvolvimento de um sistema permanente de partes da ordem e sua forma ocorreu simultaneamente com uma construção cada vez mais livre e variada de suas proporções proporcionais. Pequenas mudanças nas proporções causaram mudanças correspondentes no equilíbrio das peças transportadas e do rolamento. Modificando as proporções de todas as partes do edifício, os Arquitetos também modificaram todo o caráter de sua expressividade figurativa. Portanto, cada templo do período clássico combinou os princípios da solução canônica elaborada por séculos de experiência com os momentos peculiares a esse templo em particular. Isto deu-lhe originalidade individual e fez dele uma obra de arte única, conseguindo também resolver o problema de correlacionar o templo com ambiente e seu próprio caráter era determinado, ora poderoso e majestoso, ora leve e gracioso.
Essa característica da arquitetura grega é característica de toda a estrutura da antiga consciência artística grega. Assim, por exemplo, a tragédia grega também se desenvolveu nas formas tradicionais e estritas dos cânones teatrais. Ao mesmo tempo, para o mesmo dramaturgo, por exemplo Ésquilo ou Sófocles, em cada drama, de acordo com a natureza do conflito representado e com a estrutura figurativa desse drama, a proporção do prólogo, epílogo, partes corais, o construção do discurso poético dos personagens principais, etc., mudou significativamente.
Um monumento construído por volta de 490 aC foi um monumento de transição do final do arcaico para os primeiros clássicos. o templo de Athena Afaya na ilha de Egina. Suas dimensões são pequenas. A proporção das colunas é de 6 para 12. As colunas são delgadas em proporção, mas o entablamento ainda é proibitivamente pesado. O templo foi construído em pedra calcária e coberto com gesso pintado. Os frontões foram decorados com grupos escultóricos feitos de mármore (agora localizados na Glyptotek de Munique). A localização do templo no topo de uma alta encosta costeira mostra claramente como os arquitetos gregos sabiam como conectar a arquitetura dórica estrita com o espaço natural circundante.
O templo “E” em Selinunte (Sicília) também teve um caráter transitório. Diferia do templo na ilha de Egina em seu alongamento excessivo de proporções (a proporção de colunas é de 6 para 15). Suas colunas são atarracadas e muitas vezes espaçadas; o entablamento é muito alto, sua altura é quase a metade da altura da coluna. Em geral, com seu poder pesado, lembra os templos do século VI. BC, apesar do tratamento de detalhes, a divisão das formas já se distingue pela maior clareza e rigor de execução.
As características típicas da arquitetura clássica inicial foram mais plenamente incorporadas no templo de Poseidon em Paestum (Grande Grécia) e no templo de Zeus em Olímpia (Peloponeso).
Templo de Poseidon em Paestum ( Sul da Italia). Segundo quartel do século V BC e.
Templo de Poseidon em Paestum. Visão interna.
Templo de Poseidon em Paestum, construído no segundo quartel do século V. BC, bem conservado. Cheio de grandeza austera, poderoso e um tanto pesado, ergue-se sobre uma base de três níveis. O estilobato baixo, passos baixos mas largos enfatizam a impressão de força calma e equilibrada. As colunas (proporção de 6 a 14; veja o desenho com a planta do Templo de Poseidon em Paestum) são comparativamente maciças; entasis forte cria uma sensação de tensão elástica da coluna, como se levantasse o teto com esforço. Toda a colunata destaca-se no fundo de um espaço sombreado; sombras horizontais profundas de ábacos bem salientes caem sobre as colunas, enfatizando a linha de colisão entre o rolamento e as peças transportadas. Todos os principais elementos da composição arquitetônica são expressos com nitidez, os detalhes arquitetônicos apenas revelam as relações básicas do sistema arquitetônico, e isso também aumenta a impressão de poder concentrado.
O templo foi projetado para ser percebido de diferentes distâncias. De longe, o templo com suas colunas relativamente baixas parece um pouco menor do que na realidade, e ao mesmo tempo muito compacto e austero na forma. De perto, as dimensões das colunas, grandes em comparação com uma pessoa, tornam-se claras e as dimensões gerais do templo são palpáveis; detalhes (incluindo flautas mais frequentes do que o habitual), tornando-se bem visíveis, despoletam as enormes proporções e tamanho do edifício. O contraste de impressões de pontos de vista distantes e próximos contribui para o crescimento de uma sensação de poder e grandeza de toda a estrutura à medida que se aproxima. Essa técnica de justaposição de múltiplos pontos de vista é extremamente característica dos princípios da arquitetura dos clássicos. O arquiteto grego da era clássica sempre se empenhou em criar uma imagem arquitetônica focada na percepção humana, levando em consideração e organizando o caminho do movimento do espectador.
Templo de Zeus em Olímpia, construído entre 468 e 456 BC. arquiteto Libon, tinha o significado de um santuário helênico geral e era o maior templo de toda a Poloponesa. O templo está quase completamente destruído, mas com base em escavações e descrições dos antigos autores de sua Forma geral pode ser reconstruído com bastante precisão.
Era um peripter dórico clássico (a proporção das colunas é de 6 para 13), construído em calcário duro (rocha de concha), o que permitia obter precisão e pureza quase marteladas das peças. As proporções do templo foram distinguidas pela severidade e clareza. Sua severidade foi suavizada por seu caráter festivo. O templo foi decorado com grandes grupos escultóricos nos frontões. As métopas do friso externo, como na maioria dos templos dos primeiros clássicos, eram desprovidas de decorações escultóricas. 3а com uma colunata externa sobre os pórticos do pronau e do opistódomo, composições escultóricas foram colocadas nas métopas do friso triglifo, seis em cada friso. As tramas desses relevos estavam intimamente relacionadas ao propósito público do templo, que era o centro de uma vasta conjunto arquitetônico Olympia - o centro sagrado dos esportes totalmente helênicos. Nos frontões foram retratadas a lendária competição de carruagens de Pelops e Oenomai e a batalha dos gregos (lápitas) com os centauros, nas métopas - as façanhas de Hércules. Dentro do templo de meados do século V. BC. abrigava uma estátua de Zeus feita de ouro e marfim por Fídias.
Assim, no templo de Zeus em Olímpia, a síntese de arquitetura e escultura característica da Grécia clássica já encontrou sua corporificação, que será discutida em detalhes mais adiante, ao descrever o Partenon, e os princípios dos clássicos arquitetônicos foram finalmente aprovados.
Uma parte muito importante da arte grega durante o período clássico foi a pintura de vasos, na qual o realismo dos clássicos foi expressado vividamente.
O apogeu da cidade-estado foi também o apogeu das artes e ofícios de vários tipos de artes aplicadas e decorativas. O lugar de destaque entre eles continuou a ser mantido por cerâmicas decoradas com pinturas altamente artísticas.
A pintura de vasos estava imbuída das tradições da arte popular, com seu senso de valor artístico de tudo criado pelo trabalho criativo do homem. Embora os melhores vasos feitos pelos maiores e mais importantes artistas, na sua maioria, fossem destinados a oferendas de culto ou servidos para decorar festas festivas, foi a ligação viva e constante com a arte popular dos oleiros e mestres desenhistas que determinou a sua alta qualidade artística. perfeição.
