Cidades mundo antigo geralmente aparecia perto de uma rocha alta, sobre a qual uma cidadela foi erguida para que houvesse um lugar para se esconder caso o inimigo penetrasse na cidade. Essa cidadela foi chamada de acrópole. Da mesma forma, sobre uma rocha que se elevava quase 150 metros acima de Atenas e que durante muito tempo serviu como estrutura defensiva natural, formou-se gradualmente uma cidade alta em forma de fortaleza (acrópole) com diversas estruturas defensivas, públicas e religiosas.
A Acrópole ateniense começou a ser construída no segundo milênio aC. Durante as Guerras Greco-Persas (480-479 aC) foi completamente destruído, mais tarde, sob a liderança do escultor e arquitecto Fídias, iniciou-se o seu restauro e reconstrução.
A Acrópole é um daqueles lugares “sobre os quais todos insistem que são magníficos e únicos. Mas não pergunte por quê. Ninguém pode te responder...” Pode ser medido, até mesmo todas as suas pedras podem ser contadas. Não é grande coisa passar por isso de ponta a ponta - leva apenas alguns minutos. As paredes da Acrópole são íngremes e íngremes. Quatro grandes criações ainda existem nesta colina rochosa. Uma larga estrada em zigue-zague vai do sopé da colina até a única entrada. Este é o Propylaea - um portão monumental com colunas de estilo dórico e uma ampla escadaria. Eles foram construídos pelo arquiteto Mnesicles em 437-432 AC. Mas antes de entrar nesses majestosos portões de mármore, todos involuntariamente viraram para a direita. Ali, no alto pedestal do baluarte que outrora guardava a entrada da acrópole, ergue-se o templo da deusa da vitória Nike Apteros, decorado com colunas jônicas. Esta é a obra do arquitecto Calícrates (segunda metade do século V a.C.). O templo - claro, arejado, extraordinariamente belo - destacava-se pela sua brancura contra o fundo azul do céu. Este frágil edifício, parecendo um elegante brinquedo de mármore, parece sorrir sozinho e faz sorrir afetuosamente os transeuntes.
Os deuses inquietos, ardentes e ativos da Grécia assemelhavam-se aos próprios gregos. É verdade que eram mais altos, podiam voar pelo ar, assumir qualquer forma e transformar-se em animais e plantas. Mas em todos os outros aspectos comportavam-se como pessoas comuns: casavam-se, enganavam-se, discutiam, faziam as pazes, castigavam os filhos...
Templo de Deméter, construtores desconhecidos, século VI. AC. Olímpia
Templo de Nike Apteros, arquiteto Kallikrates, 449-421 AC. Atenas
Propylaea, arquiteto Mnesical, 437-432 AC. Atenas
A deusa da vitória Nike foi retratada como uma bela mulher com grandes asas: a vitória é inconstante e voa de um oponente para outro. Os atenienses a retrataram sem asas para que ela não deixasse a cidade que recentemente havia conquistado uma grande vitória sobre os persas. Privada de asas, a deusa não podia mais voar e teve que permanecer para sempre em Atenas.
O Templo Nika fica em uma saliência rochosa. Está ligeiramente voltado para o Propylaea e desempenha o papel de farol para as procissões que circundam a rocha.
Imediatamente além dos Propileus, Atena, a Guerreira, erguia-se orgulhosamente, cuja lança saudou o viajante de longe e serviu de farol para os marinheiros. A inscrição no pedestal de pedra dizia: “Os atenienses dedicaram-se à vitória sobre os persas”. Isso significava que a estátua foi fundida com armas de bronze retiradas dos persas como resultado de suas vitórias.
O conjunto do templo Erecteion também estava localizado na Acrópole, que (de acordo com o plano de seus criadores) deveria conectar vários santuários localizados em diferentes níveis - a rocha aqui é muito irregular. O pórtico norte do Erecteion conduzia ao santuário de Atenas, onde estava guardada uma estátua de madeira da deusa, supostamente caindo do céu. A porta do santuário dava para um pequeno pátio onde crescia a única oliveira sagrada de toda a Acrópole, que se ergueu quando Atena tocou a rocha com sua espada neste local. Pelo pórtico oriental podia-se entrar no santuário de Poseidon, onde ele, tendo batido na rocha com seu tridente, deixou três sulcos com água borbulhante. Aqui também estava o santuário de Erecteu, reverenciado da mesma forma que Poseidon.
A parte central do templo é uma sala retangular (24,1x13,1 metros). O templo também continha o túmulo e o santuário do primeiro rei lendário da Ática, Cecrops. No lado sul do Erecteion fica o famoso pórtico das cariátides: na borda da parede, seis meninas esculpidas em mármore sustentam o teto. Alguns estudiosos sugerem que o pórtico servia de tribuna para cidadãos respeitáveis ou que os padres aqui se reuniam para cerimônias religiosas. Mas a finalidade exata do pórtico ainda não está clara, porque “pórtico” significa vestíbulo, e neste caso o pórtico não tinha portas e daqui é impossível entrar no templo. As figuras do pórtico das cariátides são essencialmente suportes que substituem um pilar ou coluna, mas também transmitem perfeitamente a leveza e flexibilidade das figuras femininas. Os turcos, que em certa época capturaram Atenas e, devido às suas crenças muçulmanas, não permitiam imagens de humanos, não destruíram, no entanto, estas estátuas. Limitaram-se a cortar apenas o rosto das meninas.
Erecteion, construtores desconhecidos, 421-407 AC. Atenas
Partenon, arquitetos Ictinus, Callicrates, 447-432 AC. Atenas
Em 1803, Lord Elgin, embaixador inglês em Constantinopla e colecionador, usando a permissão do sultão turco, quebrou uma das cariátides do templo e levou-a para a Inglaterra, onde a ofereceu ao Museu Britânico. Interpretando o firman do sultão turco de forma muito ampla, ele também levou consigo muitas das esculturas de Fídias e as vendeu por 35.000 libras esterlinas. Firman afirmou que “ninguém deveria impedi-lo de retirar algumas pedras com inscrições ou figuras da Acrópole”. Elgin encheu 201 caixas com essas “pedras”. Como ele mesmo afirmou, levou apenas as esculturas que já haviam caído ou estavam em perigo de cair, aparentemente para salvá-las da destruição final. Mas Byron também o chamou de ladrão. Mais tarde (durante a restauração do pórtico das cariátides em 1845-1847), o Museu Britânico enviou a Atenas um molde de gesso da estátua levada por Lord Elgin. O molde foi posteriormente substituído por uma cópia mais durável feita de pedra artificial, fabricada na Inglaterra.
No final do século passado, o governo grego exigiu que a Inglaterra devolvesse os seus tesouros, mas recebeu a resposta de que o clima de Londres era mais favorável para eles.
No início do nosso milénio, quando a Grécia foi transferida para Bizâncio durante a divisão do Império Romano, o Erecteion foi transformado num templo cristão. Mais tarde, os cruzados que capturaram Atenas fizeram do templo um palácio ducal e, durante a conquista turca de Atenas em 1458, um harém do comandante da fortaleza foi instalado em Erecteion. Durante a guerra de libertação de 1821-1827, os gregos e os turcos revezaram-se no cerco da Acrópole, bombardeando as suas estruturas, incluindo o Erecteion.
Em 1830 (após a proclamação da independência grega), apenas foram encontradas fundações no local do Erecteion, bem como decorações arquitetônicas espalhadas pelo solo. Os fundos para a restauração deste conjunto de templos (bem como para a restauração de muitas outras estruturas da Acrópole) foram concedidos por Heinrich Schliemann. Seu associado mais próximo, V. Derpfeld, mediu e comparou cuidadosamente os fragmentos antigos: no final da década de 70 do século passado ele já planejava restaurar o Erecteion. Mas esta reconstrução foi submetida a severas críticas e o templo foi desmantelado. O edifício foi reconstruído sob a liderança do famoso cientista grego P. Kavadias em 1906 e finalmente restaurado em 1922.
"Vênus de Milo" Agessander(?), 120 AC. Louvre, Paris
"Laocoonte" Agessandro, Polidoro, Atenodoro, c.40 AC. Grécia, Olímpia
"Hércules de Farnese" ca. 200 a.C. e., Nat. museu, Nápoles
"Amazônia Ferida" Policleto, 440 AC. Nacional museu roma
O Partenon - o templo da deusa Atena - o mais prédio Largo na Acrópole e a mais bela criação arquitetura grega. Não fica no centro da praça, mas um pouco ao lado, para que você possa apreciar imediatamente as fachadas frontal e lateral e compreender a beleza do templo como um todo. Os antigos gregos acreditavam que o templo com a estátua de culto principal no centro representava a casa da divindade. O Partenon é o templo da Virgem Atena (Partenos) e, portanto, em seu centro havia uma estátua crisoelefantina (feita de marfim e placas de ouro sobre uma base de madeira) da deusa.
O Partenon foi erguido em 447-432 AC. arquitetos Ictinus e Callicrates em mármore pentélico. Localizava-se em um terraço de quatro níveis, cujo tamanho de base era de 69,5 x 30,9 metros. O Partenon é cercado em quatro lados por delgadas colunatas; lacunas de céu azul são visíveis entre seus troncos de mármore branco. Totalmente permeado de luz, parece arejado e leve. Não há padrões brilhantes nas colunas brancas, como é encontrado em Templos egípcios. Apenas sulcos longitudinais (flautas) os cobrem de cima para baixo, fazendo com que a têmpora pareça mais alta e ainda mais fina. As colunas devem a sua esbeltez e leveza ao facto de se estreitarem ligeiramente em direcção ao topo. Na parte central do tronco, nada perceptíveis à vista, engrossam e isso os faz parecer elásticos, mais capazes de suportar o peso dos blocos de pedra. Iktin e Callicrates, pensando em cada mínimo detalhe, criaram um edifício que surpreende pela incrível proporcionalidade, extrema simplicidade e pureza de todas as linhas. Situado na plataforma superior da Acrópole, a uma altitude de cerca de 150 metros acima do nível do mar, o Partenon era visível não só de qualquer ponto da cidade, mas também de numerosos navios que navegavam para Atenas. O templo era um perímetro dórico rodeado por uma colunata de 46 colunas.
