O século V na história da escultura grega do período clássico pode ser chamado de “um passo à frente”. Desenvolvimento de escultura Grécia antiga neste período está associado aos nomes de mestres famosos como Myron, Polyclene e Fídias. Em suas criações, as imagens tornam-se mais realistas, se podemos dizer, até “vivas”, e diminui o esquematismo característico da escultura arcaica. Mas os principais “heróis” continuam sendo os deuses e as pessoas “ideais”.

Myron, que viveu em meados do século V. AC e, que conhecemos por meio de desenhos e cópias romanas. Este brilhante mestre tinha um excelente domínio da plasticidade e da anatomia, e transmitia claramente liberdade de movimento nas suas obras (“Discobolus”). Também é conhecida sua obra “Atenas e Mársias”, que foi criada a partir do mito desses dois personagens. Segundo a lenda, Atena inventou a flauta, mas enquanto tocava percebeu como a expressão de seu rosto mudou feia; com raiva, ela jogou o instrumento e amaldiçoou todos que o tocassem. Ela era vigiada o tempo todo pela divindade da floresta Marsyas, que tinha medo da maldição. O escultor tentou mostrar a luta de dois opostos: a calma diante de Atenas e a selvageria diante de Mársias. Os conhecedores de arte moderna ainda admiram seu trabalho e suas esculturas de animais. Por exemplo, cerca de 20 epigramas foram preservados em uma estátua de bronze de Atenas.

Policleto, que trabalhou em Argos, na segunda metade do século V. AC e, é um representante proeminente da escola do Peloponeso. A escultura do período clássico é rica em suas obras-primas. Ele era um mestre da escultura em bronze e um excelente teórico da arte. Polykleitos preferia retratar atletas, nos quais as pessoas comuns sempre viam um ideal. Entre suas obras estão as famosas estátuas de “Doryphoros” e “Diadumen”. O primeiro trabalho é o de um guerreiro forte com uma lança, a personificação da dignidade serena. O segundo é um jovem esbelto com uma bandagem de vencedor de competição na cabeça.

Fídias é outro representante proeminente do criador da escultura do período clássico. Seu nome ressoou intensamente durante o apogeu da arte clássica grega. Suas esculturas mais famosas foram as colossais estátuas de Atena Partenos e Zeus no Templo Olímpico feitas de madeira, ouro e marfim, e Atena Promachos, feita de bronze e localizada na praça da Acrópole de Atenas. Essas obras-primas de arte estão irremediavelmente perdidas. Apenas as descrições e pequenas cópias romanas nos dão uma vaga ideia da magnificência destas esculturas monumentais.

Atena Partenos, uma escultura impressionante do período clássico, foi construída no Templo do Partenon. Tinha uma base de madeira de 12 metros, o corpo da deusa era coberto com placas de marfim e as próprias roupas e armas eram feitas de ouro. O peso aproximado da escultura é de dois mil quilos. Surpreendentemente, as peças de ouro eram retiradas e pesadas novamente a cada quatro anos, já que eram o fundo de ouro do estado. Fídias decorou o escudo e o pedestal com relevos nos quais representava a si mesmo e a Péricles na batalha contra as Amazonas. Por isso foi acusado de sacrilégio e enviado para a prisão, onde morreu.

A estátua de Zeus é outra obra-prima da escultura do período clássico. Sua altura é de quatorze metros. A estátua representa a divindade grega suprema sentada com a deusa Nike na mão. A estátua de Zeus, segundo muitos historiadores da arte, é maior criação Fídia. Foi construído usando a mesma técnica da criação da estátua de Atena Partenos. A figura era de madeira, representada nua até a cintura e coberta com placas de marfim, e as roupas eram cobertas com folhas de ouro. Zeus estava sentado no trono e na mão direita segurava a figura da deusa da vitória Nike, e na esquerda havia uma vara, que era um símbolo de poder. Os antigos gregos viam a estátua de Zeus como outra maravilha do mundo.

Atena Promachos (cerca de 460 aC), uma escultura de bronze de 9 metros da Grécia antiga, foi construída entre as ruínas depois que os persas destruíram a Acrópole. Fídias “dá à luz” uma Atenas completamente diferente - na forma de uma guerreira, uma importante e rigorosa protetora de sua cidade. Ela tem uma lança poderosa na mão direita, um escudo na esquerda e um capacete na cabeça. Atenas nesta imagem representava o poder militar de Atenas. Esta escultura da Grécia antiga parecia reinar sobre a cidade, e todos que viajavam por mar ao longo da costa podiam contemplar o topo da lança e a crista do capacete da estátua, brilhando aos raios do sol, coberto de ouro. Além das esculturas de Zeus e Atenas, Fídias cria imagens de bronze de outros deuses na técnica crisoelefantina e participa de concursos de escultura. Ele também foi o líder de grandes obras, por exemplo, a construção da Acrópole.

ABSTRATO

Na disciplina "Arte Russa e Estrangeira"

sobre o tema “Escultura da Grécia Antiga na Idade Clássica. Principais mestres e principais monumentos"

São Petersburgo

2009

1. Introdução

No final do século VI. AC e. Muitas mudanças ocorreram nas cidades gregas. As tiranias do passado foram substituídas pela democracia escravista. Os turbulentos acontecimentos políticos internos foram acompanhados pelo surto que eclodiu no início do século V. AC e. uma guerra feroz e prolongada com os persas (somente em 449 aC a paz foi concluída).