No período dos primeiros clássicos, as tendências realistas dos pintores de vasos avançados do arcaico tardio desenvolveram-se rápida e profundamente, tornando-se dominantes nos anos das guerras greco-persas. A técnica de figuras vermelhas neste momento suplantou completamente a técnica de figuras negras. Tornou possível retratar realisticamente o volume e o movimento, construir qualquer rakkurs, modelar naturalmente e livremente o corpo humano.
A visão de mundo artística dos clássicos, baseada em um profundo interesse pela vida circundante e por uma pessoa real, rapidamente expandiu o leque de possibilidades de uma imagem realista contida na técnica da figura vermelha. Em vez da silhueta plana da pintura de vasos de figuras negras, os artistas começaram a construir corpos tridimensionais, tomados nas mais diversas e animadas curvas e rakkurs. Esta transferência de movimento livre e convincente, longe do jogo convencional de manchas pretas e linhas riscadas em laca preta, foi complementada pela maior naturalidade da cor avermelhada do barro, que agora era usada para representar figuras humanas, pois estava incomparavelmente mais próxima à ideia de um corpo nu bronzeado do que a cor do verniz preto brilhante. As linhas pretas do desenho sobre o fundo claro de argila agora transmitiam os músculos e detalhes do corpo, possibilitando reproduzir de forma realista a estrutura do corpo humano e seu movimento. Isso deu um poderoso impulso ao desenvolvimento da arte do desenho.
Os mestres da pintura de vasos com figuras vermelhas buscaram não apenas retratar concretamente o corpo e o movimento de uma pessoa - eles chegaram a uma compreensão nova e realista da composição, pintando constantemente cenas complexas de conteúdo mitológico e cotidiano. Em alguns aspectos, o desenvolvimento da pintura de vasos superou o desenvolvimento da escultura. Existem muitas descobertas realistas na pintura de vasos, semelhantes às descobertas da escultura no segundo quartel do século V. BC, apareceu já em últimos anos 6C. e nas primeiras décadas do século V. AC, ou seja, no período após as reformas de Clístenes e durante os anos de guerra.
A composição da pintura de vasos dos primeiros clássicos tornou-se cada vez mais completa e holística, sendo naturalmente limitada pela superfície interna de uma tigela plana ou pela superfície lateral entre as alças do vaso. Dentro dos limites da superfície do vaso destinada à composição, os pintores de vasos com excepcional liberdade e observação transmitiram as mais diversas cenas da vida cotidiana, assim como os eventos heróicos dos mitos e épicos homéricos. Tradicionais enredos míticos foram reinterpretados, saturados de novos motivos colhidos da vida.
Os mestres mais proeminentes da pintura de vasos dessa época foram Eufrônio, Duris e Brig, que trabalharam em Atenas. Todos eles foram caracterizados pelo desejo de naturalidade da imagem. Mas o grau de novidade, isto é, a libertação da convenção arcaica e a conquista da liberdade realista, não era o mesmo para eles.
O mais antigo desses mestres, Eufrônio (que trabalhou no final do século VI aC; mais tarde tornou-se proprietário de uma oficina onde outros desenhistas trabalhavam), estava mais associado à padronagem e ornamentação arcaica do que a outros.
Eufrônio. Teseu em Anfitrite. Pintura Kilik. Cerca de 500-490 BC e. Paris. Louvre.
Nos vasos pintados por Eufrônio, representando Teseu de Anfitrite ou getters jogando cottab, o desejo de movimentos e rakkurs muito livres e complexos, na ausência de um método de desenho realista ainda desenvolvido, levou à planicidade condicional de alguns detalhes; Elementos puramente decorativos também ocupam muito espaço em Euphronius: padrões de roupas, etc.
Mais tarde, no primeiro quartel do século V. BC. os mestres aprenderam a encontrar tais meios artísticos de representar o movimento, que poderiam, sem destruir a integridade da superfície da embarcação, dar uma sensação de espacialidade tridimensional do desenho, e isso levou à superação final do princípio arcaico da planicidade da imagem. Verdade, pintura de vasos ao longo do século V. BC. Ela operou principalmente com meios gráficos de imagens, sem perseguir suas próprias tarefas pictóricas (por exemplo, a transmissão do claro-escuro). Por algum tempo, apenas elementos de elegância, um contorno linear sofisticado, que, em certa medida, ainda desempenhava um papel puramente decorativo, permaneceram do arcaico. São precisamente esses ecos da arte arcaica que se encontram em algumas das obras de Duris, um dos mais notáveis desenhistas dos primeiros clássicos.
Duris Eoss com o corpo de Memnon. Pintura Kilik. Cerca de 490-480 BC e. Paris. Louvre.
Nos vasos, cujos desenhos foram executados por Duris, pode-se sentir a dependência de suas técnicas artísticas da natureza do enredo; mais elegância e ritmo ornamental nos desenhos sobre temas mitológicos ("Eos com o corpo de Memnon"), mais simplicidade e liberdade fácil nos desenhos sobre temas da vida cotidiana ("Cena escolar"). A facilidade e o virtuosismo da construção do artista de qualquer pose complexa, qualquer gesto real (por exemplo, na imagem de um professor sentado) são marcantes.
Brigue. As consequências da folia. Pintura Kilik. Por volta de 480 aC e. Würzburg. Universidade.
Mais perto do início do segundo quartel do século V. BC. As composições estão se tornando mais numerosas e mais perfeitas, conscientemente estabelecendo a tarefa de uma conexão orgânica de uma imagem natural vital com a forma e a estrutura rítmica do vaso. Os mestres da pintura de vasos começaram a perceber cada vez mais claramente que a beleza arquitetônica das formas do vaso nunca deveria ser destruída pela imagem, que sua estreita conexão deveria servir para o benefício mútuo. Este é um desenho de Bryg (por volta de 480 aC) adornando o fundo de uma tigela de vinho no Museu de Würzburg. Aliás, o próprio tema do último desenho está diretamente relacionado ao propósito da embarcação: uma moça de bom coração sustenta a cabeça inclinada de um jovem que abusou do vinho. O dono da taça, esvaziando-a, teve a oportunidade de contemplar em seu fundo esse lembrete bem-humorado da necessidade de saber a medida de todas as coisas. As duas figuras em pé estão perfeitamente inscritas no fundo redondo da taça e, ao mesmo tempo, distinguem-se por uma construção invulgarmente arrojada e simples de uma forma tridimensional. Um profundo respeito pelo valor e beleza da vida humana real tornou possível para Brig preencher até mesmo um tópico tão prosaico com graça genuína.