"Afrodite e Pan" 100 AC, Delfos, Grécia
"Diana, a Caçadora" Leochard, c.340 aC, Louvre, Paris, França
"Hermes em repouso" Lísipo, século IV. AC BC, Museu Nacional, Nápoles
"Hércules lutando contra o leão" Lysippos, c. 330 a.C. Ermida, São Petersburgo
"Atlas Farnese" cerca de 200 aC, Nat. museu, Nápoles
Os mestres mais famosos participaram do desenho escultórico do Partenon. O diretor artístico da construção e decoração do Partenon foi Fídias, um dos maiores escultores de todos os tempos. É responsável pela composição global e desenvolvimento de toda a decoração escultórica, parte da qual ele próprio executou. O lado organizacional da construção foi administrado por Péricles, o maior estadista de Atenas.
Todo o desenho escultórico do Partenon pretendia glorificar a deusa Atena e sua cidade - Atenas. O tema do frontão oriental é o nascimento da amada filha de Zeus. No frontão ocidental, o mestre retratou a cena de uma disputa entre Atenas e Poseidon pelo domínio da Ática. Segundo o mito, Atenas venceu a disputa e deu uma oliveira aos habitantes deste país.
Os deuses da Grécia reuniram-se nos frontões do Partenon: o trovejante Zeus, o poderoso governante dos mares Poseidon, a sábia guerreira Atena, a alada Nike. A decoração escultórica do Partenon era completada por um friso, que representava uma procissão solene durante a festa da Grande Panatenaia. Este friso é considerado um dos pináculos da arte clássica. Apesar de toda a sua unidade composicional, surpreendeu pela sua diversidade. Das mais de 500 figuras de rapazes, idosos, raparigas, a pé e a cavalo, nenhuma repetia a outra; os movimentos de pessoas e animais eram transmitidos com espantoso dinamismo.
As figuras do relevo escultórico grego não são planas, têm o volume e a forma do corpo humano. Eles diferem das estátuas apenas porque não são processados em todos os lados, mas parecem fundir-se com o fundo formado pela superfície plana da pedra. As cores claras animaram o mármore do Partenon. O fundo vermelho enfatizava a brancura das figuras, as estreitas projeções verticais que separavam uma laje do friso da outra destacavam-se claramente em azul e o dourado brilhava intensamente. Atrás das colunas, numa fita de mármore que circundava as quatro fachadas do edifício, estava representada uma procissão festiva. Quase não há deuses aqui, e as pessoas, para sempre impressas na pedra, moviam-se ao longo das duas longas laterais do edifício e uniam-se na fachada oriental, onde se realizava uma cerimónia solene para presentear o sacerdote com uma túnica tecida por raparigas atenienses para o deusa. Cada figura é caracterizada por sua beleza única e juntas refletem com precisão a verdadeira vida e costumes cidade antiga.
Na verdade, uma vez a cada cinco anos, num dos dias quentes de meados do verão, acontecia em Atenas uma celebração nacional em homenagem ao nascimento da deusa Atena. Foi chamada de Grande Panatenaia. Não só os cidadãos participaram Estado ateniense, mas também muitos convidados. A celebração consistia numa procissão solene (bomba), na entrega de uma hecatombe (100 cabeças de gado) e numa refeição comum, competições desportivas, equestres e musicais. O vencedor recebeu uma ânfora especial chamada Panatenaica cheia de óleo e uma coroa feita com folhas da oliveira sagrada que cresce na Acrópole.
O momento mais solene do feriado foi a procissão nacional até a Acrópole. Cavaleiros a cavalo se moviam, estadistas, guerreiros de armadura e jovens atletas caminhavam. Sacerdotes e nobres caminhavam com longas túnicas brancas, arautos elogiavam a deusa em voz alta, músicos enchiam o ar ainda fresco da manhã com sons alegres. Ao longo da estrada panatenaica em zigue-zague, pisoteada por milhares de pessoas, animais sacrificiais escalaram a alta colina da Acrópole. Os meninos e meninas carregavam consigo um modelo do navio sagrado panatenaico com um peplos (véu) preso ao mastro. Uma leve brisa agitava o tecido brilhante do manto amarelo-violeta, que foi levado como presente à deusa Atena pelas nobres moças da cidade. Durante um ano inteiro eles teceram e bordaram. Outras meninas erguiam vasos sagrados para sacrifícios bem acima de suas cabeças. Gradualmente, a procissão aproximou-se do Partenon. A entrada do templo não era feita pelo Propileu, mas pelo outro, como se fosse para que todos pudessem primeiro passear, examinar e apreciar a beleza de todas as partes do belo edifício. Ao contrário das igrejas cristãs, as da Grécia antiga não se destinavam ao culto dentro delas; as pessoas permaneciam fora do templo durante as atividades religiosas. Nas profundezas do templo, cercado em três lados por colunatas de dois níveis, erguia-se orgulhosamente a famosa estátua da Virgem Atena, criada pelo famoso Fídias. Suas roupas, capacete e escudo eram feitos de ouro puro e cintilante, e seu rosto e mãos brilhavam com a brancura do marfim.
Muitos volumes de livros foram escritos sobre o Partenon, entre eles há monografias sobre cada uma de suas esculturas e sobre cada etapa do declínio gradual desde a época em que, após o decreto de Teodósio I, tornou-se um templo cristão. No século XV, os turcos transformaram-na numa mesquita e, no século XVII, num armazém de pólvora. Foi transformado em ruínas finais pela guerra turco-veneziana de 1687, quando um projétil de artilharia o atingiu e em um momento fez o que o tempo demorado não conseguiu fazer em 2.000 anos.
Quando confrontados com a arte grega, muitas mentes notáveis expressaram admiração genuína. Um dos mais famosos pesquisadores da arte da Grécia antiga, Johann Winckelmann (1717-1768) fala sobre a escultura grega: “Os conhecedores e imitadores das obras gregas encontram em suas criações magistrais não apenas a mais bela natureza, mas também mais que natureza, nomeadamente uma certa beleza ideal, que... é criada a partir de imagens esboçadas pela mente." Todo mundo que escreve sobre Arte grega, observe nele uma incrível combinação de espontaneidade ingênua e profundidade, realidade e ficção. Especialmente na escultura, encarna o ideal do homem. Qual é a peculiaridade do ideal? Por que ele encantou tanto as pessoas que o idoso Goethe chorou no Louvre diante da escultura de Afrodite?
Os gregos sempre acreditaram que somente em um corpo bonito uma alma bonita pode viver. Portanto, a harmonia do corpo e a perfeição externa são condição indispensável e base de uma pessoa ideal. O ideal grego é definido pelo termo Kalokagathia(Grego kalos- maravilhoso + agathos Tipo). Visto que kalokagathia inclui a perfeição tanto da constituição física quanto da constituição espiritual e moral, então, ao mesmo tempo, junto com a beleza e a força, o ideal carrega justiça, castidade, coragem e racionalidade. É isso que torna os deuses gregos, esculpidos por escultores antigos, singularmente belos.
Os melhores monumentos antigos escultura grega foram criados no século V. AC. Mas trabalhos anteriores também chegaram até nós. Estátuas dos séculos VII a VI. BC são simétricos: uma metade do corpo é uma imagem espelhada da outra. Postura algemada, braços estendidos pressionados contra o corpo musculoso. Não há a menor inclinação ou giro da cabeça, mas os lábios estão abertos em um sorriso. Um sorriso parece iluminar a escultura por dentro com uma expressão de alegria de viver.
Mais tarde, durante o período do classicismo, as estátuas adquiriram uma maior variedade de formas.
Houve tentativas de conceituar a harmonia algebricamente. O primeiro estudo científico sobre o que é harmonia foi realizado por Pitágoras. A escola que fundou examinou questões de natureza filosófica e matemática, aplicando cálculos matemáticos a todos os aspectos da realidade. Nem a harmonia musical, nem a harmonia do corpo humano ou da estrutura arquitetônica foram exceções. A escola pitagórica considerava o número a base e o início do mundo.
O que a teoria dos números tem a ver com a arte grega? Acontece que é o mais direto, pois a harmonia das esferas do Universo e a harmonia do mundo inteiro são expressas pelas mesmas proporções de números, sendo as principais as proporções 2/1, 3/2 e 4/3 (na música são a oitava, quinta e quarta, respectivamente). Além disso, a harmonia pressupõe a possibilidade de calcular qualquer correlação de partes de cada objeto, inclusive escultura, de acordo com a seguinte proporção: a/b = b/c, onde a é qualquer parte menor do objeto, b é qualquer parte maior, c é o todo. Com base nisso, o grande escultor grego Policleto (século V aC) criou uma escultura de um jovem portador de lança (século V aC), que é chamado de "Doriphoros" ("portador de lança") ou "Cânon" - pelo nome o obras do escultor, onde, discutindo a teoria da arte, considera as leis da representação de uma pessoa perfeita.Acredita-se que o raciocínio do artista pode ser aplicado à sua escultura.
As estátuas de Policleto estão cheias de vida intensa. Polykleitos gostava de retratar atletas em estado de repouso. Pegue o mesmo "Lançador". Este homem de constituição poderosa está cheio de auto-estima. Ele fica imóvel na frente do espectador. Mas esta não é a paz estática das antigas estátuas egípcias. Como um homem que controla seu corpo com habilidade e facilidade, o lanceiro dobrou levemente uma perna e transferiu o peso do corpo para a outra. Parece que vai passar um momento e ele dará um passo à frente, virará a cabeça, orgulhoso de sua beleza e força. Diante de nós está um homem forte, bonito, livre de medo, orgulhoso, reservado - a personificação dos ideais gregos.
Ao contrário de seu contemporâneo Policleto, Myron adorava retratar suas estátuas em movimento. Aqui, por exemplo, está a estátua “Discobolus” (século V aC; Museu Termal, Roma). Seu autor, o grande escultor Miron, retratou um belo jovem no momento em que balançava um pesado disco. Seu corpo, preso em movimento, está curvado e tenso, como uma mola pronta para se desdobrar. Sob a pele elástica do braço puxado para trás, músculos treinados se projetavam. Os dedos dos pés, formando um suporte confiável, cravaram-se profundamente na areia. As estátuas de Myron e Polykleitos foram fundidas em bronze, mas apenas cópias em mármore de antigos originais gregos feitos pelos romanos chegaram até nós.
Os gregos consideravam Fídias o maior escultor de sua época, que decorou o Partenon com esculturas de mármore. Suas esculturas refletem especialmente que os deuses na Grécia nada mais são do que imagens de uma pessoa ideal. A faixa de mármore mais bem preservada do relevo do friso tem 160 m de comprimento e representa uma procissão rumo ao templo da deusa Atena - o Partenon.