O significado do conflito greco-persa vai muito além das fronteiras da disputa entre dois povos antigos. Foi um choque de visões de mundo opostas: as cidades helénicas, com as suas novas aspirações democráticas, opuseram-se ao governo despótico da monarquia persa. É difícil dizer como a civilização europeia teria se desenvolvido se os persas tivessem estrangulado a cultura helênica.

Foi durante este período de provações que se abateu sobre os gregos que ocorreu uma viragem claramente expressa na arte. A reprodução arcaica e em grande parte convencional da realidade foi substituída por uma clássica - mais próxima da personificação da realidade visível como parecia ao homem. A convenção inerente aos monumentos de arte de todos os tempos não desapareceu completamente, mas apenas assumiu novas formas em imagens plásticas e pictóricas exteriormente mais próximas da realidade.

O período clássico da arte helênica, de acordo com a periodização geralmente aceita, durou cerca de dois séculos e caiu nos séculos V-IV. AC e., porém, dentro de seus limites é necessário distinguir várias etapas.

Na era dos primeiros clássicos (primeira metade do século V aC), as imagens artísticas são caracterizadas por um maior dinamismo das formas, muitos elementos da convenção arcaica tardia ainda são preservados e a tensão emocional causada pela situação geral durante os anos de batalhas ferozes com os persas são sentidas. Mais tarde, na segunda metade do século V. BC. AC e., quando o mundo grego colheu os frutos de sua vitória na guerra, as imagens da arte adquiriram um caráter predominantemente calmo, orgulhoso e solene. Esta época de apogeu da cultura helênica, quando trabalharam os destacados escultores Policletos, Fídias e outros grandes mestres, é chamada de altos clássicos. No final do século V. AC e. houve uma transição para os clássicos tardios (século IV aC). Monumentos com um novo som emocional - ora extremamente perturbador, ora elegíaco e sonhador - surgiram nas oficinas de escultores como Scopas, Praxiteles, Lysippos.

2. Escultura da Grécia Antiga do início da era clássica

Os maiores escultores dos primeiros clássicos são Pitágoras de Régio e Míron. Julgamos o trabalho de escultores gregos famosos principalmente a partir de evidências literárias e cópias posteriores de suas obras.

2.1. Pitágoras de Régio

Pitágoras de Régio nasceu na ilha Samos , posteriormente mudou-se para Régio, no sul da Itália. Pitágoras de Régio foi um contemporâneo e rival Mirona . Falavam dele como o primeiro escultor em cuja obra se procurou manter o ritmo e a proporcionalidade. Fontes antigas retratam Pitágoras como um dos mais brilhantes mestres de um estilo estrito. Pitágoras trabalhou sob encomenda de muitas cidades gregas nos Bálcãs, na Grécia oriental e ocidental. Sua vida criativa supostamente durou 40 anos, de 480 a 440 AC. A julgar pelas breves observações de escritores antigos sobre o seu estilo, Pitágoras foi um inovador. Ele foi o primeiro a representar “músculos e veias” e a interpretar o cabelo de forma mais realista. Segundo a lenda, Pitágoras de Régio também é o autor do termo “ simetria ", com o qual ele denotou um padrão espacial na disposição de partes idênticas de uma figura ou das próprias figuras. O interesse particular do escultor centrou-se nas figuras de atletas, que, após o fim das guerras, adquiriram um estatuto muito especial, quase heróico, na arte da Hélade.

Com base nesses dados em pequenos bronzes (Pitágoras era bronzeador) e entre cópias romanas que refletiam obras de estilo rigoroso, os cientistas selecionaram aqueles que melhor satisfaziam todas essas características. Muito provavelmente, a imagem de um atleta, retratada na estatueta de bronze do Atleta de Aderno (c. 460 aC), remonta a Pitágoras. O jovem é retratado em pé, com as mãos ligeiramente abertas para os lados: ele servia uma libação de uma tigela. Ele parece estar parado com calma, mas na verdade não há rigidez em sua figura: ele vira a cabeça em direção à perna de apoio. Existe um conceito “tectónico” na construção da figura, apresentada de uma forma muito madura e original. Porém, o atleta de Aderno, em pé, continua se movimentando aos solavancos; parece que ele congelou apenas por um minuto e a imobilidade é um estado incomum para ele. Apesar de a figura ser desenhada para percepção frontal, a plasticidade do corpo se desenvolve sutilmente e envolve um andar circular.

O reflexo da estátua pitagórica do cítaro Cleon, feita para Tebas, é visto em uma estatueta de bronze de l'Hermitage (c. 460 - 450 aC). O tocador de lira do Hermitage é quase um menino, senta-se numa pedra e toca um instrumento; a parte superior do corpo está nua, a parte inferior coberta por uma capa. O jovem é alegre e enérgico, muito descontraído, e parece, como no caso do atleta de Aderno, que a ação não congelou no momento em que o mestre a fixou - ela continua. A estatueta é bem feita, também é redonda, com um contraste original de peças carregadas e livres.

Entre as obras de Pitágoras está a estátua original do coxo Filoctetes. Plínio relata que o espectador, olhando para Filoctetes, sentiu a mesma dor aguda que o herói sentiu ao ser picado no calcanhar por uma cobra na ilha de Lemnos. A história de Filoctetes, notável arqueiro que empunhava o arco de Hércules, se confunde com a história da Guerra de Tróia: o herói será levado para Tróia pelos aqueus da ilha de Lemnos, e estará destinado a atingir o troiano Paris com uma flecha. É importante que Pitágoras não escolha um ato brilhante no destino de Filoctetes, mas, pelo contrário, um ato difícil e sofrido. A escolha de um herói deficiente físico - coxo - é indicativa de um estilo rigoroso com seu amor por acontecimentos extraordinários, mas ainda assim único.