Brig foi um bravo pioneiro de novos caminhos, e suas descobertas desempenharam um papel crucial na formação dos princípios realistas dos clássicos. Comparado a Euphronius, Brig deu um grande passo à frente em seu trabalho. Seus desenhos, muito diversos em temas, gêneros e mitológicos, não só se distinguem pela espontaneidade vital e simplicidade natural, mas também resolvem muitos problemas de construção dramática da ação. Seu vaso, dedicado à Guerra de Tróia, distingue-se pelo genuíno pathos da imagem da batalha, que lembrou aos contemporâneos de Brig os eventos das guerras greco-persas.
Brigue. Tomando Tróia. Pintura Kilik. Cerca de 490-480 BC e. Paris. Louvre.
A menor dependência dos pintores de vasos da constrangedora tradição arcaica e sua conexão direta com o ofício artístico levaram ao fato de que o caráter realista da cultura artística dos primeiros clássicos se refletiu na pintura de vasos não apenas mais cedo, mas também em um apelo mais amplo à vida cotidiana do que poderia ter sido na escultura monumental. Pode-se mesmo supor que os mestres da escultura monumental usaram a experiência dos principais mestres da pintura de vasos, que no início do século V. BC. à frente dos escultores justamente no campo da transmissão da ação e do movimento humano.
Muito interessante é a representação da oficina do escultor na tigela de um mestre desconhecido da década de 480, cheia de profunda seriedade e respeito pelo trabalho. É verdade, mostra um ofício artístico que é mais respeitado pelo valor de seus produtos. O trabalho do escultor é descrito com grande detalhe e precisão: artesãos trabalham ao redor do forno para fundir bronze, uma estátua acabada está sendo montada, ferramentas e relevos de bronze são pendurados. Mas o cenário é dado apenas por esses objetos - o artista não retrata as paredes nas quais eles estão pendurados: na pintura de vasos, como na escultura ou na pintura monumental, o ambiente que cercava uma pessoa não interessava ao artista, que mostrava apenas pessoas - suas ações, significado expressivo, a conveniência de seus movimentos e ações. Mesmo as ferramentas com as quais uma pessoa age e os frutos de seu trabalho eram mostrados apenas para entender o significado da ação - as coisas, como a natureza, ocupavam o artista apenas em sua relação com o homem. Isso explica a ausência de paisagem na pintura de vasos gregos - tanto os primeiros quanto os altos clássicos. A atitude do homem em relação à natureza, às suas forças e fenômenos foi transmitida através da imagem do próprio homem, através de sua reação ao fenômeno da natureza.
Pelika com uma andorinha. Final do século VI - início do século V BC e. Leningrado,. Eremitério.
Assim, as letras da próxima primavera são incorporadas no "vaso (pelik) com uma andorinha" de figuras vermelhas (final do século VI - início do século V aC; Ermida do Estado) na imagem de um menino, jovem e adulto que viu o mensageiro da primavera - uma andorinha voadora. Três figuras, diferentes tanto em sua constituição quanto em suas posturas, estão conectadas por uma ação e formam um grupo integral e vivo. O sentimento comum que une essas pessoas olhando para a andorinha se expressa nas inscrições que acompanham cada figura e se articulam em um curto diálogo. O jovem que viu a andorinha pela primeira vez diz: "Olha, engula"; seu interlocutor principal confirma: "Verdade, juro por Hércules"; o menino exclama alegremente, concluindo a conversa: "Aqui está - já é primavera!"
No segundo quartel do século V. BC. A pintura de vasos gregos adquire uma harmonia estrita e clara sem precedentes, mas ao mesmo tempo perde em certa medida aquela nitidez e brilho diretos que distinguiam as obras dos primeiros pintores de vasos da arte clássica - Duris ou Brig. Mas a pintura de vasos desta época, assim como a pintura monumental, é mais conveniente considerar juntamente com a arte da Era de Péricles - a arte dos altos clássicos.
Na parte norte do Peloponeso, na escola Argos-Sikion, a mais significativa das escolas dóricas, a escultura dos clássicos emergentes desenvolveu principalmente a tarefa de criar uma figura humana calmamente em pé. Reelaborando profundamente antigas tradições dóricas à luz de novas tarefas artísticas, o maior mestre da escola Agelad já no início do século V. BC. tentou resolver o problema de reviver uma figura calmamente em pé. Deslocar o centro de gravidade do corpo para uma perna permitiu a Agelada e outros mestres desta escola alcançar a naturalidade livre da postura e do gesto da figura humana. O desenvolvimento consistente pelos mestres Argos-Sikion de um elaborado sistema de proporções, revelando a real beleza de um corpo humano perfeito, também foi de grande importância.
A tendência jônica, no mesmo esforço para dominar a persuasão vital da imagem de uma pessoa, seguiu seu próprio caminho, de acordo com suas antigas tradições. Os mestres jônicos prestaram atenção especial à imagem do corpo humano em movimento.
No entanto, a distinção entre essas duas direções no período clássico não foi significativa. Os mestres progressistas de ambas as direções, embora seguissem caminhos diferentes, tinham um objetivo comum - a criação de uma imagem realista de uma pessoa perfeita. Já no século VI. BC. A escola ática sintetizou os melhores aspectos de ambas as direções: em meados do século V. BC. ele afirmou mais consistentemente os princípios básicos da arte realista avançada associada ao florescimento de Atenas, e adquiriu a importância do principal centro de toda a arte helênica. Principal cidadeÁtica - Atenas - em meados do século V. BC. reuniu e uniu as melhores forças artísticas da Hélade para criar monumentos e estruturas arquitetônicas que elogiassem a dignidade e a beleza do ateniense, e com ele todo o povo grego (ou melhor, cidadãos livres das cidades-estados gregas).
Uma característica importante da escultura grega do período clássico era sua conexão inextricável com a vida social, que se refletia tanto no caráter da imagem quanto em seu lugar na praça da cidade.
A escultura grega do período clássico tinha um caráter público, era propriedade de todo o coletivo de cidadãos livres. É, portanto, natural que o desenvolvimento do papel social e educativo da arte, a revelação de um novo ideal estético nela, se refletisse mais plenamente nas monumentais obras escultóricas associadas à arquitetura ou em praças. Mas, ao mesmo tempo, foi precisamente nessas obras que se refletiu com particular clareza a profunda ruptura de toda a estrutura dos princípios artísticos, que foi acompanhada pela transição do arcaico para o clássico. As novas ideias sociais da democracia vitoriosa entraram em forte colisão com o convencionalismo e a abstração da escultura arcaica.
A natureza contraditória e transitória de algumas obras escultóricas do início do século V. BC. destaca-se claramente nos grupos frontais do templo de Atena Afaia na ilha de Egina (cerca de 490 aC).
As esculturas do frontão do templo Eginsky foram encontradas no início do século XIX. em um estado muito danificado e depois restaurado pelo famoso escultor dinamarquês Thorvaldsen. Uma das variantes mais prováveis de reconstrução da composição do frontão foi proposta pelo cientista russo V. Malmberg. A composição de ambos os frontões foi construída com base na estrita simetria do espelho, o que em certa medida deu aos grupos escultóricos pintados, que apareciam sobre o fundo colorido dos frontões, características de ornamentação.