A escultura do Partenon foi gravemente danificada. E “Atena Partenos” morreu nos tempos antigos. Ela estava dentro do templo e era incrivelmente linda. A cabeça da deusa com testa baixa e lisa e queixo arredondado, pescoço e braços eram feitos de marfim, e seus cabelos, roupas, escudo e capacete eram cunhados em folhas de ouro. A deusa na forma de uma bela mulher é a personificação de Atenas.
Muitas histórias estão associadas a esta escultura. A obra-prima criada era tão grande e famosa que seu autor imediatamente causou muita inveja. Eles tentaram de todas as maneiras insultar o escultor e procuraram vários motivos pelos quais poderiam acusá-lo de alguma coisa. Dizem que Fídias foi acusado de supostamente ocultar parte do ouro dado como material para a decoração da deusa. Para provar sua inocência, Fídias retirou todos os objetos de ouro da escultura e os pesou. O peso coincidia exatamente com o peso do ouro dado para a escultura. Então Fídias foi acusado de ateísmo. A razão para isso foi o escudo de Atenas. Descreveu o enredo da batalha entre os gregos e as amazonas. Entre os gregos, Fídias retratou a si mesmo e a seu amado Péricles. A imagem de Fídias no escudo tornou-se a causa do conflito. Apesar de todas as conquistas de Fídias, o público grego conseguiu se voltar contra ele. A vida do grande escultor terminou em uma execução cruel.
As conquistas de Fídias no Partenon não foram exaustivas para o seu trabalho. O escultor criou muitas outras obras, as melhores das quais foram a colossal figura de bronze de Atena Promachos, erguida na Acrópole por volta de 460 aC, e a igualmente enorme figura de Zeus em marfim e ouro para o templo de Olímpia. Infelizmente, as obras originais já não existem e não podemos ver com os nossos próprios olhos as magníficas obras de arte da Grécia Antiga. Restam apenas suas descrições e cópias. Isto foi em grande parte devido à destruição fanática de estátuas por crentes cristãos.
É assim que se pode descrever a estátua de Zeus para o templo de Olímpia: um enorme deus de quatorze metros estava sentado em um trono de ouro, e parecia que se ele se levantasse, endireitasse os ombros largos, se sentiria apertado no vasto salão e o teto seria baixo. A cabeça de Zeus foi decorada com uma coroa de ramos de oliveira - um sinal da tranquilidade do formidável deus.O rosto, os ombros, os braços e o peito eram feitos de marfim e a capa era jogada sobre seu ombro esquerdo. A coroa e a barba de Zeus eram feitas de ouro cintilante.
Fídias dotou Zeus de nobreza humana. Seu belo rosto, emoldurado por uma barba e cabelos cacheados, não era apenas severo, mas também gentil, sua postura era solene, imponente e calma. A combinação de beleza física e bondade de alma enfatizou sua idealidade divina. A estátua impressionou tanto que, segundo o antigo autor, as pessoas, deprimidas pela dor, buscaram consolo na contemplação da criação de Fídias. Rumores declararam a estátua de Zeus uma das “sete maravilhas do mundo”.
As obras dos três escultores eram semelhantes porque todas retratavam a harmonia de um belo corpo e a boa alma contida nele. Essa era a principal tendência da época.
É claro que as normas e diretrizes da arte grega mudaram ao longo da história. A arte arcaica era mais direta; faltava-lhe o eufemismo profundo e cheio de significado que encanta a humanidade no período dos clássicos gregos. Na era helenística, quando o homem perdeu o sentido da estabilidade do mundo, a arte perdeu os seus antigos ideais. Começou a refletir os sentimentos de incerteza quanto ao futuro que reinavam nas tendências sociais da época.
Uma coisa uniu todos os períodos de desenvolvimento da sociedade e da arte gregas: esta, como escreve M. Alpatov, foi uma paixão especial pelas artes plásticas, pelas artes espaciais. Tal predileção é compreensível: enormes reservas de diversas cores, material nobre e ideal - o mármore - proporcionaram amplas oportunidades para sua implementação. Embora a maioria das esculturas gregas fossem feitas em bronze, por ser o mármore frágil, foi a textura do mármore com sua cor e decoratividade que permitiu reproduzir com maior expressividade a beleza do corpo humano. Portanto, na maioria das vezes “o corpo humano, sua estrutura e flexibilidade, sua harmonia e flexibilidade atraíram a atenção dos gregos; eles retrataram de bom grado o corpo humano nu e com roupas leves e transparentes”.
Literatura:
1. Enciclopédia Infantil, volume 12, segunda edição, M., "Iluminismo", 1968.
2. Bystrova A. N. “O mundo da cultura, os fundamentos dos estudos culturais”
3. Polikarpov V.S. Palestras sobre estudos culturais - M.: "Gardarika", "Expert Bureau", 1997
4. http://www.uic.ssu.samara.ru/~ancient/rus/g42s.htm - Altos clássicos. Escultura.
1.1 Escultura na Grécia Antiga. Pré-requisitos para o seu desenvolvimento
Entre todas as artes plásticas das civilizações antigas, a arte da Grécia Antiga, em particular a sua escultura, ocupa um lugar muito especial. Os gregos valorizavam acima de tudo o corpo vivo, capaz de qualquer tarefa muscular. A falta de roupas não chocou ninguém. Eles tratavam tudo com muita simplicidade para terem vergonha de qualquer coisa. E ao mesmo tempo, é claro, a castidade não perdeu com isso.
1.2 Escultura grega arcaica
O período Arcaico é o período de formação da escultura grega antiga. O desejo do escultor de transmitir a beleza do corpo humano ideal, que se manifestou plenamente nas obras de uma época posterior, já é compreensível, mas ainda era muito difícil para o artista se afastar da forma do bloco de pedra, e os números deste período são sempre estáticos.
Os primeiros monumentos da escultura grega antiga da era arcaica são determinados pelo estilo geométrico (século VIII). Estas são estatuetas esboçadas encontradas em Atenas, Olímpia , na Beócia. A era arcaica da escultura grega antiga ocorre entre os séculos VII e VI. (arcaico inicial - cerca de 650 - 580 aC; alto - 580 - 530; tarde - 530 - 500/480). O início da escultura monumental na Grécia remonta a meados do século VII. AC e. e se caracteriza por orientalizar estilos, dos quais o mais importante foi o estilo Dédalo, associado ao nome do escultor semimítico Dédalo . O círculo de esculturas “Daedalianas” inclui uma estátua de Ártemis de Delos e uma estátua feminina de obra cretense, guardada no Louvre (“Senhora de Auxerre”). Meados do século VII AC e. Os primeiros kouroses também datam . A primeira decoração escultórica do templo data da mesma época. - relevos e estátuas de Prinia, na ilha de Creta. Posteriormente, a decoração escultórica preenche os campos destacados no templo pelo seu próprio desenho - frontões e métopas V Templo dórico, friso contínuo (zophorus) - em Iônico. As primeiras composições de frontão na escultura grega antiga vêm da Acrópole ateniense e do Templo de Ártemis na ilha de Kerkyra (Corfu). As estátuas funerárias, dedicatórias e de culto são representadas no arcaico pelo tipo de kouros e kora . Relevos arcaicos decoram as bases das estátuas, frontões e métopas dos templos (mais tarde, a escultura redonda ocupa o lugar dos relevos nos frontões) e lápides . Entre os famosos monumentos da escultura redonda arcaica estão a cabeça de Hera, encontrada perto de seu templo em Olímpia, a estátua de Kleobis e Beaton de Delfos, Moscóforo (“Portadora de Touro”) da Acrópole Ateniense, Hera de Samos , estátuas de Didyma, Nikka Arherma e outros.A última estátua mostra o desenho arcaico da chamada “corrida ajoelhada”, usada para representar uma figura voadora ou correndo. Na escultura arcaica, também é adotada toda uma série de convenções - por exemplo, o chamado “sorriso arcaico” nos rostos das esculturas arcaicas.
A escultura da era arcaica é dominada por estátuas de jovens nus e esguios e de meninas vestidas - kouros e koras. Nem a infância nem a velhice atraíram a atenção dos artistas da época, porque somente na juventude madura as forças vitais estão em pleno florescimento e equilíbrio. A arte grega primitiva cria imagens de homem e mulher em sua forma ideal. Naquela época, os horizontes espirituais expandiram-se de forma incomum; o homem parecia sentir-se face a face com o universo e queria compreender a sua harmonia, o segredo da sua integridade. Os detalhes escapavam, as ideias sobre o “mecanismo” específico do universo eram as mais fantásticas, mas o pathos do todo, a consciência da interligação universal - isto era o que constituía a força da filosofia, da poesia e da arte da Grécia arcaica*. Assim como a filosofia, então ainda próxima da poesia, adivinhou astutamente princípios gerais desenvolvimento, e a poesia é a essência das paixões humanas, as belas-artes criaram uma aparência humana generalizada. Vejamos os kouros, ou, como às vezes são chamados, "Apolos arcaicos". Não é tão importante se o artista realmente pretendia retratar Apolo, ou um herói, ou um atleta: o homem é jovem, nu, e sua nudez casta não precisa de coberturas vergonhosas. Ele sempre fica ereto, seu corpo está imbuído de prontidão para se mover. A estrutura corporal é mostrada e enfatizada com a máxima clareza; Você pode ver imediatamente que as longas pernas musculosas podem dobrar os joelhos e correr, os músculos abdominais podem ficar tensos, o peito pode inchar com a respiração profunda. O rosto não expressa nenhuma experiência específica ou traços de caráter individual, mas nele estão ocultas as possibilidades de diversas experiências. E o “sorriso” convencional - cantos da boca ligeiramente levantados - é apenas a possibilidade de um sorriso, uma sugestão da alegria de ser inerente a esta pessoa aparentemente recém-criada.
As estátuas de Kouros foram criadas principalmente em áreas dominadas pelo estilo dórico, ou seja, no território da Grécia continental; estátuas femininas - kora - principalmente na Ásia Menor e cidades insulares, centros do estilo jônico. Belas figuras femininas foram encontradas durante escavações na arcaica Acrópole ateniense, construída no século VI aC. e., quando Pisístrato governou lá e foi destruído durante a guerra com os persas. Durante vinte e cinco séculos, as crostas de mármore foram enterradas no “lixo persa”; Finalmente foram retirados dali meio quebrados, mas sem perder o extraordinário encanto. Talvez algumas delas tenham sido executadas por mestres jônicos convidados por Pisístrato a Atenas; sua arte influenciou a plasticidade ática, que agora combina as características da severidade dórica com a graça jônica. Nas cascas da Acrópole ateniense, o ideal de feminilidade é expresso em sua pureza imaculada. O sorriso é brilhante, o olhar é confiante e como que alegremente maravilhado com o espetáculo do mundo, a figura é castamente envolta em um peplos - um véu, ou um manto leve - um chiton (na era arcaica, as figuras femininas, ao contrário os masculinos, ainda não eram retratados nus), o cabelo cai sobre os ombros em mechas encaracoladas. Essas kora ficavam em pedestais em frente ao templo de Atenas, segurando uma maçã ou uma flor nas mãos.