Aparentemente, Pitágoras não era apenas um “cantor de força física”, como acreditam vários cientistas. Mesmo em figuras calmamente em pé, ele permanecia dinâmico e pulsante. Sua arte glorifica os heróis corajosos da Hélade do pós-guerra no século V. AC. em um estilo que representa uma síntese única das tradições jônicas, dóricas e do sul da Itália.

2.2. Miron

Myron, escultor grego do século V. AC, representativo do período de transição da escultura dos primeiros clássicos para a arte da época de Péricles. Nasceu na cidade de Eleuthera, na fronteira da Ática e da Beócia. Os antigos o caracterizam como o maior realista e especialista em anatomia, que, no entanto, não sabia dar vida e expressão aos rostos. Ele retratou deuses, heróis e animais, segundo críticas de antigos conhecedores, procurou transmitir o máximo de tensão na imagem. A sua actividade remonta aproximadamente a meados do século V. - a época das vitórias de três atletas, cujas estátuas esculpiu em 456, 448 e 444 aC. Myron foi um contemporâneo mais velho de Fídias e Policleto e foi considerado um dos maiores escultores de seu tempo. Ele trabalhou em bronze, mas nenhuma de suas obras sobreviveu; eles são conhecidos principalmente por cópias.

Sua obra mais famosa é “O Lançador de Disco” (c. 450 a.C.), um atleta que pretende lançar um disco, estátua que sobrevive até hoje em vários exemplares, dos quais o melhor é feito de mármore e está localizado no Palácio Massimi (em Roma).

A estátua era de bronze. O jovem é retratado no momento de preparação para o lançamento do disco, em uma pose dinâmica, como se estivesse congelado por um momento. Um segundo depois, ele se endireitou como uma mola e jogou o disco. A figura é construída de tal forma que todo o corpo do jovem não só fica dobrado, mas também gira: a perna esquerda livre repousa sobre os dedos dos pés, o tronco fica extremamente tenso, o peito e o rosto ficam virados de frente, mas o olhar não se dirige ao espectador, não diretamente, mas ao disco. O lançador de disco tem excelentes proporções e é anatomicamente perfeitamente construído. A figura é muito naturalista em suas partes individuais e ao mesmo tempo completamente ideal como um todo. A cabeça do Discóbolo, considerada separadamente, apresenta uma forte assimetria das duas metades: a bochecha esquerda é mais redonda, o olho é mais estreito e alongado, a sobrancelha é curvada mais acentuadamente, a boca é inclinada para o lado. Mas como a cabeça está abaixada e vista pelo espectador em uma posição difícil, esses ajustes visam harmonizar o geral. Esta figura arrojada e original, com um espaço ideal luminoso, intrometendo-se no mundo circundante com um ângulo e sugerindo uma mudança instantânea de disposição (num minuto, em vez de uma cabeça, um disco cortará o espaço frontal) - a estátua de o Discobolus é construído com orientação para o ponto de vista frontal. Não é redondo, nem volumoso. Quando visto de perfil, ele encolhe e estreita, perdendo volume, e sua visão traseira fica incompleta. O design magnífico e dinâmico de Myron é realizado em um esquema achatado – planimétrico. No entanto, isso não é de forma alguma uma deficiência de Myron, mas característica distintiva seus talentos. Muitos escultores atenienses, incluindo Fídias, estavam mais inclinados a esses aspectos de fachada do que à forma dórica redonda.

Outro famoso monumento de Myron é o grupo de Atenas com Mársias, (c. 450 aC), dedicado à Acrópole de Atenas. Foi reconstruído com base em várias fontes: menções de autores antigos, uma imagem num vaso ático de figuras vermelhas por volta de 440 aC. (Berlim, Museus Estatais) e cópias romanas.

Myron apresentou uma situação típica do estilo estrito: o confronto da deusa do Olimpo com uma divindade inferior, o homem forte Marsyas. A lenda conta como Atena inventou a flauta, mas ao ver seu reflexo na superfície da água com as bochechas inchadas, jogou fora o instrumento indignada. O forte Marsias se aproximou para agarrar a flauta, mas Atena o ameaçou com uma maldição e o proibiu de tocar na flauta.

Myron combinou organicamente suas estátuas. Ele conecta ambos psicologicamente - com um único motivo de flauta, uma única ação, e opticamente - com contraste e consonância de movimentos rítmicos. Uma cópia em mármore de "Marsias" (o original foi fundido em bronze) permaneceu por muitos anos no Museu de Latrão como uma estátua independente, até que, com base em imagens de moedas e na história de Pausânias, foi possível estabelecer que "Marsias" representava parte de um grupo.

3. Escultura da Grécia Antiga do Alto Clássico

Na arte dos grandes clássicos, ideias e sentimentos que eram universais em sua essência foram incorporados com força especial. Esforçando-se para expressar o significado profundo e oculto de uma imagem artística da forma mais clara e geral possível, os mestres libertaram-se, tanto quanto possível, de tudo o que lhes parecia demasiado detalhado e específico.

Formas de arte ao longo do século V. AC e. mudou muito visivelmente. A dinâmica e a mobilidade das imagens predominantemente heróicas dos primeiros clássicos, cujo caráter foi determinado pela tensão de todas as forças dos helenos durante as guerras persas, deram lugar a uma paz sublime que correspondia ao estado de espírito dos gregos, que perceberam o significado de sua vitória.