No frontão ocidental foi retratada a luta dos gregos e troianos pelo corpo de Pátroclo. No centro estava a figura de Atena, imóvel, estritamente frontal, como se desdobrada no plano do frontão, impassivelmente calma e como se estivesse invisivelmente presente no meio da batalha. Sua participação na luta em curso é demonstrada apenas pelo fato de que seu escudo está voltado para fora em direção aos troianos e seus pés estão virados na mesma direção. É apenas a partir dessas dicas simbólicas que se pode adivinhar que Atena atua como a protetora dos helenos. Exceto pela figura de Paris em um capacete alto e curvo e com um arco nas mãos, seria impossível distinguir os gregos de seus inimigos, de modo que as figuras são espelhadas na metade esquerda e direita do frontão.
Mas nas figuras dos guerreiros não há mais frontalidade arcaica, seus movimentos são mais reais, a estrutura anatômica é mais correta do que era usual na arte arcaica. Embora todo o movimento se desenrole estritamente ao longo do plano do frontão, é bastante vital e concreto em cada figura individual. Mas nos rostos dos soldados combatentes e mesmo dos feridos, o mesmo "sorriso arcaico" convencional é dado - um sinal claro de conexão e convenção, pouco compatível com a representação de heróis intensamente combatentes.
Nos frontões eginenses, a inércia ainda arrepiante dos antigos cânones arcaicos se manifestava. A unidade composicional foi alcançada por meios externos, decorativos, o próprio princípio de combinar arquitetura e escultura era aqui, em essência, ainda arcaico.
Hércules do frontão oriental do templo de Atena-Afaya na ilha de Egina. Mármore. biênio 490-480 BC e. Munique. Glyptotek.
É verdade que já no frontão oriental do templo Aeginsky (preservado muito pior que o ocidental), foi dado um passo indubitável em frente. A comparação das figuras de Hércules do frontão oriental e de Paris do frontão ocidental mostra claramente a grande liberdade e veracidade na representação de uma pessoa pelo mestre do frontão oriental. Os movimentos das figuras aqui são menos subordinados ao plano do fundo arquitetônico, mais naturais e livres. A comparação das estátuas de soldados feridos em ambas as empenas é especialmente instrutiva. O mestre do frontão oriental já viu a discrepância entre o "sorriso arcaico" e o estado do guerreiro.
Frontão ocidental do templo de Athena Aphaia. Reconstrução.
Um guerreiro ferido do frontão oriental do templo de Athena-Afaya na ilha de Egina. Mármore. Cerca de 490-480 BC e. Munique. Glyptotek.
O motivo do movimento do soldado ferido foi recriado em estrita conformidade com a verdade da vida. Até certo ponto, o escultor dominou aqui não apenas a transmissão sinais externos movimentos, mas também retratando o estado interior de uma pessoa através deste movimento: as forças vitais saem lentamente do corpo atlético de um guerreiro ferido, o braço com a espada, sobre o qual o guerreiro reclinado repousa, se dobra lentamente, as pernas deslizam pelo chão , não dando suporte mais confiável ao corpo, o torso poderoso gradualmente cai cada vez mais baixo. O ritmo do corpo inclinado é enfatizado em contraste por um escudo colocado verticalmente.
Dominar a riqueza complexa e contraditória dos movimentos do corpo humano, que transmitem diretamente não apenas o estado físico, mas também o mental de uma pessoa, é uma das tarefas mais importantes da escultura clássica. A estátua de um soldado ferido do frontão leste do templo Eginsky foi uma das primeiras tentativas de resolver esse problema.
Para a destruição das convenções de algema da arte arcaica, foi de extrema importância o aparecimento de esculturas dedicadas a eventos históricos específicos, que encarnavam claramente os ideais sociais e morais da democracia escravista vitoriosa. Com seu número relativamente pequeno, eles eram um sinal particularmente marcante do crescimento do conteúdo social, educacional e cívico da arte, sua orientação realista.
O tema mitológico e o enredo continuaram a dominar na arte grega, mas o lado cult e fantasticamente fabuloso do mito passou para os segundos alanos, quase desaparecido. O lado ético do mito veio agora à tona, a revelação em imagens mitológicas da força e beleza do ideal ético e estético da sociedade grega moderna, a corporificação figurativa das tarefas ideológicas que o excitam. Um repensar realista das imagens mitológicas, que levou à reflexão de ideias modernas nelas, foi realizado por artistas gregos do período clássico, bem como pelos grandes trágicos gregos do século V. BC. - Ésquilo e Sófocles.
Nessas condições, o surgimento de obras de arte individuais abordando diretamente os fatos História real, embora às vezes assumindo uma conotação mitológica, era profundamente lógico. Assim, Ésquilo criou a tragédia "Persas", dedicada à heróica luta dos gregos pela liberdade.
Os escultores Critias e Nesiot criaram no início dos anos 470 aC. um grupo de bronze de Tiranicidas - Harmodius e Aristogiton, - em vez da escultura arcaica levada pelos persas, representando os mesmos heróis. Para os gregos do século V. BC. imagens de Harmodius e Aristogeiton, que mataram em 514 aC. o tirano ateniense Hiparco, e ao mesmo tempo as vítimas, foram um exemplo de valor altruísta de cidadãos, prontos a dar a vida para proteger as liberdades civis e as leis de sua cidade natal ( De fato, Harmodius e Aristogeiton foram guiados pelos interesses não do partido democrático, mas do aristocrático de Atenas no século VI. aC, mas neste caso é importante para nós como os atenienses do século V imaginavam seu papel social. BC.). A composição do grupo que não sobreviveu até hoje pode ser restaurada a partir de antigas cópias romanas de mármore.
Em "Harmodia e Aristogiton", pela primeira vez na história da escultura monumental, a tarefa era construir um grupo escultórico, unido por uma única ação, um único enredo. De fato, por exemplo, a escultura arcaica "Cléobis e Biton" de Polimedes de Argos pode ser considerada apenas condicionalmente como um único grupo - na verdade, são apenas duas estátuas do kouros que ficaram lado a lado, onde a relação dos heróis não foi retratado. Harmodius e Aristogiton estão unidos por uma ação comum - eles atacam o inimigo. O movimento das figuras, feito separadamente e em ângulo entre si, converge para um ponto em que se encontra um adversário imaginário. A direção uniforme do movimento e dos gestos das figuras (em particular, a mão trazida para o golpe por Harmodius) cria a impressão necessária da integridade artística do grupo, sua compositividade e completude de enredo, embora deva ser enfatizado que esse movimento é interpretado em geral ainda muito esquematicamente. Os rostos dos heróis também foram privados de expressão.
De acordo com as informações que chegaram até nós em fontes gregas antigas, os principais mestres que determinaram a virada decisiva da escultura nos anos 70 e 60. 5c. BC. ao realismo, foram Agelad, Pitágoras da Régia, Kalamides. Até certo ponto, uma ideia de seu trabalho pode ser extraída de cópias romanas de estátuas gregas dessa época e, mais importante, de várias estátuas gregas originais sobreviventes do segundo quartel do século V. BC, feito por mestres desconhecidos. O quadro geral do desenvolvimento da escultura grega até meados do século V. BC. pode ser imaginado com suficiente clareza.