As esculturas arcaicas (assim como as clássicas) não eram tão monotonamente brancas como as imaginamos agora. Muitos ainda apresentam vestígios de pintura. Os cabelos das garotas de mármore eram dourados, suas bochechas eram rosadas e seus olhos eram azuis. Tendo como pano de fundo o céu sem nuvens da Hélade, tudo isto deveria ter parecido muito festivo, mas ao mesmo tempo rigoroso, graças à clareza, compostura e construtividade das formas e silhuetas. Não houve floreio ou variação excessiva. A busca por fundamentos racionais de beleza, harmonia baseada na medida e no número é muito ponto importante na estética grega. Os filósofos pitagóricos procuraram apreender as relações numéricas naturais nas harmonias musicais e na disposição dos corpos celestes, acreditando que a harmonia musical corresponde à natureza das coisas, à ordem cósmica, à “harmonia das esferas”. Os artistas procuravam proporções matematicamente verificadas do corpo humano e do “corpo” da arquitetura.Nisto, a arte grega primitiva era fundamentalmente diferente da arte cretense-micênica, que era estranha a qualquer matemática.
Cena de gênero muito animada: Assim, na era arcaica, foram lançadas as bases da escultura grega antiga, os rumos e as opções para o seu desenvolvimento. Mesmo assim, os principais objetivos da escultura, os ideais estéticos e as aspirações dos antigos gregos eram claros. Em mais períodos posteriores há um desenvolvimento e aprimoramento desses ideais e da habilidade dos escultores antigos.
1.3 Escultura grega clássica
O período clássico da escultura grega antiga ocorre entre os séculos V e IV aC. (clássico antigo ou “estilo estrito” - 500/490 - 460/450 AC; alto - 450 - 430/420 AC; “estilo rico” - 420 - 400/390 AC; Clássico Tardio - 400/390 - OK. 320 AC e.). Na virada de duas épocas - arcaica e clássica - ergue-se a decoração escultórica do Templo de Atena Afaia, na ilha de Egina . As esculturas do frontão ocidental datam da fundação do templo (510 - 500 AC AC), esculturas segundo leste, substituindo os anteriores, - ao início da época clássica (490 - 480 aC). O monumento central da escultura grega antiga dos primeiros clássicos são os frontões e métopas do Templo de Zeus em Olímpia (cerca de 468 - 456 AC e.). Outra obra significativa dos primeiros clássicos - o chamado “Trono de Ludovisi”, decorado com relevos. Vários originais de bronze também sobreviveram desta época - o “Cocheiro Délfico”, estátua de Poseidon do Cabo Artemísio, Bronze de Riace . Os maiores escultores dos primeiros clássicos - Pitágoras Regian, Kalamid e Miron . Julgamos o trabalho de escultores gregos famosos principalmente a partir de evidências literárias e cópias posteriores de suas obras. O alto classicismo é representado pelos nomes de Fídias e Policletos . O seu apogeu de curta duração está associado às obras da Acrópole ateniense, ou seja, à decoração escultórica do Partenon (Pedimentos, metopes e zóforos sobreviveram, 447 - 432 aC). O auge da escultura grega antiga foi, aparentemente, crisoelefantino Estátuas de Atena Partenos e Zeus do Olimpo por Fídias (ambos não sobreviveram). O “estilo rico” é característico das obras de Calímaco, Alcamenes, Agorakrit e outros escultores do século V. BC. AC e.. Seus monumentos característicos são os relevos da balaustrada do pequeno templo de Niki Apteros em Acrópole de Atenas(cerca de 410 a.C.) e uma série de estelas funerárias, entre as quais a estela de Gegeso é a mais famosa . As obras mais importantes da escultura grega antiga dos clássicos tardios - a decoração do Templo de Asclépio em Epidauro (cerca de 400 - 375 aC), templo de Atena Aley em Tegea (cerca de 370 - 350 AC), o Templo de Ártemis em Éfeso (cerca de 355 - 330 AC) e o Mausoléu em Halicarnasso (c. 350 aC), em cuja decoração escultórica trabalharam Scopas, Briaxides, Timóteo e Leohar . Este último também é creditado com as estátuas de Apollo Belvedere e Diana de Versalhes . Existem também vários originais em bronze do século IV. AC e. Os maiores escultores dos clássicos tardios - Praxíteles, Scopas e Lysippos, em muitos aspectos, antecipando a era subsequente do helenismo.
A escultura grega sobreviveu parcialmente em escombros e fragmentos. A maioria das estátuas são conhecidas por cópias romanas, que foram feitas em grande número, mas não transmitiam a beleza dos originais. Os copistas romanos os tornavam ásperos e secos e, ao converter itens de bronze em mármore, os desfiguravam com suportes desajeitados. As grandes figuras de Atena, Afrodite, Hermes, Sátiro, que vemos agora nos corredores de l'Hermitage, são apenas pálidas versões de obras-primas gregas. Você passa por eles quase com indiferença e de repente para diante de uma cabeça com o nariz quebrado, com o olho machucado: este é um original grego! E o incrível poder da vida subitamente emergiu deste fragmento; O mármore em si é diferente daquele das estátuas romanas - não de um branco mortal, mas amarelado, transparente, luminoso (os gregos também o esfregavam com cera, o que dava ao mármore um tom quente). Tão suaves são as transições fundentes de luz e sombra, tão nobre é a suave escultura do rosto, que involuntariamente recordamos as delícias dos poetas gregos: estas esculturas realmente respiram, elas realmente estão vivas*. Na escultura primeiro meio século Quando houve guerras com os persas, prevaleceu um estilo corajoso e rigoroso. Foi então criado um grupo de estatuetas de tiranicidas: um marido maduro e um jovem, lado a lado, fazem um movimento impetuoso para a frente, o mais novo levanta a espada, o mais velho o protege com a capa. Este é um monumento a figuras históricas - Harmodius e Aristogeiton, que matou o tirano ateniense Hiparco várias décadas antes - o primeiro monumento político na arte grega. Ao mesmo tempo, expressa o espírito heróico de resistência e amor à liberdade que irrompeu durante a era das guerras greco-persas. “Eles não são escravos dos mortais, não estão sujeitos a ninguém”, dizem os atenienses na tragédia de Ésquilo “Os Persas”. Batalhas, escaramuças, façanhas de heróis... A arte dos primeiros clássicos está repleta desses temas guerreiros. Nos frontões do Templo de Atenas em Egina - a luta dos gregos com os troianos. No frontão ocidental do Templo de Zeus em Olímpia está a luta dos Lápitas com os centauros, nas métopas estão todos os doze trabalhos de Hércules. Outro conjunto favorito de motivos são as competições de ginástica; naqueles tempos distantes, a preparação física e o domínio dos movimentos corporais eram decisivos para o resultado das batalhas, por isso os jogos atléticos estavam longe de ser apenas entretenimento. Temas de combate corpo a corpo, competições equestres, competições de corrida e competições de lançamento de disco ensinaram os escultores a representar o corpo humano em dinâmica. A rigidez arcaica das figuras foi superada. Agora eles agem, eles se movem; aparecem poses complexas, ângulos ousados e gestos amplos. O inovador mais brilhante foi o escultor do sótão Myron. A principal tarefa de Myron era expressar o movimento da forma mais completa e poderosa possível. O metal não permite um trabalho tão preciso e delicado como o mármore, e talvez por isso ele tenha procurado encontrar o ritmo do movimento. O equilíbrio, um "ethos" majestoso, é preservado na escultura clássica de estilo rigoroso. O movimento das figuras não é errático, nem excessivamente excitado, nem demasiado rápido. Mesmo nos motivos dinâmicos de luta, corrida e queda, a sensação de “calma olímpica”, completude plástica holística e auto-fechamento não se perde.
Atena, que ele fez por ordem de Plataea e que custou muito caro a esta cidade, fortaleceu a fama do jovem escultor. Ele foi contratado para criar uma estátua colossal de Atena, a padroeira da Acrópole. Atingia 18 metros de altura e era mais alto que todos os edifícios circundantes; De longe, do mar, brilhava como uma estrela dourada e reinava sobre toda a cidade. Não era acrolítico (composto), como o plateano, mas inteiramente fundido em bronze. Outra estátua da Acrópole, a Virgem Atena, feita para o Partenon, era feita de ouro e marfim. Atena foi retratada em traje de batalha, usando um capacete dourado com uma esfinge em alto relevo e abutres nas laterais. Numa das mãos ela segurava uma lança, na outra uma peça da vitória. Uma cobra enrolada a seus pés - a guardiã da Acrópole. Esta estátua é considerada a melhor garantia de Fídias depois de Zeus. Serviu como original para inúmeras cópias. Mas o auge da perfeição de todas as obras de Fídias é considerado seu Zeus Olímpico. Esta foi a maior obra da sua vida: os próprios gregos deram-lhe a palma. Ele causou uma impressão irresistível em seus contemporâneos.
Zeus foi retratado no trono. Por um lado ele segurava um cetro, por outro - uma imagem de vitória. O corpo era feito de marfim, o cabelo era dourado, o manto era dourado e esmaltado. O trono incluía ébano, osso e gemas. As paredes entre as pernas foram pintadas pelo primo de Fídias, Panen; a base do trono era uma maravilha da escultura. A admiração dos gregos pela beleza e sábia estrutura do corpo vivo era tão grande que eles o pensavam esteticamente apenas na completude e completude estatuária, permitindo-lhes apreciar a majestade da postura e a harmonia dos movimentos corporais. Mesmo assim, a expressividade não reside tanto nas expressões faciais, mas nos movimentos corporais. Olhando para a misteriosamente serena Moira do Partenon, para a rápida e brincalhona Nike desamarrando a sandália, quase esquecemos que suas cabeças foram quebradas - a plasticidade de suas figuras é tão eloqüente.