Atenas, onde se concentravam as principais finanças da união, prosperou. São os anos do reinado de Péricles, que esteve à frente da democracia ateniense, época de intensa atividade dos grandes escultores Fídias e Policleto. Atenas, destruída pelos persas, foi reconstruída, e os mais talentosos arquitetos, escultores e pintores vieram para lá para criar um magnífico conjunto de edifícios na Acrópole. Atenas tornou-se uma das cidades mais famosas e bonitas da época. O auge da escultura grega antiga foram, aparentemente, as estátuas crisoelefantinas de Atena Partenos e Zeus Olímpico de Fídias (ambas não sobreviveram).

3.1. Fídias

Fídias, um antigo escultor grego considerado por muitos o maior artista da antiguidade. Fídias era natural de Atenas, o nome de seu pai era Cármides. Fídias estudou a habilidade de escultor em Atenas, na escola de Hegeias, e em Argos, na escola de Agelas (nesta última, talvez na mesma época que Policleto). Entre as estátuas existentes não existe uma única que tenha pertencido sem dúvida a Fídias. O nosso conhecimento da sua obra baseia-se em descrições de autores antigos, no estudo de cópias posteriores, bem como em obras sobreviventes que são atribuídas a Fídias com maior ou menor certeza.

Entre os primeiros trabalhos de Fídias, criados c. 470–450 AC, devemos citar a estátua de culto de Atena Areia em Platéia, feita em madeira dourada (roupas) e mármore pentélico (rosto, braços e pernas). No mesmo período, aprox. 460 aC, refere-se ao complexo memorial em Delfos, construído em homenagem à vitória ateniense sobre os persas na Batalha de Maratona. Ao mesmo tempo (c. 456 aC), e também com recursos do saque capturado na Batalha de Maratona, Fídias instalou uma colossal estátua de bronze de Atena Promachos (Protetora) na Acrópole. Outro estátua de bronze Atenas na Acrópole, chamada Atena Lemnia, que segura um capacete na mão, foi criada por Fídias c. 450 a.C. por ordem dos colonos áticos navegando para a ilha de Lemnos. Talvez as duas estátuas localizadas em Dresden, assim como a cabeça de Atenas de Bolonha, sejam cópias dela.

A estátua crisoelefantina (ouro e marfim) de Zeus em Olímpia foi considerada nos tempos antigos a obra-prima de Fídias. Dion Crisóstomo e Quintiliano (século I dC) dizem que graças à beleza insuperável e à criação piedosa de Fídias, a própria religião foi enriquecida, e Dion acrescenta que quem viu esta estátua esquece todas as suas tristezas e adversidades. Uma descrição detalhada da estátua, considerada uma das sete maravilhas do mundo, está disponível em Pausanias. Zeus foi retratado sentado. Na palma da mão direita estava a deusa Nike, e na esquerda ele segurava um cetro, em cima do qual estava uma águia. Zeus era barbudo e tinha cabelos compridos, com uma coroa de louros na cabeça. A figura sentada quase tocou o teto com a cabeça, de modo que parecia que se Zeus se levantasse, explodiria o telhado do templo. O trono foi ricamente decorado com ouro, marfim e pedras preciosas. Na parte superior do trono, acima da cabeça da estátua, foram colocadas de um lado as figuras das três Caritas e do outro as três estações; dançando Niki foram retratados nas pernas do trono. Nas travessas entre as pernas do trono havia estátuas representando as competições olímpicas e a batalha dos gregos (liderados por Hércules e Teseu) com as amazonas. O pedestal do trono, em pedra negra, foi decorado com relevos dourados representando os deuses, em particular Eros, que encontra aquele que emerge ondas do mar Afrodite e Peyto (deusa da persuasão) coroando-a com uma coroa de flores. Uma estátua de Zeus Olímpico ou uma de suas cabeças foi retratada em moedas cunhadas em Elis. Não havia clareza quanto à época de criação da estátua na antiguidade, mas desde que a construção do templo foi concluída ca. 456 aC, a estátua provavelmente foi erguida o mais tardar c. 450 a.C. (agora houve novas tentativas de situar Zeus de Olímpia em uma época posterior à Atena Partenos).

Quando Péricles iniciou uma extensa construção em Atenas, Fídias chefiou todas as obras da Acrópole, entre outras coisas, a construção do Partenon, que foi executada pelos arquitetos Ictinus e Calicrates em 447-438. AC O Partenon, templo da deusa padroeira da cidade de Atenas, uma das mais famosas criações da arquitetura antiga, era um peripterus dórico. A abundante decoração plástica do templo foi realizada por um grande grupo de escultores, trabalhando sob a supervisão de Fídias e, provavelmente, de acordo com seus esboços (os mais famosos são os frisos em relevo do Partenon, agora no Museu Britânico, e as estátuas fragmentariamente preservadas dos frontões).