Corredor. Estatueta de bronze de Olympia. Primeiro quartel do século V BC e. Tübingen. Universidade.
O conceito de arte grega dos anos 70 - 60. 5c. BC. também dão pequenas estatuetas de bronze que sobreviveram ao nosso tempo. Seu significado é especialmente grande porque os originais gregos de bronze, com raras exceções, foram perdidos e devem ser julgados longe das cópias romanas de mármore precisas e secas. Enquanto isso, era para o século V. BC. o uso generalizado do bronze como material para esculturas monumentais é característico.
Um dos inovadores mais consistentes do período inicial dos primeiros clássicos foi, aparentemente, Pitágoras de Régia. O principal objetivo de seu trabalho era uma representação realista de uma pessoa em movimento de vida natural. Assim, de acordo com a descrição dos antigos, sua estátua "Filoctetes Ferido" é conhecida, o que surpreendeu seus contemporâneos com uma transmissão verídica dos movimentos humanos. A estátua de "Jacinto" ou (como era chamado antes) "Eros Soranzo" (Ermida do Estado, cópia romana) é atribuída a Pitágoras de Regia. O mestre retratou o jovem no momento em que assistia ao vôo do disco lançado por Apolo; ele levantou a cabeça, o peso de seu corpo mudou para uma perna. A representação de uma pessoa em um movimento holístico e unificado é a principal tarefa artística do artista, que rejeitou resolutamente os princípios arcaicos de uma estátua estritamente frontal e imóvel, desenvolveu consistente e profundamente as características do realismo acumuladas na arte dos últimos arcaico. Ao mesmo tempo, os movimentos do "Jacinto" ainda são um tanto agudos e angulares; algumas características estilísticas, por exemplo, no tratamento do cabelo, estão diretamente relacionadas às tradições arcaicas. Nesta estátua, novas tarefas artísticas são definidas com ousadia e nitidez, mas ainda não foi totalmente criado um sistema harmonioso e consistente de uma nova linguagem artística correspondente a essas tarefas.
A vitalidade realista, a fusão indissolúvel dos princípios filosóficos e estéticos na imagem artística, a tipificação heróica da imagem de uma pessoa real - essas são as principais características da arte emergente dos clássicos. O significado social e educacional da arte dos primeiros clássicos foi inseparável e naturalmente fundido com seu encanto artístico, foi desprovido de qualquer elemento de moralização deliberada. Uma nova compreensão das tarefas da arte se refletiu em uma nova compreensão da imagem de uma pessoa, em um novo critério de beleza.
Cocheiro Delfos. Bronze. Por volta de 470 aC e. Delfos. Museu.
O nascimento de um novo ideal estético é especialmente revelado na imagem do "cocheiro délfico" (segundo quartel do século V aC). O Cocheiro Delfos é uma das poucas estátuas de bronze gregas antigas autênticas que chegaram até nós. Fazia parte de um grande grupo escultórico que não chegou até nós, criado por um mestre do Peloponeso próximo a Pitágoras da Régia. Simplicidade severa, grandeza calma do espírito são derramadas em toda a figura do cocheiro, vestido com roupas compridas e de pé em uma pose estritamente imóvel e ao mesmo tempo natural e animada. O realismo desta estátua reside principalmente no sentido do significado e da beleza de uma pessoa, que permeia toda a figura. A imagem do vencedor do concurso é dada de forma generalizada e simples, e embora os detalhes individuais sejam feitos com muito cuidado, eles estão subordinados à estrutura geral estrita e clara da estátua. O Cocheiro de Delfos expressou de forma bastante definida o conceito clássico de escultura como uma representação harmoniosa e vitalmente convincente das características típicas de um homem perfeito, mostrada como todo heleno nascido livre deveria ser.
A mesma tipificação realista da imagem humana foi completamente transferida pelos mestres dos primeiros clássicos para as imagens dos deuses. "Apolo de Pompéia", que é uma réplica romana de uma estátua grega (Norte do Peloponeso) do segundo quartel do século V. BC, difere do arcaico "Apollo" não apenas na modelagem incomparavelmente mais realista das formas do corpo, mas também em um princípio completamente diferente da solução composicional da figura. Todo o peso do corpo é transferido aqui para uma perna esquerda, a perna direita é levemente empurrada para o lado e para a frente, os ombros são levemente virados em relação aos quadris, a cabeça é levemente inclinada para um lado; as mãos de um belo jovem, como o deus do sol e da poesia é retratado aqui, são dadas em um movimento livre e irrestrito. À primeira vista, essas mudanças aparentemente menores durante esse período de acumulação de
Enquanto Mykonos está trovejando com suas festas ociosas, seu vizinho é um pequeno ilha de Delos difere em silêncio e tranquilidade.
Negócios com, em algumas fontes - Delos, é considerada o berço dos deuses olímpicos Apolo e Ártemis e, portanto, nos tempos antigos, esta ilha era reverenciada em pé de igualdade com o Olimpo ou Delfos. Além disso, nos tempos antigos, Delos era cultural, econômico e Shopping gregos antigos.
Quanto à moderna ilha de Delos, está praticamente vazia - seus únicos habitantes são historiadores, arqueólogos e turistas, e mesmo assim, por um tempo: é estritamente proibido pernoitar na ilha. Na verdade, a ilha há muito se transformou em museu a céu aberto.
Mas, apesar da desolação de Delos, a ilha ainda é visitada por muitos barcos e iates - o interesse turístico por esses lugares não só não diminuiu, mas, pelo contrário, aumentou significativamente! As balsas de excursão partem de Mykonos todos os dias (exceto às segundas-feiras), trazendo inúmeros turistas para esta ilha.
Delos é praticamente composta por monumentos arquitetura antiga- você estará convencido disso assim que entrar no porto. Em geral, a ilha está disponível para visualização cidade antiga com as ruínas de templos e altares pagãos, um teatro antigo e um museu.
Há ruínas em frente ao porto Praça Ermaiston, onde foram colocados altares e capelas. Atrás da praça você verá Agora Delos – Praça principal em que está localizado Templo de Apolo adorado pelos ilhéus. Neste santuário foi mantido há muito tempo estátua do deus Apolo e Liga do Tesouro de Dilos, todos os membros dos quais guardavam seu ouro, itens valiosos e outras relíquias aqui.
No lado oposto da Ágora está templo de artemis- outra padroeira da ilha. E se você der a volta, você vai tropeçar Salão da Coluna, Pórtico de Antígona e em Agora Teofrasto, construído no século 2 aC.
Atrás do Pórtico está localizado Museu Arqueológico de Delos, que contém artefatos encontrados durante as escavações na ilha, utensílios domésticos dos antigos gregos e outras exposições.