Na verdade, os corpos estátuas gregas extraordinariamente espiritual. O escultor francês Rodin disse sobre um deles: “Este torso jovem e sem cabeça sorri com mais alegria para a luz e a primavera do que olhos e lábios poderiam fazer”. Os movimentos e posturas na maioria dos casos são simples, naturais e não necessariamente associados a algo sublime. As cabeças das estátuas gregas, via de regra, são impessoais, ou seja, pouco individualizadas, reduzidas a algumas variações de tipo geral, mas esse tipo geral possui elevada capacidade espiritual. No rosto tipo grego triunfa a ideia do “humano” em sua versão ideal. O rosto é dividido em três partes de igual comprimento: testa, nariz e parte inferior. Oval correto e suave. A linha reta do nariz continua a linha da testa e forma uma perpendicular à linha traçada do início do nariz até a abertura da orelha (ângulo facial reto). Seção oblonga de olhos bastante profundos. Boca pequena, lábios carnudos e convexos, o lábio superior é mais fino que o inferior e tem um belo corte liso como o arco de um cupido. O queixo é grande e redondo. Os cabelos ondulados ajustam-se suavemente e firmemente à cabeça, sem interferir na visibilidade do formato arredondado do crânio. Esta beleza clássica pode parecer monótona, mas, representando a expressiva “aparência natural do espírito”, ela se presta à variação e é capaz de incorporar vários tipos do ideal antigo. Um pouco mais de energia nos lábios, no queixo saliente - diante de nós está a estrita virgem Atena. Há mais suavidade nos contornos das bochechas, os lábios estão ligeiramente entreabertos, as órbitas dos olhos estão sombreadas - diante de nós está o rosto sensual de Afrodite. O oval do rosto é mais próximo de um quadrado, o pescoço é mais grosso, os lábios são maiores - essa já é a imagem de um jovem atleta. Mas a base continua sendo a mesma aparência clássica estritamente proporcional.
Depois da guerra….A pose característica da figura em pé muda. Na era arcaica, as estátuas ficavam completamente retas, frontalmente. Os clássicos maduros os animam e animam com movimentos suaves e equilibrados, mantendo o equilíbrio e a estabilidade. E as estátuas de Praxíteles - o Sátiro em repouso, Apolo Saurocton - apoiam-se com graça preguiçosa em pilares, sem eles teriam que cair. A coxa de um lado é fortemente arqueada e o ombro é abaixado em direção à coxa - Rodin compara essa posição do corpo com uma gaita, quando o fole é comprimido de um lado e afastado do outro. O apoio externo é necessário para o equilíbrio. Esta é uma posição de descanso de sonho. Praxíteles segue as tradições de Policleto, usa os motivos dos movimentos que encontrou, mas os desenvolve de tal forma que neles brilha um conteúdo interno diferente. “A Amazônia Ferida” Polykletai também se apoia em meia coluna, mas ela poderia ter ficado sem ela, seu corpo forte e enérgico, mesmo sofrendo de um ferimento, permanece firme no chão. O Apolo de Praxíteles não é atingido por uma flecha, ele próprio aponta para um lagarto correndo ao longo de um tronco de árvore - uma ação que parece exigir compostura obstinada, mas seu corpo é instável, como um caule balançante. E este não é um detalhe aleatório, nem um capricho do escultor, mas uma espécie de novo cânone no qual uma nova visão do mundo encontra expressão. No entanto, não apenas a natureza dos movimentos e poses mudou na escultura do século IV aC. e. Para Praxíteles, a gama de seus temas favoritos torna-se diferente; ele se afasta dos temas heróicos para o “mundo leve de Afrodite e Eros”. Ele esculpiu a famosa estátua de Afrodite de Knidos. Praxíteles e os artistas de seu círculo não gostavam de retratar os torsos musculosos dos atletas, eram atraídos pela delicada beleza do corpo feminino com o suave fluxo dos volumes. Preferiam o tipo de juventude, que se distinguia pela “primeira juventude e pela beleza afeminada”. Praxiteles era famoso por sua suavidade especial de modelagem e habilidade no processamento do material, sua capacidade de transmitir o calor de um corpo vivo em mármore frio2.
O único original sobrevivente de Praxíteles é considerado a estátua de mármore “Hermes com Dionísio”, encontrada em Olímpia. Hermes nu, apoiado em um tronco de árvore onde seu manto foi jogado descuidadamente, segura em um braço dobrado o pequeno Dionísio e no outro um cacho de uvas, ao qual a criança se estende (a mão que segura as uvas está perdida). Todo o encanto do processamento pictórico do mármore está nesta estátua, especialmente na cabeça de Hermes: transições de luz e sombra, o mais fino “sfumato” (névoa), que, muitos séculos depois, foi alcançado na pintura de Leonardo da Vinci. Todas as outras obras do mestre são conhecidas apenas por menções de autores antigos e cópias posteriores. Mas o espírito da arte de Praxíteles perdura até o século IV a.C. e., e o melhor de tudo pode ser sentido não em cópias romanas, mas em pequenos plásticos gregos, em estatuetas de argila Tanagra. Eram produzidos no final do século em grandes quantidades, era uma espécie de produção em massa com centro principal em Tanagra. (Uma coleção muito boa delas é mantida no Eremitério de Leningrado.) Algumas estatuetas reproduzem grandes estátuas famosas, outras simplesmente apresentam várias variações livres da figura feminina drapeada. A graça viva destas figuras, sonhadoras, pensativas, brincalhonas, é um eco da arte de Praxíteles.
1.4 Escultura da Grécia Helenística
O próprio conceito de “helenismo” contém uma indicação indireta da vitória do princípio helênico. Mesmo em áreas remotas do mundo helenístico, na Báctria e na Pártia (hoje Ásia Central), aparecem formas de arte antigas transformadas de forma única. E o Egito é difícil de reconhecer, é nova cidade Alexandria já é um verdadeiro centro iluminado da cultura antiga, onde florescem as ciências exatas, as humanidades e as escolas filosóficas, originárias de Pitágoras e Platão. A Alexandria helenística deu ao mundo o grande matemático e físico Arquimedes, o geômetra Euclides, Aristarco de Samos, que dezoito séculos antes de Copérnico provou que a Terra gira em torno do Sol. Os armários da famosa Biblioteca de Alexandria, marcados com letras gregas de alfa a ômega, continham centenas de milhares de pergaminhos - “obras que brilharam em todos os ramos do conhecimento”. Ali estava um grandioso Farol de Faro, considerada uma das sete maravilhas do mundo; ali foi criado o Museyon, o palácio das musas - o protótipo de todos os futuros museus. Comparada com esta rica e opulenta cidade portuária, a capital do Egito ptolomaico, a cidade da metrópole grega, até Atenas provavelmente parecia modesta. Mas essas cidades pequenas e modestas foram as principais fontes dos tesouros culturais que foram preservados e reverenciados em Alexandria, das tradições que continuaram a ser seguidas. Se a ciência helenística devia muito à herança do Antigo Oriente, então as artes plásticas mantiveram um carácter predominantemente grego.
Os princípios formativos básicos vieram dos clássicos gregos, o conteúdo tornou-se diferente. Houve uma demarcação decisiva entre a vida pública e a vida privada. Nas monarquias helenísticas, estabeleceu-se um culto a um único governante, equiparado a uma divindade, semelhante ao que existia nos antigos despotismos orientais. Mas a semelhança é relativa: o “homem privado”, que não é afectado pelas tempestades políticas ou é apenas ligeiramente afectado, não é tão impessoal como nos antigos estados orientais. Ele tem vida própria: é comerciante, é empresário, é funcionário, é cientista. Além disso, muitas vezes ele é de origem grega - após as conquistas de Alexandre, começou a migração em massa dos gregos para o leste - os conceitos de dignidade humana, trazidos pela cultura grega, não lhe são estranhos. Deixe-o ser removido do poder e dos assuntos de estado - seu isolado mundo privado exige e encontra expressão artística, cuja base são as tradições dos clássicos gregos tardios, retrabalhadas no espírito de maior intimidade e gênero. E na arte “de estado”, na arte oficial, nos grandes edifícios e monumentos públicos, as mesmas tradições processam-se, pelo contrário, no sentido da pompa.
Pompa e intimidade são características opostas; A arte helenística é cheia de contrastes - gigantesca e em miniatura, cerimonial e cotidiana, alegórica e natural. O mundo tornou-se mais complexo e as necessidades estéticas tornaram-se mais diversas. A tendência principal é um afastamento do tipo humano generalizado para uma compreensão do homem como um ser concreto e individual e, portanto, a crescente atenção à sua psicologia, o interesse pelos acontecimentos e uma nova vigilância aos sinais nacionais, etários, sociais e outros de personalidade. Mas como tudo isto se exprimiu numa linguagem herdada dos clássicos, que não se impunham tais tarefas, sente-se uma certa inorganicidade nas obras inovadoras da era helenística: não alcançam a integridade e a harmonia dos seus grandes antecessores. O retrato da cabeça da estátua heróica “Diadochi” não combina com seu torso nu, que repete o tipo de atleta clássico. O drama do grupo escultórico multifigurado “Farnese Bull” é contrariado pela representatividade “clássica” das figuras; as suas poses e movimentos são demasiado belos e suaves para acreditar na verdade das suas experiências. Em inúmeras esculturas de parques e câmaras, as tradições de Praxíteles são diminuídas: Eros, “o grande e poderoso deus”, transforma-se em um Cupido brincalhão e brincalhão; Apolo - no Apolo sedutor e afeminado; fortalecer o gênero não os beneficia. E as famosas estátuas helenísticas de velhas carregando provisões, de uma velha bêbada, de um velho pescador de corpo flácido carecem do poder de generalização figurativa; a arte domina esses novos tipos externamente, sem penetrar nas profundezas - afinal, a herança clássica não forneceu a chave para eles. A estátua de Afrodite, tradicionalmente chamada de Vênus de Milo, foi encontrada em 1820 na ilha de Melos e imediatamente ganhou fama mundial como a criação perfeita da arte grega. Esta elevada avaliação não foi abalada por muitas descobertas posteriores de originais gregos - Afrodite de Milo ocupa um lugar especial entre eles. Aparentemente executado no século 2 aC. e. (do escultor Agesandro ou Alexandre, como diz a inscrição meio apagada na base), tem pouca semelhança com as estátuas contemporâneas que representam a deusa do amor. As afrodites helenísticas geralmente remontavam ao tipo de Afrodite de Cnido de Praxíteles, tornando-a sensualmente sedutora, até mesmo um pouco fofa; tal é, por exemplo, a famosa Afrodite da Medicina. Afrodite de Milo, apenas seminua, coberta até os quadris, é severa e sublimemente calma. Ela personifica não tanto o ideal de beleza feminina, mas o ideal de homem em um sentido geral e mais elevado. O escritor russo Gleb Uspensky encontrou uma expressão de sucesso: o ideal de um “homem endireitado”. A estátua estava bem preservada, mas suas mãos estavam quebradas. Tem havido muitas especulações sobre o que essas mãos estavam fazendo: a deusa estava segurando uma maçã? ou um espelho? ou ela estava segurando a bainha do roupão? Nenhuma reconstrução convincente foi encontrada; na verdade, não há necessidade dela. A “falta de braços” de Afrodite de Milo tornou-se ao longo do tempo, por assim dizer, seu atributo, não interfere em nada com sua beleza e até aumenta a impressão da majestade de sua figura. E como nem uma única estátua grega intacta sobreviveu, é neste estado parcialmente danificado que Afrodite aparece diante de nós como um “enigma de mármore” que nos foi dado pela antiguidade, como um símbolo da distante Hélade.