A estátua crisoelefantina de culto de Atena Partenos que ficava no templo, concluída em 438 aC, foi esculpida pelo próprio Fídias. A descrição de Pausânias e numerosas cópias dão uma ideia bastante clara disso. Atena foi retratada em pé, usando uma longa túnica pendurada em dobras pesadas. Na palma da mão direita de Atena estava a deusa alada Nike; no peito de Atena havia uma égide com a cabeça da Medusa; na mão esquerda a deusa segurava uma lança e um escudo encostado em seus pés. A cobra sagrada de Atenas (Pausanias a chama de Erichthonius) enrolada em torno da lança. O pedestal da estátua representava o nascimento de Pandora (a primeira mulher). Como escreve Plínio, o Velho, do lado de fora do escudo houve uma batalha com as Amazonas, do lado de dentro houve uma luta entre deuses e gigantes, e nas sandálias de Atenas havia uma imagem de uma centauromaquia. Na cabeça da deusa havia um capacete coroado com três cristas, no meio das quais representava uma esfinge, e as laterais eram grifos. Atena tinha joias: colares, brincos, pulseiras.

A semelhança do estilo com as esculturas e relevos do Partenon é sentida nas estátuas de Deméter (cópias dela estão em Berlim e Cherchel, na Argélia) e Kore (cópia na Villa Albani). Os motivos de ambas as estátuas são usados ​​no famoso grande relevo de Elêusis (Atenas, Museu Arqueológico), cuja cópia romana está no Metropolitan Museum of Art de Nova York.
etc..................

A concentração de riquezas cada vez maiores nas mãos de grandes proprietários de escravos ocorre no final do século V. AC e. a um declínio na importância do trabalho livre nas cidades-estado, a uma crise da democracia escravista. A destrutiva Guerra do Peloponeso aprofundou a crise.
A subordinação das cidades-estado gregas ao poderoso poder macedónio que emergiu nos Balcãs e as conquistas de Alexandre o Grande no Oriente puseram fim ao período clássico História grega. O colapso das poleis levou à perda do ideal de cidadão livre na filosofia e na arte. Os trágicos conflitos da realidade social fizeram surgir uma visão mais complexa dos fenómenos da vida, do homem, e levaram a mudanças significativas no campo da arte, que se torna algo contraditório. Ele perde a fé clara na possibilidade de uma vida harmoniosa e perfeita, e o espírito de heroísmo cívico enfraquece. Porém, como antes, a principal tarefa artística continuava sendo a imagem de uma pessoa bonita; a escultura continuou a ser amplamente associada à arquitetura. Mas os artistas voltaram-se cada vez mais para aspectos da existência humana que não se enquadravam nas imagens e ideias mitológicas do passado. Desenvolvendo e aprofundando as conquistas dos grandes clássicos, os principais mestres do século IV. AC colocou o problema de transmitir as experiências contraditórias de uma pessoa, mostrando um herói dilacerado por dúvidas profundas, entrando numa luta trágica com as forças hostis do mundo circundante. Os primeiros sucessos foram alcançados na revelação da vida espiritual do indivíduo. Surge, ainda que em termos mais gerais, um interesse pela vida quotidiana e pelos traços característicos da constituição psicológica de uma pessoa.

Arquitetura
O desenvolvimento da arquitetura foi desigual. No primeiro terço do século IV. AC e. Registou-se um declínio bem conhecido na actividade de construção, reflectindo a crise económica e social das cidades-estado gregas. Este declínio foi sentido de forma mais aguda em Atenas, que foi derrotada na Guerra do Peloponeso. Posteriormente, a construção desenvolveu-se de forma bastante intensa, especialmente na periferia.
Edifícios do século IV. antes de mim. e. seguiu os princípios do sistema de pedidos. Junto com os templos, a construção de teatros, geralmente localizados sob ar livre. Os assentos para os espectadores foram recortados ao longo da encosta (o teatro de Epidauro tinha 52 fileiras de bancos), emoldurando uma orquestra redonda ou semicircular - plataforma onde se apresentavam o coro e os artistas. A acústica do teatro em Epidauro é incrivelmente perfeita.
Surgiram construções dedicadas à exaltação de um indivíduo ou de um monarca autocrático. Em homenagem à vitória no concurso de coro, subsidiado pelo rico ateniense Lisicrates, foi construído um monumento em Atenas (334 aC), que era um esbelto cilindro decorado com pilastras.
Erguido sobre um pedestal cúbico e encimado por uma cobertura em forma de cone, é encimado por uma acroteria - uma espécie de suporte para o prêmio - um tripé. O monumento, de pequenas dimensões, dá a impressão de harmonia e grandeza graças ao uso habilidoso da ordem coríntia. Uma escala e caráter de formas completamente diferentes distinguem o Mausoléu de Halicarnasso - o grandioso túmulo monumental do governante Kari Mausolus (c. 353 aC).

Escultura
O caráter geral da escultura clássica tardia foi determinado pelo desenvolvimento de tendências realistas.

Escopas. As trágicas contradições da época encontraram a sua encarnação mais profunda na obra do maior mestre da primeira metade do século IV. antes de mim. e. Skopas, que trabalhou em diferentes cidades da Grécia Antiga. Preservando as tradições da arte monumental dos grandes clássicos, Skopas imbuiu suas obras de grande dramatismo, buscando uma divulgação multifacetada de imagens, sentimentos complexos e experiências de uma pessoa. Os heróis de Skopas, como os heróis dos grandes clássicos, incorporavam as qualidades perfeitas de pessoas fortes e valentes. Mas rajadas de paixão perturbaram a clareza harmoniosa das imagens e deram-lhes um caráter patético. Skopas descobriu o reino do trágico no próprio homem, introduzindo temas de sofrimento e colapso interno na arte. Estas são as imagens de guerreiros feridos dos frontões do Templo de Atenas em Tegea (meados do século IV aC, Atenas, Museu Arqueológico Nacional). A cabeça de um guerreiro do frontão ocidental é apresentada em um giro rápido e patético; um jogo agudo e inquieto de claro-escuro enfatiza a expressão dramática. A estrutura harmônica do rosto é interrompida para revelar tensão interna.