O maior e bem preservado monumento da ilha é considerado Ágora Italiana- uma praça construída vários séculos depois da principal Ágora de Delos. Há muitos anos, atrás desta praça, havia um belo lago sagrado, que, no entanto, secou com o tempo. E se você se mover da praça para o oeste, verá o famoso Abra caminho para Lviv que costumava ser decorado com nove estátuas enormes esses animais. Infelizmente, apenas cinco estátuas de mármore que datam do século VII sobreviveram até hoje. BC e.
Como dissemos anteriormente, você pode chegar a Delos com uma excursão de outras ilhas, por exemplo, Mykonos. Na estrada, não deixe de levar água, sapatos confortáveis, chapéus e protetor solar - você terá que caminhar muito sob o sol quente. A perspectiva, é claro, não é das mais otimistas, mas, acredite, à noite, tomando um café, você contará com entusiasmo aos seus amigos sobre a bela Delos, que é absolutamente de tirar o fôlego!
Há uma ilha no mar Egeu chamada Delos, que os gregos consideraram um lugar sagrado por muito tempo. Segundo a mitologia grega, Zeus pecou com a deusa Latona e ela ficou grávida de gêmeos dele. Ao saber disso, a legítima esposa de Zeus, Hera, amaldiçoou Latona e ela vagou por toda a Grécia por um longo tempo em busca de abrigo, mas não conseguiu encontrá-lo. Zeus encontrou uma saída para essa situação e providenciou um refúgio para sua amada - uma ilha flutuante presa ao fundo do mar com duas colunas de diamantes. Poseidon ajudou a deusa, mostrando-lhe o caminho e, transformando-se em loba, ela chegou aqui, onde deu à luz seus filhos: Ártemis e Apolo. E já que este não é nada ilha notável deu abrigo a Latona, ela prometeu a ele que belos templos seriam erguidos aqui, e o próprio Delos seria reverenciado.
Embora esta seja uma lenda, mas, no entanto, reflete a verdadeira imagem do que aconteceu neste lugar. Os arqueólogos encontraram aqui as ruínas de muitos monumentos valiosos da arquitetura e da cultura: os templos de Apolo, Dionísio, Tritão, Hera, Artemis. As casas de Dionísio (em homenagem ao mosaico no chão) e os golfinhos, a Ágora de Teofrasto, o Pórtico de Antígona, a Sala das Colunas e a famosa estrada do leão, que está melhor preservada (das nove estátuas de mármore, cinco sobreviveram) .
Agora ninguém vive nesta ilha, e ela mesma é um grande museu ao ar livre.
Uma área de apenas alguns quilômetros quadrados.
A história da ilha consiste em duas partes - mitológica e cronológica.
De acordo com os antigos mitos gregos, Delos é o local de nascimento de dois habitantes do Olimpo, incluindo Apolo, o deus da luz, que personificava o Sol e patrocinava as artes e musas, o filho de Zeus e sua amada Leto.
Leto veio a Delos contra sua vontade, perseguido pela esposa ciumenta de Zeus - o Herói. Não tendo alcançado Leto, Hera ficou furiosa e amaldiçoou-a, proibindo-a de pisar em terra firme (no entendimento dos gregos - o continente). E Delos era então uma ilha flutuante, e foi transportada pelos mares. Ao saber da maldição, Zeus ordenou que o deus do elemento água Poseidon criasse uma ilha para que Leto se refugiasse nela e fosse aliviado do fardo. Com um golpe de tridente, Poseidon elevou a ilha à superfície do mar: daí o seu nome - Delos (invisível). Perto do Lago Sagrado, Leto deu à luz Apolo e Ártemis. Quando Apolo apareceu, toda a ilha de Delos foi inundada por raios de sol. Então nasceu sua irmã gêmea Artemis - a eternamente jovem deusa da caça e da fertilidade, a padroeira de toda a vida na Terra, a deusa da Lua.
Nos tempos antigos, a ilha tinha um nome diferente - Ortigia, as pessoas viviam nela desde o 3º milênio aC. e.
No início do século X. BC e. os jônios chegaram lá. A ilha atraiu pessoas com sua beleza e solidão, e desde o século VII. BC e. tornou-se um local de culto para pessoas unidas na união de ilhas - a anfiktyony Delos, cujo centro era o templo de Apolo, que ficava na encosta do Monte Kinf.
No século VI. BC e. o poder sobre a ilha já pertencia aos atenienses. Eles realizaram um elaborado ritual de purificação sagrada da ilha, transformando-a em um grande santuário. Em 478 aC. e., aproveitando o fato de que o culto da ilha se espalhou para outras ilhas do mar Egeu, os atenienses fazem um movimento político inteligente: eles criam a aliança do mar Delian (ou primeiro ateniense) sob os auspícios dos deuses que guardam o ilha, subjugando a maioria das ilhas gregas ao poder de Atenas e conquistando o domínio do mar...
Em 315 aC. e. a ilha de Delos foi capturada pela Macedônia. Os invasores foram sábios o suficiente para conceder independência parcial à ilha sem esquecer de tributá-la. Foi assim que começou novo período prosperidade e prosperidade.
No século II. BC e. A Grécia Antiga é influenciada por Roma. Após a vitória de Roma sobre os gregos na Batalha de Corinto em 146 aC. e. os romanos tomam posse de Delos. Eles apóiam o culto dos deuses na ilha, e ainda floresce.
O declínio de Delos foi repentino. Em 89 aC. e. a Primeira Guerra de Mitrídates começou entre a República Romana e o Reino Pontino de Mitrídates VI Eupator (132-63 aC). Em 87 aC. e. O comandante pôntico Menófanes capturou Delos, queimou tudo o que queimava, destruiu templos e casas e matou 20 mil habitantes ou os vendeu como escravos. Esta foi uma vingança pelo apoio de Delos a Roma.
Os habitantes da ilha em grupos retornaram às suas cinzas nativas, casas restauradas e locais de culto aos deuses. Foi tudo em vão: em 69 aC. e. Piratas do mar Egeu desembarcaram na ilha e a saquearam completamente. No mesmo século I. BC e. novas rotas comerciais apareceram ao longo do Mar Egeu, e Delos perdeu seu significado. Isso acabou sendo a gota d'água, e a ilha caiu em desolação.
Por vontade dos deuses ou simplesmente como resultado da atividade tectônica, a ilha de Delos ficava bem no centro do mar Egeu, e quem a possuía controlava as principais rotas marítimas do Mediterrâneo Oriental.
As ruínas de numerosos edifícios na ilha de Delos confirmam vivamente o fato de que os antigos gregos não consideravam um sacrilégio combinar o santuário e a bolsa de valores em um único edifício.
Por dois mil anos, a ilha de Delos permaneceu quase desabitada, era visitada apenas por contrabandistas e comerciantes de antiguidades em busca de presas. Foi também utilizada como pedreira, durante muitos séculos exportando pedras dos edifícios de Delos para as ilhas vizinhas.
Somente em 1877, as escavações regulares começaram na ilha, e os arqueólogos franceses descobriram um local do templo cercado por grandes estabelecimentos comerciais e uma área residencial, além de um grande número de inscrições e monumentos de arquitetura e arte. Graças aos esforços desses especialistas, hoje podemos julgar o antigo esplendor da Delos.