Outro maravilhoso monumento do helenismo (dos que chegaram até nós e quantos desapareceram!) é o altar de Zeus em Pérgamo. A escola de Pérgamo, mais do que outras, gravitou em torno do pathos e do drama, dando continuidade às tradições de Skopas. Seus artistas nem sempre recorreram a temas mitológicos, como acontecia na época clássica. Na praça da Acrópole de Pérgamo existiam grupos escultóricos que perpetuaram um acontecimento histórico genuíno - a vitória sobre os “bárbaros”, as tribos gaulesas que sitiaram o reino de Pérgamo. Cheios de expressão e dinâmica, estes grupos destacam-se também pelo facto de os artistas prestarem homenagem aos vencidos, mostrando-lhes valorosos e sofredores. Eles retratam um gaulês matando sua esposa e a si mesmo para evitar o cativeiro e a escravidão; retratam um gaulês mortalmente ferido reclinado no chão com a cabeça baixa. Fica imediatamente claro pelo seu rosto e figura que ele é um “bárbaro”, um estrangeiro, mas ele tem uma morte heróica, e isso é mostrado. Na sua arte, os gregos não se rebaixaram a humilhar os seus oponentes; Esta característica do humanismo ético surge com particular clareza quando os oponentes – os gauleses – são retratados de forma realista. Após as campanhas de Alexandre, muita coisa mudou em geral nas atitudes em relação aos estrangeiros. Como escreve Plutarco, Alexandre via-se como o reconciliador do universo, “fazendo com que todos bebessem... do mesmo copo de amizade e misturando vidas, costumes, casamentos e formas de vida”. A moral e as formas de vida, assim como as formas de religião, realmente começaram a se misturar na era helenística, mas a amizade não reinou e a paz não veio, os conflitos e a guerra não pararam. As guerras de Pérgamo com os gauleses são apenas um dos episódios. Quando a vitória sobre os gauleses foi finalmente conquistada, o altar de Zeus foi erguido em sua homenagem, concluído em 180 aC. e. Desta vez, a guerra de longo prazo com os “bárbaros” apareceu como uma gigantomaquia - uma luta entre os deuses do Olimpo e os gigantes. De acordo com mito antigo, gigantes - gigantes que viviam no extremo oeste, os filhos de Gaia (Terra) e Urano (Céu) - se rebelaram contra os olímpicos, mas foram derrotados por eles após uma batalha feroz e enterrados sob vulcões, nas entranhas profundas da mãe terra , a partir daí eles lembram de si mesmos erupções vulcânicas e terremotos. Um grandioso friso de mármore, com cerca de 120 metros de comprimento, executado na técnica do alto relevo, circundava a base do altar. Os restos desta estrutura foram escavados na década de 1870; Graças ao árduo trabalho dos restauradores, foi possível conectar milhares de fragmentos e obter uma imagem bastante completa da composição geral do friso. Corpos poderosos estão empilhados, entrelaçados, como uma bola de cobras, os gigantes derrotados são atormentados por leões de juba peluda, os cães mordem os dentes, os cavalos pisam sob seus pés, mas os gigantes lutam ferozmente, seu líder Porfírion não recua diante do trovejante Zeus. A mãe dos gigantes, Gaia, implora para poupar os filhos, mas eles não a ouvem. A batalha é terrível. Há algo presciente de Michelangelo nos ângulos tensos dos corpos, em seu poder titânico e em seu pathos trágico. Embora batalhas e lutas fossem um tema frequente em relevos antigos, começando pelo arcaico, elas nunca foram retratadas como no Altar de Pérgamo - com uma sensação tão arrepiante de cataclismo, uma batalha pela vida ou pela morte, onde todas as forças cósmicas, todos os demônios participe terra e céu. A estrutura da composição mudou, perdeu a sua clareza clássica e tornou-se turbulenta e confusa. Recordemos as figuras de Skopas no relevo do mausoléu de Halicarnasso. Eles, com todo o seu dinamismo, estão localizados no mesmo plano espacial, são separados por intervalos rítmicos, cada figura tem uma certa independência, massas e espaço são equilibrados. É diferente no friso de Pérgamo - os que lutam aqui estão apertados, a massa suprimiu o espaço e todas as figuras estão tão entrelaçadas que formam uma confusão tempestuosa de corpos. E os corpos ainda são classicamente belos, “às vezes radiantes, às vezes ameaçadores, figuras vivas, mortas, triunfantes, moribundas”, como I. S. Turgenev disse sobre eles*. Os atletas olímpicos são lindos e seus inimigos também. Mas a harmonia do espírito flutua. Rostos distorcidos pelo sofrimento, sombras profundas nas órbitas oculares, cabelos de cobra... Os olímpicos ainda triunfam sobre as forças dos elementos subterrâneos, mas esta vitória não dura muito - os princípios elementares ameaçam explodir o harmonioso, mundo harmonioso. Assim como a arte Arcaico grego não se deve avaliar apenas os primeiros arautos dos clássicos e A arte helenística como um todo não pode ser considerada um eco tardio dos clássicos, subestimando as coisas fundamentalmente novas que trouxe. Esta novidade esteve associada tanto à expansão dos horizontes da arte como ao seu interesse curioso pela personalidade humana e pelas condições reais e específicas da sua vida. Daí, em primeiro lugar, o desenvolvimento do retrato, do retrato individual, quase desconhecido dos altos clássicos, e os clássicos tardios estavam apenas nas aproximações dele. Os artistas helenísticos, mesmo fazendo retratos de pessoas mortas há muito tempo, deram-lhes uma interpretação psicológica e procuraram revelar a singularidade da aparência externa e interna. Não contemporâneos, mas descendentes nos deixaram os rostos de Sócrates, Aristóteles, Eurípides, Demóstenes e até do lendário Homero, um inspirado contador de histórias cego. O retrato de um velho filósofo desconhecido é surpreendente em seu realismo e expressão - aparentemente, um polemista apaixonado e irreconciliável, cujo rosto enrugado e de traços marcantes nada tem em comum com o tipo clássico. Anteriormente, era considerado um retrato de Sêneca, mas o famoso estóico viveu depois da escultura deste busto de bronze.
Pela primeira vez, uma criança com todas as características anatômicas da infância e com todo o encanto que lhe é característico torna-se objeto de uma cirurgia plástica. Na era clássica, se crianças pequenas fossem retratadas, seria mais como adultos em miniatura. Mesmo no grupo “Hermes com Dionísio” de Praxíteles, Dionísio tem pouca semelhança com um bebê em sua anatomia e proporções. Parece que só agora perceberam que a criança é uma criatura completamente especial, brincalhona e astuta, com hábitos próprios; notaram e ficaram tão cativados por ele que o próprio deus do amor, Eros, começou a ser representado ainda criança, marcando o início de uma tradição que se estabeleceu há séculos. Os filhos rechonchudos e cacheados dos escultores helenísticos estão ocupados com todos os tipos de truques: montar um golfinho, brincar com pássaros e até estrangular cobras (este é o bebê Hércules). Particularmente popular foi a estátua de um menino lutando contra um ganso. Essas estátuas eram colocadas em parques, decoravam fontes, eram colocadas nos santuários de Asclépio, o deus da cura, e às vezes eram usadas como lápides.
Conclusão
Examinamos a escultura da Grécia Antiga ao longo de todo o período de seu desenvolvimento. Vimos todo o processo de sua formação, florescimento e declínio - toda a transição das formas arcaicas estritas, estáticas e idealizadas, passando pela harmonia equilibrada da escultura clássica, até o psicologismo dramático das estátuas helenísticas. A escultura da Grécia Antiga foi legitimamente considerada um modelo, um ideal, um cânone durante muitos séculos, e agora nunca deixa de ser reconhecida como uma obra-prima dos clássicos mundiais. Nada parecido com isso foi alcançado antes ou depois. Toda escultura moderna pode ser considerada, de uma forma ou de outra, uma continuação das tradições da Grécia Antiga. A escultura da Grécia Antiga em seu desenvolvimento passou caminho difícil, preparando o terreno para o desenvolvimento das artes plásticas nas épocas subsequentes em vários países. Mais tarde, as tradições da escultura grega antiga foram enriquecidas com novos desenvolvimentos e conquistas, enquanto os cânones antigos serviram como a base necessária, a base para o desenvolvimento da arte plástica em todas as épocas subsequentes.
Escultores notáveis Grécia antiga
Características da escultura grega antiga O tema principal é a imagem de uma pessoa, a admiração pela beleza do corpo humano.
Escultura arcaica: Kouros – atletas nus. Instalado próximo a templos; Eles personificavam o ideal de beleza masculina; Eles são parecidos: jovens, esbeltos, altos. Kouros. Século 6 aC
Escultura arcaica: Kory - meninas em túnicas. Elas personificavam o ideal de beleza feminina; Eles são parecidos: cabelos cacheados, um sorriso misterioso, a personificação da sofisticação. Latido. Século 6 aC
ESCULTURA CLÁSSICA GREGA Fim dos séculos V-IV. AC e. - o período da turbulenta vida espiritual da Grécia, a formação das ideias idealistas de Sócrates e Platão na filosofia, que se desenvolveram na luta contra a filosofia materialista do Democrata, o tempo da formação de novas formas de belas-artes gregas. Na escultura, a masculinidade e a severidade das imagens dos clássicos estritos são substituídas pelo interesse pelo mundo espiritual do homem, e sua característica mais complexa e menos direta se reflete na plástica.