Cabeça de um guerreiro ferido no frontão oeste do Templo de Atena-Alen em Tega

Skonas preferiu trabalhar em mármore, quase abandonando o material preferido pelos mestres dos altos clássicos - o bronze. O mármore permitiu transmitir um jogo sutil de luz e sombra e vários contrastes texturais. A sua “Maenad” (“Bacantes”, c. 350 a.C., Dresden, Colecção Escultural), que sobreviveu numa pequena cópia antiga danificada, encarna a imagem de um homem possuído por um violento impulso de paixão. A dança da Ménade é rápida, a cabeça jogada para trás, os cabelos caem em ondas pesadas sobre os ombros. O movimento das dobras curvas de seu quíton enfatiza o impulso rápido do corpo.
Os heróis de Skopas parecem profundamente pensativos, elegíacos ou animados e apaixonados, mas são sempre harmoniosos e significativos. O friso do Mausoléu de Halicarnasso representando a batalha dos gregos com as amazonas (c. 350 aC, Londres, Museu Britânico) foi preservado. A parte do friso executada por Skopas é repleta de dinâmica e tensão rápidas. O movimento uniforme e gradualmente crescente do friso do Partenon é substituído por um ritmo de oposições enfaticamente contrastantes, pausas repentinas e explosões de movimento. O nítido contraste de luz e sombra enfatiza o drama da composição. O nome de Skopas está associado a uma notável lápide de um jovem (“Lápide de um jovem da Ática”, c. 340 aC, Atenas, Museu Arqueológico Nacional).
A influência da arte de Skopas em desenvolvimento adicional A arte plástica grega era enorme e só pode ser comparada com o impacto da arte do seu contemporâneo - Praxíteles.

Praxíteles. Em sua obra, Praxíteles recorreu a imagens imbuídas do espírito de harmonia clara e pura, reflexão calma e contemplação serena. Praxíteles e Scopas complementam-se, revelando os vários estados e sentimentos de uma pessoa, o seu mundo interior.
Tendo retratado belos heróis harmoniosamente desenvolvidos, Praxíteles também descobriu uma ligação com a arte dos grandes clássicos, porém, suas imagens, cheias de graça e sentimentos sutis, perderam a afirmação de vida heróica e a grandiosidade monumental das obras do apogeu, adquirindo um aspecto mais caráter liricamente refinado e contemplativo.
A maestria de Praxíteles é mais plenamente revelada no grupo de mármore “Hermes com Dionísio” (c. 330 aC, Olímpia, Museu Arqueológico).

Hermes com Dionísio

A curva graciosa da figura de Hermes, a postura relaxada e descansada do corpo jovem e esguio, o rosto lindamente inspirado. O mestre usa brilhantemente a capacidade do mármore para transmitir um jogo suave e cintilante de luz e sombra, as mais finas nuances de luz e sombra.
Praxíteles criou um novo ideal de beleza feminina, encarnando-o na imagem de Afrodite, que, depois de tirar a roupa, está prestes a entrar na água. Embora a estátua fosse destinada a fins de culto, a imagem de uma bela deusa nua foi libertada de majestade solene. Cativa pela sua vitalidade, perfeição de formas e proporções e incrível harmonia. A estátua era extremamente valorizada nos tempos antigos.
Afrodite de Cnidos causou muitas repetições em épocas subsequentes, mas nenhuma delas se comparou ao original, pois nelas predominava o princípio sensual, enquanto Afrodite de Cnidos encarnava a admiração pela perfeição da beleza humana. Afrodite de Cnidos (antes de 360 ​​aC) sobreviveu em cópias romanas, as melhores delas estão guardadas nos museus do Vaticano e de Munique, a cabeça de Afrodite de Cnidos está na coleção Kaufmann em Berlim.

Afrodite de Cnidos

Praxíteles às vezes introduzia características da vida cotidiana e elementos de gênero em imagens mitológicas. A estátua de “Apollo Saurocton” (terceiro quartel do século IV a.C., Roma, Vaticano) é a imagem de um adolescente elegante mirando em um lagarto correndo ao longo de um tronco de árvore. É assim que a imagem tradicional da divindade é repensada, adquirindo um colorido gênero-lírico.
Algumas das estátuas de Praxíteles foram habilmente pintadas pelo pintor Nicias.
A influência da arte de Praxíteles manifestou-se posteriormente em numerosas obras de escultura de parque da era helenística, bem como em pequenas obras plásticas, em particular, nas maravilhosas estatuetas de terracota (argila cozida) de Tanagra (por exemplo, “Afrodite em um Shell”, Leningrado, Hermitage, ou “Menina, envolta em um manto”, final do século IV a.C., Paris, Louvre). Estas imagens femininas elegantes e graciosas mantiveram todo o charme e pureza dos clássicos gregos. A poesia sutil inerente às obras de Praxíteles continuou a viver por muito tempo na pequena plástica.
Se na arte de Scopas e Praxíteles ainda existem ligações tangíveis com os princípios da alta arte clássica, então na cultura artística do último terço do século IV. AC e. esses laços enfraqueceram.
Importância de liderança na vida social e política mundo antigo adquirido pela Macedônia. Após as campanhas vitoriosas de Alexandre o Grande e sua conquista das cidades-estado gregas, e depois dos vastos territórios da Ásia que se tornaram parte do estado macedônio, começou uma nova etapa no desenvolvimento da sociedade antiga - o período do helenismo.
A ruptura do antigo e o surgimento do novo na arte, e principalmente na escultura, levaram à demarcação de direções: classicizante, idealista e realista, buscando novas formas de desenvolvimento baseadas no processamento das melhores conquistas dos clássicos.