O mais impressionante é que a cidade mais rica da época de Delos, com seu grande porto e mercado de escravos, não possuía muralhas de fortaleza: era protegida apenas pela santidade do lugar, até uma geração daqueles que não despertavam admiração sobre este lugar.
O navio, aproximando-se de Delos, encontrava-se num porto que se estendia por quase um quilómetro, com dois faróis, uma "vieira" de quebra-mares e um longo quebra-mar.
Apenas ao redor do santuário de Apolo havia um muro, e mesmo assim não era alto. Uma estrada larga com colunatas alinhadas em ambos os lados ia do porto até ela. Mas eram inferiores em tamanho à colunata mais majestosa, voltada para o mar e construída pelo rei macedônio Filipe V (238-179 aC).
O edifício principal no local sagrado é o Templo de Apolo. Ao lado estão mais dois templos menores - o Templo dos Atenienses e o Templo de Calcário. Também ao lado está o santuário e templo de Ártemis: como os arqueólogos descobriram, foi erguido com base em santuários ainda mais antigos. A nordeste do templo, há mais cinco pequenos templos em um arco. Os arqueólogos sugerem que estes são tesouros onde as oferendas aos deuses eram mantidas.
Um edifício muito incomum fica a leste do Templo de Apolo, chamado de "Pórtico dos Touros". Este edifício é mais longo do que todos os outros, quase 70 m. Pode-se apenas adivinhar o seu propósito, mas, provavelmente, serviu para realizar danças rituais: nas tradições dos antigos gregos, muitos artistas foram convidados para isso.
A colunata de duas alas, construída pelo rei macedónio Antigonos Gonatos (319-239 aC), não parece ser menos longa.
No século VI. BC e. os habitantes da ilha de Naxos apresentaram ao santuário uma colossal estátua de mármore de Apolo. Um enorme pedestal deste monumento com uma inscrição dedicatória sobreviveu até hoje, e ao lado dele existem dois grandes fragmentos da própria estátua.
Por outro lado, várias estátuas de leões de mármore de Naxos sobreviveram, provavelmente também um presente dos habitantes de Naxos. Das nove estátuas, seis sobreviveram: cinco foram encontradas durante as escavações e devolvidas aos pedestais, a sexta foi levada para Veneza no século XVII. As estátuas se alinhavam ao norte do santuário, formando o Terraço dos Leões.
No século II. BC e., no auge do comércio, em Delos começou a construir agoras - fazendas comerciais que combinavam um templo, uma bolsa de valores e uma pousada. São edifícios muito grandes e imponentes, a julgar pelas fundações de dois deles.
Uma basílica única com 44 colunas foi erguida entre o santuário e o porto. Também foram encontradas as ruínas dos edifícios obrigatórios para a antiga cidade grega: um estádio, um ginásio (salão de esportes), um anfiteatro.
Mercadores estrangeiros que visitavam regularmente Delos construíram seus templos na ilha: a antiga deusa egípcia Ísis, o santuário dos deuses sírios, Kabirion, dedicado ao culto misterioso dos deuses da Samotrácia.
Delos incluído na lista Património Mundial UNESCO.
informações gerais
Localização: Sul do Mar Egeu.Arquipélago: Cíclades.
Afiliação administrativa: Periferia Sul, Administração Descentralizada das Ilhas Egeias, Grécia.
Fundação de templos: Século VII. BC e.
Idioma: grego.
Composição étnica: gregos.
Religião: Igreja Ortodoxa Grega.
Unidade monetária: euros.
Números
Área: 3,43 km 2.Comprimento: 4,5 km.
Largura: 1,3 km.
População: 14 (2001).
Densidade populacional: 4 pessoas/km 2.
Comprimento das antigas instalações portuárias: 800m.
Santuário de Apolo: comprimento - 30 m, largura - 14 m, número de colunas - 6 × 13.
Bykov pórtico: comprimento - 67 m, largura - 10 m.
Ponto mais alto: 113 m acima do nível do mar m. - a cidade de Kintos (Kinf).
Clima e tempo
Mediterrâneo.Verões quentes e secos, invernos quentes e úmidos.
Temperatura média de janeiro: + 12ºC.
Temperatura média em julho: + 25ºC.
Precipitação média anual: 370 milímetros.
Humidade relativa: 75%.
Economia
Setor de serviços: viagens, transporte, comércio.vistas
Culto
Ruínas do Templo de Hera (final do século 6 - início do século 5 aC), o Templo dos Atenienses (420 aC), o Templo de Apolo (final do século 5 - início do século 3 aC), templos de Zeus Kinthios e Athena Kinthia (século III) aC), a basílica (cerca de 210 aC), o templo de Ártemis (século II aC), o santuário dos deuses sírios e egípcios (século II aC). 150-128 aC).
Arquitetônico
Ruínas da Estrada do Leão (Terraços dos Leões, século VII aC), pórticos dos Naxos (século VII aC), o pedestal da escultura de Apolo (século VI dC), a fonte minóica (século VI aC), a pórtico dos Touros (cerca de 315 aC), o pórtico de Filipe V da Macedônia (cerca de 200 aC), o Salão das Colunas (meados do século III aC). teatro (século III aC), pórticos de Chifres (meados do século III aC), edifícios residenciais (casas do Tridente, Golfinhos, em Kholm, Dionísio e Máscaras, 3º - início do século I aC). AC), a ágora de Teofrasto (Beirute Poseidoniasts, final do século 2 aC) e itálico (século 2 aC), edifícios comerciais e toupeiras (século 2 aC).
De outros
O fundo do Lago Sagrado (seco).
Fatos curiosos
■ O rito de purificação sagrada da ilha foi realizado por ordem do tirano Pisístrato, que governava Atenas. Apoiando o culto da ilha sagrada de Delos, ele proibiu o enterro de qualquer pessoa naquela parte da ilha que é visível do Templo de Apolo. Além disso, ele ordenou transferir os restos mortais de todos os mortos, juntamente com os presentes funerários de Delos para a vizinha ilha de Renia, e enterrá-los em uma vala comum, que os arqueólogos encontraram em nosso tempo. Isso explica o fato de que na ilha de Megalos-Rheumataris, entre Delos e Renia, a deusa do submundo Hécate era adorada.■ A repetida limpeza sagrada da ilha foi realizada pelos atenienses em 426 aC. BC: as autoridades proibiram o parto na ilha sagrada: isso está disponível apenas para os deuses. As mulheres que estavam prestes a dar à luz foram transportadas para a ilha vizinha de Rhenia, onde deram à luz.
■ A maior insatisfação dos aliados de Atenas com a união das ilhas, que mais tarde provocou sua desintegração, foi a transferência do tesouro geral da união pelos atenienses de Delos para Atenas em 454 aC. e.