Escultores gregos do período clássico: Polykleitos Myron Scopas Praxiteles Lysippos Leochares
Policleitos Policleitos. Doríforo (lanceiro). 450-440 AC Cópia romana. Museu Nacional. Nápoles As obras de Policleto tornaram-se um verdadeiro hino à grandeza e ao poder espiritual do Homem. A imagem favorita é a de um jovem esguio e de constituição atlética. Não há nada de supérfluo nele, “nada de excesso”; sua aparência espiritual e física são harmoniosas.
Doryphoros tem uma pose complexa, diferente da pose estática do antigo kouroi. Policleto foi o primeiro a pensar em posicionar as figuras de tal forma que repousassem na parte inferior de apenas uma perna. Além disso, a figura parece móvel e animada, pelo fato dos eixos horizontais não serem paralelos (o chamado quiasma). “Doripho?r” (grego ????????? - “portador da lança”) é um dos mais estátuas famosas antiguidade, incorpora o chamado Cânone de Policleto.
O cânone de Policleto Doríforo não é a imagem de um atleta vencedor específico, mas uma ilustração dos cânones da figura masculina. Policleto se propôs a determinar com precisão as proporções da figura humana, de acordo com suas ideias sobre a beleza ideal. Essas proporções estão em relação numérica entre si. “Eles até garantiram que Polykleitos a executasse de propósito, para que outros artistas a usassem como modelo”, escreveu um contemporâneo. A própria obra “O Cânon” teve grande influência na cultura europeia, apesar de apenas terem sobrevivido dois fragmentos da obra teórica.
Cânone de Policleto Se recalcularmos as proporções deste Homem Ideal para uma altura de 178 cm, os parâmetros da estátua serão os seguintes: 1. volume do pescoço - 44 cm, 2. peito - 119, 3. bíceps - 38, 4. cintura - 93, 5. antebraços - 33, 6. pulsos - 19, 7. nádegas - 108, 8. quadris - 60, 9. joelhos - 40, 10. canelas - 42, 11. tornozelos - 25, 12. pés - 30 cm.
Policleitos "Amazônia Ferida"
Myron Myron - escultor grego de meados do século V. AC e. O escultor da época imediatamente anterior ao maior florescimento da arte grega (século VI - início do século V) incorporou os ideais de força e beleza do Homem. Ele foi o primeiro mestre em fundições complexas de bronze. Mirón. Lançador de disco.450 AC. Cópia romana. Museu Nacional, Roma
Mirón. “Lançador de discoteca” Os antigos caracterizam Myron como o maior realista e especialista em anatomia, que, no entanto, não sabia dar vida e expressão aos rostos. Ele retratou deuses, heróis e animais, e com amor especial reproduziu poses difíceis e fugazes. Sua obra mais famosa é “O lançador de disco”, um atleta que pretende lançar um disco, estátua que sobrevive até hoje em vários exemplares, dos quais o melhor é feito de mármore e está localizado no Palácio Massami, em Roma.
"Disco thrower" de Myron no Jardim Botânico de Copenhague
Lançador de disco. Miron
Criações escultóricas de Skopas Skopas (420 - c. 355 aC), natural da ilha de Paros, rica em mármore. Ao contrário de Praxíteles, Skopas deu continuidade às tradições dos grandes clássicos, criando imagens heróicas monumentais. Mas a partir das imagens do século V. BC. eles se distinguem pela tensão dramática de todas as forças espirituais. Paixão, pathos, movimento forte são as principais características da arte de Skopas. Também conhecido como arquiteto, participou da criação de um friso em relevo para o mausoléu de Halicarnasso.
Em estado de êxtase, numa violenta explosão de paixão, a Ménade é retratada por Scopas. A companheira do deus Dionísio é mostrada em uma dança rápida, sua cabeça está jogada para trás, seus cabelos caem sobre os ombros, seu corpo é curvado, apresentado em um ângulo complexo, as dobras de seu quíton curto enfatizam o movimento violento. Ao contrário da escultura do século V. BC. A mênade Skopas foi projetada para ser vista de todos os lados. Escopas. Maenad Criações esculturais de Skopas
Escopas. Batalha com as Amazonas Criações escultóricas de Skopas Também conhecido como arquiteto, participou da criação de um friso em relevo para o mausoléu de Halicarnasso.
Praxíteles Nasceu em Atenas (c. 390 - 330 aC). Cantora inspiradora da beleza feminina.
A estátua de Afrodite de Cnidos é a primeira representação de uma figura feminina nua na arte grega. A estátua ficava na costa da península de Cnidos, e os contemporâneos escreveram sobre verdadeiras peregrinações aqui para admirar a beleza da deusa se preparando para entrar na água e tirando as roupas em um vaso próximo. A estátua original não sobreviveu. Criações escultóricas de Praxiteles Praxiteles. Afrodite de Cnidos
Criações escultóricas de Praxíteles Na única estátua de mármore de Hermes (o patrono do comércio e dos viajantes, bem como o mensageiro, “mensageiro” dos deuses) que chegou até nós no original do escultor Praxíteles, o mestre retratou um belo jovem em estado de paz e serenidade. Ele olha pensativo para o bebê Dionísio, que segura nos braços. A beleza masculina de um atleta é substituída por uma beleza um tanto feminina, graciosa, mas também mais espiritual. A estátua de Hermes mantém vestígios de cores antigas: cabelo castanho-avermelhado, uma bandagem prateada. Praxíteles. Hermes. Por volta de 330 a.C. e.
Criações escultóricas de Praxiteles
Lísipo, o Grande escultor do século IV. AC. (370-300 AC). Ele trabalhou em bronze, porque procurou capturar imagens em uma corrida fugaz. Ele deixou 1.500 estátuas de bronze, incluindo figuras colossais de deuses, heróis e atletas. Eles são caracterizados pelo pathos, pela inspiração, pela emotividade.O original não chegou até nós. Escultor da corte de A. Macedônio Cópia em mármore da cabeça de A. Macedônio
Lísipo. Hércules lutando contra um leão. Século 4 aC Cópia romana Hermitage, São Petersburgo Esta escultura transmite com incrível habilidade a intensidade apaixonada do duelo entre Hércules e o leão. Criações escultóricas de Lysippos
Criações escultóricas de Lysippos Lysippos procurou aproximar suas imagens o mais possível da realidade. Assim, mostrou os atletas não no momento de maior tensão de força, mas, via de regra, no momento de seu declínio, após a competição. É exatamente assim que seu Apoxyomenos é representado, limpando a areia de si mesmo após uma luta esportiva. Ele tem um rosto cansado e seu cabelo está emaranhado de suor. Lísipo. Apoxiomenos. Cópia romana, 330 aC
O cativante Hermes, sempre rápido e animado, também é representado por Lísippo como se estivesse em estado de extremo cansaço, sentado brevemente sobre uma pedra e pronto para correr mais no próximo segundo em suas sandálias aladas. Criações escultóricas de Lysippos Lysippos. "Descansando Hermes"
Lísipo criou seu próprio cânone de proporções do corpo humano, segundo o qual suas figuras são mais altas e mais magras que as de Policleto (o tamanho da cabeça é 1/9 da figura). Criações escultóricas de Lysippos Lysippos. "Hércules de Farnese"
Leohar Leohar. Apolo Belvedere. Século 4 aC Cópia romana. Museus do Vaticano Seu trabalho é uma excelente tentativa de capturar o ideal clássico da beleza humana. Suas obras contêm não apenas a perfeição das imagens, mas também a habilidade e técnica de execução. Apolo é considerado uma das melhores obras da Antiguidade.
Obras-primas escultóricas da era helenística
Escultura grega Assim, na escultura grega, a expressividade da imagem estava em todo o corpo humano, em seus movimentos, e não apenas no rosto. Apesar de muitas estátuas gregas não terem preservado a sua parte superior (por exemplo, “Nike de Samotrácia” ou “Nike Desatando Sandálias” chegaram até nós sem cabeça, esquecemo-nos disso quando olhamos para a solução plástica holística da imagem. Como a alma e o corpo eram considerados pelos gregos como uma unidade indivisível, os corpos das estátuas gregas são extraordinariamente espiritualizados.
Nike de Samotrácia Nike de Samotrácia século 2 a.C. Louvre, Paris Mármore A estátua foi erguida por ocasião da vitória da frota macedônia sobre a egípcia em 306 aC. e. A deusa foi retratada como se estivesse na proa de um navio, anunciando a vitória ao som de uma trombeta. O pathos da vitória se expressa no movimento rápido da deusa, no amplo bater de suas asas.
Nike da Samotrácia
Nike desamarrando sua sandália A deusa é retratada desamarrando sua sandália antes de entrar no Templo de Mármore. Atenas
Vênus de Milo Em 8 de abril de 1820, um camponês grego da ilha de Melos chamado Iorgos, enquanto cavava a terra, sentiu que sua pá, com um tilintar surdo, encontrou algo sólido. Iorgos cavou nas proximidades - o mesmo resultado. Ele deu um passo para trás, mas mesmo aqui a pá não quis entrar no chão. Primeiro Iorgos viu um nicho de pedra. Tinha cerca de quatro a cinco metros de largura. Na cripta de pedra, para sua surpresa, encontrou uma estátua de mármore. Esta era Vênus. Agesandro. Vênus de Milo. Louvre. 120 AC
Laocoonte com seus filhos Agesandro, Atenodoro, Polidoro
Laocoonte e seus filhos Laocoonte, vocês não salvaram ninguém! Vocês não são salvadores nem da cidade nem do mundo. A razão é impotente. A boca do Proud Three está destinada; o círculo de eventos fatais fechou-se em uma coroa sufocante de espirais de cobra. Horror no rosto, os apelos e gemidos do seu filho; o outro filho foi silenciado pelo veneno. Seu desmaio. Seu chiado: “Deixe-me ser...” (...Como o balido de cordeiros sacrificados Através da escuridão, ao mesmo tempo penetrante e sutil!..) E novamente - realidade. E veneno. Eles são mais fortes! Na boca da cobra a raiva arde poderosamente... Laocoonte, e quem te ouviu?! Aqui estão seus meninos... Eles... não estão respirando. Mas cada Tróia tem os seus próprios cavalos.