Leohar. O representante mais proeminente da tendência idealizadora foi Leochares, o mestre da corte de Alexandre, o Grande. Sua estátua mais famosa é Apolo Belvedere (c. 340 aC, Roma, Vaticano), executada com alta habilidade profissional, caracterizada por grandeza calma e solenidade fria.

Apolo Belvedere

Lísipo. O maior escultor do movimento realista foi Lísippo, o último grande mestre dos clássicos tardios. O apogeu do seu trabalho remonta aos anos 40 e 30. século 4 AC e., durante o reinado de Alexandre, o Grande. Na arte de Lísipo, assim como na obra de seus grandes antecessores, foi resolvida a tarefa de individualizar a imagem de uma pessoa e revelar suas experiências; ele introduziu características de idade e ocupação mais claramente expressas. A novidade no trabalho de Lysippos foi o seu interesse pela natureza caracteristicamente expressiva do homem, bem como pela expansão das possibilidades visuais da escultura. Ele também possuía uma enorme estátua de bronze de Zeus (20 m de altura) (que não sobreviveu até hoje) e uma estatueta de Hércules de mesa, feita para Alexandre, o Grande.
Lísipo incorporou sua compreensão da imagem do homem na estátua de um jovem raspando areia de si mesmo após uma competição - “Apoxiomen” (325-300 aC, Roma, Vaticano), que ele apresentou não no momento de tensão, mas em estado de relaxamento. A figura esbelta do atleta é mostrada em uma extensão complexa, como se convidasse o espectador a dar a volta na estátua. O movimento é implantado livremente no espaço. O rosto expressa cansaço, os olhos profundos e sombreados olham para longe.

Apoxiomenes

Lysippos transmite habilmente a transição do estado de repouso para a ação e vice-versa. Esta é a imagem de Hermes descansando (330-320 aC, Nápoles, Museu Nacional).
A obra de Lísippo foi de grande importância para o desenvolvimento do retrato. Os retratos que ele criou de Alexandre o Grande revelam um profundo interesse em revelar o mundo espiritual do herói. A mais notável é a cabeça de mármore de Alexandre (Istambul, Museu Arqueológico), que revela uma imagem complexa e contraditória.
Imagens mais diferenciadas de pessoas apareceram na arte dos clássicos tardios tipos diferentes e em vários estados. Um aluno de Lísipo fez a cabeça do lutador Sátiro de Olímpia (c. 330 aC, Atenas, Museu Arqueológico Nacional), com observação realista impiedosa transmitindo força física bruta, primitividade da vida espiritual, melancolia sombria de caráter. O autor do retrato de um lutador não estava interessado em avaliar e condenar os lados feios do caráter humano, apenas os declarou. Assim, voltando-se para uma representação mais específica da realidade nas suas manifestações individuais, a escultura perdeu o interesse pela imagem heróica generalizada ideal e, ao mesmo tempo, pelo especial significado educativo que teve em períodos anteriores.

Vasos e pinturas
No final do período clássico, a natureza da pintura em vasos mudou. Tudo está nele lugar maior A ornamentação padronizada assumiu o controle, os motivos heróicos deram lugar aos de gênero e líricos. A pintura também evoluiu na mesma direção. De acordo com a decisão figurativa, “Afrodite Anadyomene”, pintura do famoso artista do final do século IV, ecoa a Afrodite de Praxíteles. AC e. Apeles, que enriqueceu a paleta colorida e utilizou a modelagem de luz e sombra com mais liberdade.
A diversidade de tendências na pintura monumental dos clássicos tardios é vividamente ilustrada pelas pinturas únicas de um mestre grego desconhecido encontradas no túmulo de Kazanlak, na Bulgária, na década de 1940, bem como pelos mosaicos coloridos em Pella, na Macedônia.

Artesanato artístico
Durante o período Clássico Tardio, o artesanato artístico continuou a florescer. Os vasos adquiriram formas mais complexas, às vezes os artesãos imitavam caros vasos de prata em argila com seus complexos relevos e relevos, e recorriam à pintura multicolorida. Produtos de metal, pratos de prata, xícaras douradas, etc. tornaram-se difundidos.
A arte dos clássicos gregos tardios completou um longo e frutífero caminho de desenvolvimento da arte grega antiga.