■ Durante o período do domínio ateniense, Delia era amplamente celebrada - um feriado que era celebrado a cada cinco anos em homenagem a Apolo, Ártemis e Leto. Apoiando o culto de Delos, os atenienses decoravam seu melhor navio todos os anos, carregavam animais de sacrifício e presentes e os enviavam a Delos com a sagrada embaixada-theoria. Na ilha foi recebido por moças que cantavam hinos e dançavam os geranos, retratando a libertação dos jovens e moças atenienses do labirinto cretense por Teseu. Até o retorno do navio, era proibido executar sentenças de morte. É por isso que em 399 aC. e. atrasou a execução de Sócrates.
■ No IV - início do século I. BC e. Delos era o centro mais importante do tráfico de escravos no Mediterrâneo: segundo as crônicas, até 10 mil escravos eram vendidos e comprados em seu mercado durante o dia. Esse acúmulo de escravos levou a revoltas, a maior ocorreu no final do século II. BC e.
■ O Templo de Apolo em Delos serviu não apenas como centro religioso e político, mas também realizou transações financeiras, emprestando dinheiro tanto a clientes individuais quanto a estados inteiros.
■ Os achados mais antigos de Delos foram feitos em 1946, quando foi encontrado um tesouro de objetos feitos de ouro, marfim e bronze. Alguns objetos com relevos de pessoas e animais pertencem à era micênica (1400-1200 aC).
■ Uma piscina de impluvium construída no meio do pátio, para a qual a água da chuva escorria dos telhados, é característica dos edifícios residenciais de Delos. Havia um grande reservatório sob a piscina para armazenar a umidade coletada.
■ O lago sagrado é drenado moradores locais especificamente para evitar uma epidemia, pois a água no lago se deteriorou e tornou-se uma ameaça à vida bebê-la.
■ E hoje a ilha permanece praticamente desabitada, há apenas guardas e zeladores - uma dúzia de pessoas. De acordo com as regras para visitar a ilha, os turistas podem ver Delos apenas durante o dia, é proibido pernoitar.
Segundo a mitologia grega, Apolo nasceu nesta pequena ilha no arquipélago das Cíclades. O Santuário de Apolo atraiu peregrinos de toda a Grécia, e Delos era um próspero porto comercial. A ilha preservou vestígios das sucessivas civilizações do mundo Egeu desde o 3º milénio aC. antes do período cristão primitivo. Os sítios arqueológicos de Delos, variados e muito concentrados, formam a imagem de um grande porto multinacional do Mediterrâneo.
Referência: 530
Ano de inserção: 1990
Critérios: (II) (III) (IV) (VI)
Zona central: 350.6400
Descrição detalhada
Ilha de Delos mantém vestígios de sua existência civilização antiga século III aC. Durante a era paleocristã, a ilha era a sede da Diocese das Cíclades, que governava as ilhas de Mykonos, Syros, Kythnos e Kea. Desde o século VII a.C. até os piratas de Atenodoro saquearem a ilha, Delos foi um dos principais santuários pan-helênicos. As festividades em Delos, realizadas a cada quatro anos em maio, incluíam competições de hinos e equestres, competições de música e dança, apresentações teatrais e festas. Foi um dos Eventos importantes em todo o mundo grego.
Delos é uma ilha muito pequena, estendendo-se apenas 5 km de norte a sul e cerca de 1,3 km de leste a oeste. Foi aqui que nasceu Apolo, filho de Zeus e Leto. Assim como Delfos, Delos era um dos principais santuários de Apolo, o deus titã, aliás um dos principais deuses do panteão grego.
Na ilha, que já foi o local de existência de antigos assentamentos humanos (raros no neolítico e mais numerosos no período micênico), tudo estava associado ao santuário de Apolo, centro da anfictionia jônica. A primazia na anfictionia foi contestada alternadamente pelos povos de Naxos, Paros, bem como pelos atenienses, que obtiveram uma vitória durante o reinado de Pisítrato (cerca de 540-528 aC). Pela primeira vez, eles realizaram um ritual de purificação de um lugar sagrado. Em 454, os tesouros da Confederação de Delos, que substituiu o anfício, foram transportados para Atenas. Uma segunda "limpeza" da ilha foi realizada pelos atenienses em 426, e ao mesmo tempo foi aprovada uma lei proibindo o nascimento ou a morte em Delos. Mulheres grávidas ou doentes terminais foram transportadas para a ilha de Rinia. Esta decisão, tomada por motivos religiosos, foi de fato politicamente motivada. Em 422 aC. na tentativa de consolidar o poder de Atenas sobre a ilha, a maioria dos habitantes de Delos foi deportada. Exceto por curtos períodos de tempo, seu exílio durou até 314, quando Delos recuperou sua independência e novamente se tornou o centro da confederação da ilha, que era controlada pelos Lagids do Egito e mais tarde pelos macedônios. Delos tornou-se um porto cosmopolita muito importante no Mar Mediterrâneo, que floresceu nos séculos II e I aC, quando a população atingiu 25.000.
Em 166 aC. os habitantes de Delos foram novamente forçados a deixar a ilha, agora por ordem do Senado Romano, que decidiu acabar com as atividades comerciais em Rodes criando um porto livre em Delos. Isso marcou um ponto de virada na história, marcando o fim de uma era de prioridades religiosas e políticas e o início de um período de prosperidade econômica que precedeu o desenvolvimento das relações diplomáticas e relações comerciais, refletido nas diretrizes do final do século III aC. em favor dos ricos patronos do santuário. A grande era do desenvolvimento do comércio marítimo terminou apenas em 69 aC, após a pilhagem da ilha pelos piratas de Athenodoros, que pôs fim a uma série de desastres na ilha. Abandonada pelos habitantes no século VI e posteriormente conquistada pelos bizantinos (727), eslavos (769), sarracenos (821), venezianos, hospitalários de São João de Jerusalém, turcos otomanos, Delos se transformou em uma pedreira. As colunas de seus templos queimaram nas fornalhas, e as paredes das casas estavam em ruínas.
Hoje, a paisagem da ilha é representada apenas por ruínas, sistematicamente retiradas do solo desde 1872. Em uma área de potencial trabalho arqueológico de 95 hectares de terra, 25 deles foram escavados. As principais áreas de escavação estão localizadas no nordeste da zona costeira (Santuário de Apolo, Ágora dos mercadores romanos, Ágora dos Delianos); na área do Lago Sagrado (Ágora de Teofrasto, Ágora dos italianos, a famosa estrada Lvov, Casa dos Poseidonistas de Berite); na área do Monte Kinf (Santuário de deuses estrangeiros, Templo de Hera) e na área do teatro, cujas ruínas estavam cobertas de vegetação exuberante.
A ilha de Delos continua a ser um dos locais mais importantes do Mar Egeu, atraindo a atenção dos arqueólogos. Delos teve uma influência significativa no desenvolvimento da arquitetura e das artes monumentais durante o período greco-romano. Sua importância tornou-se ainda mais evidente desde o século XV, pois seus famosos sítios arqueológicos desempenharam um papel importante no desenvolvimento de ideias modernas sobre a arte da Grécia Antiga.