Fídias e os frisos do Partenon
Estátua de Zeus por Fídias em Olímpia
Suas imagens são sublimes e lindas. Fídias
Fídias Fídias. Estátua de Atenas
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A Grécia Antiga foi um dos maiores estados do mundo. Durante a sua existência e no seu território, foram lançadas as bases da arte europeia. Os monumentos culturais sobreviventes desse período testemunham as maiores conquistas dos gregos no campo da arquitetura, do pensamento filosófico, da poesia e, claro, da escultura. Poucos originais sobreviveram: o tempo não poupa nem as criações mais originais. Sabemos muito sobre a habilidade pela qual os antigos escultores da Grécia Antiga eram famosos graças às fontes escritas e às cópias romanas posteriores. No entanto, esta informação é suficiente para compreender a importância da contribuição dos habitantes do Peloponeso para
Períodos
Os escultores da Grécia Antiga nem sempre foram grandes criadores. A era do apogeu de sua habilidade foi precedida pelo período arcaico (séculos VII-VI aC). As esculturas que chegaram até nós a partir dessa época distinguem-se pela sua simetria e natureza estática. Eles não têm aquela vitalidade e movimento interno oculto que fazem as estátuas parecerem pessoas congeladas. Toda a beleza dessas primeiras obras se expressa no rosto. Já não é tão estático como o corpo: um sorriso irradia uma sensação de alegria e serenidade, conferindo um som especial a toda a escultura.
Após o término do período arcaico, segue-se o período mais fecundo, em que os antigos escultores da Grécia Antiga criaram suas obras mais famosas. Está dividido em vários períodos:
- clássico inicial - início do século V. BC. AC e.;
- alto clássico - século V AC e.;
- clássico tardio - século IV. AC e.;
- Helenismo - final do século IV. AC e. - eu século n. e.
Período de transição
Os primeiros clássicos são o período em que os escultores da Grécia Antiga começaram a se afastar da posição estática do corpo e a procurar novas formas de expressar suas ideias. As proporções ficam repletas de belezas naturais, as poses tornam-se mais dinâmicas e os rostos tornam-se expressivos.
O escultor da Grécia Antiga Myron criou justamente nesse período. Nas fontes escritas, ele é caracterizado como um mestre em transmitir a estrutura anatomicamente correta do corpo, capaz de captar a realidade com alta precisão. Os contemporâneos de Myron também apontaram suas deficiências: para eles, o escultor não sabia dar beleza e vivacidade aos rostos de suas criações.
As estátuas do mestre incorporam heróis, deuses e animais. Porém, o escultor da Grécia Antiga Myron deu maior preferência à representação de atletas durante suas conquistas em competições. O famoso “Discobolus” é sua criação. A escultura não sobreviveu até hoje no original, mas existem várias cópias dela. “Disco thrower” retrata um atleta se preparando para lançar seu projétil. O corpo do atleta é executado de forma soberba: os músculos tensos indicam o peso do disco, o corpo torcido lembra uma mola pronta para se desdobrar. Parece que demora apenas um segundo e o atleta lançará o projétil. 
As estátuas “Atena” e “Mársias” também são consideradas soberbamente executadas por Myron, que também chegaram até nós apenas na forma de cópias posteriores.
Auge
Excelentes escultores da Grécia Antiga trabalharam durante todo o período dos altos clássicos. Nesta época, os mestres na criação de relevos e estátuas compreendem tanto os métodos de transmissão do movimento quanto os fundamentos da harmonia e das proporções. Os altos clássicos são o período de formação dos alicerces da escultura grega, que mais tarde se tornou o padrão para muitas gerações de mestres, incluindo os criadores do Renascimento.
Nessa época trabalhavam o escultor da Grécia Antiga Policleto e o brilhante Fídias. Ambos fizeram as pessoas se admirarem durante a vida e não foram esquecidos durante séculos.
Paz e harmonia
Polykleitos funcionou na segunda metade do século V. AC e. Ele é conhecido como um mestre na criação de esculturas que retratam atletas em repouso. Ao contrário de “Disco Thrower” de Miron, seus atletas não estão tensos, mas relaxados, mas ao mesmo tempo o espectador não tem dúvidas sobre sua força e capacidades.
Policleto foi o primeiro a usar uma posição corporal especial: seus heróis muitas vezes descansavam em um pedestal com apenas uma perna. Essa postura criou uma sensação de relaxamento natural característica de uma pessoa em repouso.
Cânone
Maioria escultura famosa Polykleitos é considerado "Doriphoros" ou "Portador da Lança". A obra também é chamada de cânone do mestre, pois incorpora alguns dos princípios do pitagorismo e é um exemplo de uma forma especial de colocar uma figura, o contrapposto. A composição é baseada no princípio do movimento cruzado e desigual do corpo: o lado esquerdo (a mão que segura a lança e a perna recuada) está relaxado, mas ao mesmo tempo em movimento, em contraste com o direito tenso e estático (a perna de apoio e o braço esticado ao longo do corpo).
Policleto mais tarde usou uma técnica semelhante em muitas de suas obras. Os seus princípios básicos estão expostos num tratado de estética que não chegou até nós, escrito pelo escultor e denominado “Cânon”. Polykleitos dedicou nele um lugar bastante amplo ao princípio, que também aplicou com sucesso em suas obras, quando esse princípio não contradizia os parâmetros naturais do corpo.
Gênio reconhecido
Todos os antigos escultores da Grécia Antiga durante o alto período clássico deixaram criações admiráveis. No entanto, o mais destacado entre eles foi Fídias, considerado com razão o fundador da arte europeia. Infelizmente, a maioria das obras do mestre sobreviveu até hoje apenas como cópias ou descrições nas páginas de tratados de autores antigos. 
Fídias trabalhou na decoração do Partenon ateniense. Hoje, uma ideia da habilidade do escultor pode ser obtida a partir do relevo de mármore preservado, de 1,6 m de comprimento, que retrata numerosos peregrinos em direção ao resto das decorações do Partenon foram perdidas. O mesmo destino se abateu sobre a estátua de Atenas, aqui instalada e criada por Fídias. A deusa, feita de marfim e ouro, simbolizava a própria cidade, seu poder e grandeza.
Maravilha do mundo
Outros escultores notáveis da Grécia Antiga podem ter sido um pouco inferiores a Fídias, mas nenhum deles poderia se orgulhar de ter criado uma maravilha do mundo. O Olímpico foi feito por um mestre para a cidade onde aconteceram os famosos Jogos. A altura do Thunderer, sentado em um trono dourado, era incrível (14 metros). Apesar de tanto poder, o deus não parecia formidável: Fídias criou um Zeus calmo, majestoso e solene, um tanto rígido, mas ao mesmo tempo gentil. Antes de sua morte, a estátua atraiu muitos peregrinos em busca de consolo durante nove séculos.
Clássico tardio
Com o final do século V. BC. AC e. Os escultores da Grécia Antiga não secaram. Os nomes Scopas, Praxiteles e Lysippos são conhecidos por todos os interessados na arte antiga. Eles trabalharam no período seguinte, chamados de clássicos tardios. As obras destes mestres desenvolvem e complementam as conquistas da época anterior. Cada um à sua maneira, transformam a escultura, enriquecendo-a com novos temas, formas de trabalhar o material e opções de transmissão de emoções.
Paixões ferventes
Skopas pode ser considerado inovador por vários motivos. Os grandes escultores da Grécia Antiga que o precederam preferiram usar o bronze como material. Skopas criou suas criações principalmente em mármore. Em vez da tradicional calma e harmonia que preenchia as suas obras na Grécia Antiga, o mestre escolheu a expressão. Suas criações são cheias de paixões e emoções, parecem mais pessoas reais do que deuses imperturbáveis.
O friso do mausoléu de Halicarnasso é considerado a obra mais famosa de Skopas. Retrata Amazonomaquia - a luta dos heróis Mitos gregos com as guerreiras amazonas. As principais características do estilo inerente ao mestre são claramente visíveis nos fragmentos sobreviventes desta criação.
Suavidade
Outro escultor deste período, Praxíteles, é considerado o melhor mestre grego no que diz respeito à transmissão da graça do corpo e da espiritualidade interior. Uma de suas obras marcantes - Afrodite de Knidos - foi reconhecida pelos contemporâneos do mestre como a melhor criação já criada. A estátua de mármore da deusa tornou-se a primeira representação monumental do corpo feminino nu. O original não chegou até nós.
As características do estilo característico de Praxíteles são plenamente visíveis na estátua de Hermes. Com a pose especial do corpo nu, a suavidade das linhas e a suavidade dos meios-tons do mármore, o mestre conseguiu criar um clima um tanto sonhador que envolve literalmente a escultura.
Atenção aos detalhes
No final da era clássica tardia, outro famoso escultor grego, Lysippos, trabalhou. Suas criações se distinguiram por um naturalismo especial, elaboração cuidadosa de detalhes e algum alongamento de proporções. Lysippos se esforçou para criar estátuas cheias de graça e elegância. Ele aprimorou suas habilidades estudando o cânone de Policleto. Os contemporâneos notaram que as obras de Lísippo, ao contrário de Doríforo, davam a impressão de serem mais compactas e equilibradas. Segundo a lenda, o mestre foi o criador favorito de Alexandre, o Grande.
Influência oriental
Uma nova etapa no desenvolvimento da escultura começa no final do século IV. AC e. A fronteira entre os dois períodos é considerada a época das conquistas de Alexandre o Grande. Com eles começa realmente a era do Helenismo, que foi uma combinação da arte da Grécia Antiga e dos países orientais.
As esculturas deste período baseiam-se nas conquistas de mestres dos séculos anteriores. A arte helenística deu ao mundo obras como a Vênus de Milo. Ao mesmo tempo, surgiram os famosos relevos do Altar de Pérgamo. Em algumas obras do helenismo tardio, há um apelo notável a assuntos e detalhes do cotidiano. Desta vez teve forte influência no desenvolvimento da arte do Império Romano.
Finalmente
A importância da antiguidade como fonte de ideais espirituais e estéticos não pode ser superestimada. Os antigos escultores da Grécia Antiga estabeleceram não apenas as bases de seu próprio ofício, mas também os padrões para a compreensão da beleza do corpo humano. Eles foram capazes de resolver o problema de representar o movimento mudando a pose e mudando o centro de gravidade. Os antigos escultores da Grécia Antiga aprenderam a transmitir emoções e experiências com a ajuda da pedra processada, a criar não apenas estátuas, mas figuras praticamente vivas, prontas para se mover a qualquer momento, suspirar, sorrir. Todas estas conquistas constituirão a base para o florescimento da cultura durante o Renascimento.