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O período clássico da escultura grega antiga ocorre entre os séculos V e IV aC. (clássico antigo ou “estilo estrito” - 500/490 - 460/450 AC; alto - 450 - 430/420 AC; “estilo rico” - 420 - 400/390. AC; Clássico Tardio - 400/390 - ca. 320 AC). Na virada de duas épocas - arcaica e clássica - ergue-se a decoração escultórica do Templo de Atena Afaia, na ilha de Egina. As esculturas do frontão ocidental datam da época da fundação do templo (510 - 500 a.C.), as esculturas do segundo frontão oriental, que substituiu os anteriores, datam do início do período clássico (490 - 480 a.C. ). O monumento central da escultura grega antiga dos primeiros clássicos são os frontões e métopas do Templo de Zeus em Olímpia (cerca de 468 - 456 aC). Outra obra significativa dos primeiros clássicos é o chamado “Trono de Ludovisi”, decorado com relevos. Vários originais de bronze também sobreviveram desta época - o “Cocheiro Délfico”, a estátua de Poseidon do Cabo Artemísio, Bronzes de Riace. Os maiores escultores dos primeiros clássicos são Pitágoras de Régio, Calamis e Myron. Julgamos o trabalho de escultores gregos famosos principalmente a partir de evidências literárias e cópias posteriores de suas obras. Os altos clássicos são representados pelos nomes de Fídias e Policletos. Seu apogeu de curto prazo foi associado ao trabalho em Acrópole de Atenas, isto é, com a decoração escultórica do Partenon (sobreviveram frontões, metopes e zóforos, 447 - 432 aC). O auge da escultura grega antiga foram, aparentemente, as estátuas crisoelefantinas de Atena Partenos e Zeus Olímpico de Fídias (ambas não sobreviveram). O “estilo rico” é característico das obras de Calímaco, Alkamen, Agorakrit e outros escultores do século V. AC e Os seus monumentos característicos são os relevos da balaustrada do pequeno templo de Nike Apteros na Acrópole ateniense (cerca de 410 a.C.) e uma série de estelas funerárias, entre as quais a estela de Hegeso é a mais famosa. As obras mais importantes da escultura grega antiga dos clássicos tardios são a decoração do templo de Asclépio em Epidauro (cerca de 400 - 375 aC), o templo de Atena Aley em Tegea (cerca de 370 - 350 aC), o templo de Ártemis em Éfeso ( cerca de 355 - 330 aC) e o Mausoléu de Halicarnasso (cerca de 350 aC), em cuja decoração escultórica trabalharam Scopas, Briaxides, Timóteo e Leochares. Este último também é creditado com as estátuas de Apolo Belvedere e Diana de Versalhes. Existem também vários originais em bronze do século IV. AC e. Os maiores escultores dos clássicos tardios são Praxíteles, Escopas e Lísippo, que em muitos aspectos anteciparam a era subsequente do Helenismo.

A escultura grega sobreviveu parcialmente em escombros e fragmentos. A maioria das estátuas são conhecidas por cópias romanas, que foram feitas em grande número, mas não transmitiam a beleza dos originais. Os copistas romanos os tornavam ásperos e secos e, ao converter itens de bronze em mármore, os desfiguravam com suportes desajeitados. As grandes figuras de Atena, Afrodite, Hermes, Sátiro, que vemos agora nos corredores de l'Hermitage, são apenas pálidas versões de obras-primas gregas. Você passa por eles quase com indiferença e de repente para diante de uma cabeça com o nariz quebrado, com o olho machucado: este é um original grego! E o incrível poder da vida subitamente emergiu deste fragmento; O mármore em si é diferente daquele das estátuas romanas - não de um branco mortal, mas amarelado, transparente, luminoso (os gregos também o esfregavam com cera, o que dava ao mármore um tom quente). As transições derretidas do claro-escuro são tão suaves, a escultura suave do rosto é tão nobre, que involuntariamente nos lembramos das delícias dos poetas gregos: essas esculturas realmente respiram, estão realmente vivas.

Na escultura da primeira metade do século, quando houve guerras com os persas, prevalecia um estilo corajoso e rigoroso. Foi então criado um grupo de estatuetas de tiranicidas: um marido maduro e um jovem, lado a lado, fazem um movimento impetuoso para a frente, o mais novo levanta a espada, o mais velho o protege com a capa. Este é um monumento a figuras históricas - Harmodius e Aristogeiton, que matou o tirano ateniense Hiparco várias décadas antes - o primeiro em Arte grega monumento político. Ao mesmo tempo, expressa o espírito heróico de resistência e amor à liberdade que irrompeu durante a era das guerras greco-persas. “Eles não são escravos dos mortais, não estão sujeitos a ninguém”, dizem os atenienses na tragédia de Ésquilo “Os Persas”.

Batalhas, lutas, façanhas de heróis. A arte dos primeiros clássicos está repleta desses temas bélicos. Nos frontões do Templo de Atenas em Egina - a luta dos gregos com os troianos. No frontão ocidental do Templo de Zeus em Olímpia está a luta dos Lápitas com os centauros, nas métopas estão todos os doze trabalhos de Hércules. Outro conjunto favorito de motivos são as competições de ginástica; naqueles tempos distantes, a preparação física e o domínio dos movimentos corporais eram decisivos para o resultado das batalhas, por isso os jogos atléticos estavam longe de ser apenas entretenimento. Desde o século 8 aC. e. As competições de ginástica aconteciam em Olímpia uma vez a cada quatro anos (seu início foi posteriormente considerado o início do calendário grego), e no século V eram celebradas com solenidade especial, e agora também estavam presentes poetas que liam poesia. O Templo de Zeus Olímpico - um clássico peripterus dórico - estava localizado no centro do distrito sagrado, onde aconteciam as competições, que começavam com um sacrifício a Zeus. No frontão oriental do templo, a composição escultórica representava o momento solene antes do início das corridas de cavalos: no centro está a figura de Zeus, de cada lado estão estátuas dos heróis mitológicos Pélope e Enómao, os principais participantes na próxima competição, nos cantos estão suas carruagens puxadas por quatro cavalos. Segundo o mito, o vencedor foi Pélope, em cuja homenagem foram instituídos os Jogos Olímpicos, que mais tarde foram retomados, como diz a lenda, pelo próprio Hércules.

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